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CapotonFurioso

Este blog esta destinado a compartir musica e información de bandas y solistas. Enjoy

Refused – War Music

War Music es la última creación del post-punk anticapitalista de los iconos suecos Refused. Los suecos parecieron aprovechar la energía de su fenomenal álbum de regreso de 2015, Freedom , y lo canalizaron en 10 canciones compactas cargadas de política en sus líricas. War Music comienza con un inquietante canto de la cantante y compositora sueca Miriam The Believer en la canción de apertura “REV001” antes de explotar en una enorme pared de riffs y gritos. Refused en su máxima expresión.

Lyxzen, es el que nivela todo, grita con convicción, mientras sus compañeros de banda golpean sus instrumentos con suficiente intensidad reverberante para hacer lo que él ordena. Después de eso está “I Wanna Watch the World Burn”, es tan adecuado para la bailarla como para un motín. A continuación, “Blood Red” presenta un estribillo que pide ser gritado por cientos de otras voces durante uno de sus shows en vivo, mientras “Malfire” alterna entre versos apagados y un estruendoso coro absolutamente majestuoso.

Musicalmente, es una versión más despojada y cruda de sus predecesores. El baterista David Sandstrom canaliza su mejor impresión de Brad Wilk y golpea el kit como si fuera la cabeza de Trump. Los guitarristas Kristofer Steen y Mattias Bärjed parecen haber duplicado el tamaño de sus amplificadores desde Freedom. La segunda mitad del álbum continúa la tendencia: ponga cualquiera de estas pistas en cualquier momento, y es probable que se sorprenda asintiendo con la cabeza hacia un ritmo infeccioso.

Estas canciones están magistralmente elaboradas. Sin embargo, la clave para hacer que War Music se destaque de álbumes anteriores de Refused es que la banda ha pulido su irregularidad de cortes y le ha inyectado una buena dosis de brevedad. Los riffs filosos, las voces estridentes y la estructura de la canción como una montaña rusa están aquí, aprovechando al máximo cada momento.

War Music, de alguna manera logra la hazaña de sonar más primitivo y aún más oportuno que Freedom. El enfoque simplificado se asemeja más al sonido en vivo de la banda. Algunas bandas pueden lograrlo, y otras no pueden salirse con la suya tan fácilmente.

La banda logra un equilibrio único entre sonar frescos con cosas que son típicas de la banda, si este fuera el primer disco que escucharas de ellos pensarías que es algo novedoso. Es simplemente lo que siempre hicieron y lo mejor que saben hacer. Enjoy

Lista de temas:

1.REV001

2.Violent Reaction
3.I Wanna Watch The World Burn
4.Blood Red
5.Malfire
6.Turn The Cross
7.Damaged III
8.Death In Vännäs
9.The Infamous Left
10.Economy Of Death

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Jasta – The Lost Chapters Vol. 2

Jamey Jasta es uno de los tipos más trabajadores en la música pesada, un tipo incansable, ya sea con su banda de cabecera (Hatebreed) o si no en algún proyecto paralelo. Para esta vez Jasta ha lanzado su nuevo disco solista, The Lost Chapters Vol. 2, y para este segundo álbum, ha reunido una línea de invitados especiales para cada canción. Alguno de los invitados son: Max Cavalera de Soulfly, Jesse Leach de Killswitch Engage, Matt Heafy de Trivium, George “Corpsegrinder” Fisher de Cannibal Corpse, Howard Jones de Light The Torch, Phil Rind de Sacred Reichy, Tommy Victor de Prong solo por nombrar algunos. Jasta es conocido por incorporar más melodía en la música y las voces en su material solista que en Hatebreed.

Muchas de las pistas van en una dirección de metal más directa, mientras se aferran a los elementos del hardcore. Hay un flujo decente en las pistas, desde el abrupto comienzo con “They Want Your Soul”, con Corpsegrinder de Cannibal Corpse, hasta el violento y rabioso “Silence The Enemy Mind” con BillyBio de Biohazard. La voz está muy en el ámbito de lo que Jasta hace en Hatebreed, pero también incorpora mucha más melodía. Por ejemplo, hace algunas armonías bastante dulces con Matt Heafy de Trivium en “When The Contagion Is You” y con Zoli Teglas de Ignite en “Cleansed By The Waves”.

La frutilla de la torta es el excelente cierre con una tremenda versión de “Holy Wars” de Megadeth, que presenta a Joey Concepcion de Sanctuary en la guitarra. No muchos eligen los temas del Colorado para versionar, no se si por su complejidad, y mucho menos de ese disco. La banda ejecuta con supremacía unos de los temas mas amados de Mustaine y cia. con total soltura y eficacia. Jasta hizo un gran trabajo al poner su propio giro en la voz, no deja de ser una versión bastante fiel a la original. También es la única pista que tiene solos de guitarra.

Los fanáticos de Hatebreed podrían no adoptar el enfoque de metal más melódico (los más cerrados) y directo en los discos de Jasta, pero es genial para los fanáticos que disfrutan un poco más de esas cosas, y también es bueno para Jasta sacar algunos de esos elementos que no necesariamente se ajustan a Hatebreed.

El estilo de ahora, en The Lost Chapters vol. 2 es más bien directo, tiene muchos ganchos para atraer al oyente, más allá de su interesante lista de invitados. También siento que las pistas podrían haber habido algunos solos de guitarra, creo que los solos ayudan a llevar las canciones a otro nivel. Si Jasta tomara en consideración agregar solos para su próximo placa en solitario, probablemente podría tener un álbum colosal en sus manos. Enjoy

Lista de temas:

The Want Your Soul (feat. George “Corpsegrinder” Fisher)
Return From War (feat. Max Cavalera)
Strength To Draw The Line (feat. Jesse Leach)
Cleansed By The Waves (feat. Zoli Teglas)
When The Contagion Is You (feat. Matt Heafy)
Spilled Blood Never Dries (feat. Kirk Windstein)
Heaven Gets What It Wants (feat. Howard Jones)
Silence The Enemy Mind (feat. BillyBio)
Just Breathing (feat. Frank Palmeri)
Our Guardian Angel (feat. Phil Rind)
13 Appears (feat. Tommy Victor)
Holy Wars (Megadeth cover) (feat. Joey Concepcion)

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Life Of Agony – Sounds Of Scars

“The Sound of Scars” es el sexto álbum de estudio de Life of Agony, y es también un registro conceptual que continúa la historia del debut de la banda “River Runs Red”.Para esta placa la banda presenta una nueva integrante a la banda, se trata de Veronica Bellino, ella toco con músicos y bandas muy grosas como DMC And The Hellraisers, Richie Sambora, Jeff Beck, Carmine Appice’s SLAMM y Street Drum Corp. Esta baterista vino a darle a la banda una gran dosis de adrenalina y calidad a la banda, haciendo cosas innovadoras a la música de LOA.

El registro de “regreso” de LOA con “A Place Where There’s No More Pain” consolidó su legado, pero esto…, está en otro planeta. Lo que han hecho es hacer sutiles guiños al registro ya mencionado ( River Runs Red ). Aun así hoy podrias escuchar este ultimo disco de LOA por primera vez y pensaras que estás escuchando uno de los mejores discos de hard rock del 2019.

Tienen una forma nueva de hacer las cosas, un sonido clásico pero fresco, que en discos anteriores no encontraran. “Scars” lo muestra, con ese riff grueso y unos gritos de Caputo que les traerá a la memoria a aquellos Stone Temple Pilots de los 90′. La letra, como siempre escrita principalmente por el bajista Alan Robert, es tan cruda, tan cruda que simplemente te dejas llevar por ella.

La voz Mina Caputo cumple una labor perfecta para la composición de esta placa, “Black Heart” también requiere una verdadera habilidad vocal para que sea pegadizo, pero ellos siempre fueron de hacer buenos ganchos y coros. Donde quiera que mires aquí, hay calidad musical, “Lay Down” es posiblemente el mejor de todos, han adoptado cosas de principios de los 90, pero le dan una vuelta de rosca para hacerlo autentico y contemporaneo.

“Empty Hole” te lleva directamente a una vorágine de emociones, pero sigue siendo un verdadero rock n roll, del mismo modo “My Way Out”, es rápido y furioso, coronada por “Eliminate” siendo casi un estruendo punk. Robert sobresale en su bajo aquí y el guitarrista Joey Z está en la cima de sus registros. Hay una dinámica ruidosa / silenciosa en “Once Below”, creando contrastes de pesadez y calma. “Stone” por otro lado tiene un riff de apertura aplastante, emanando fuerza desde el primer segundo. “Weight Of The World” es una pieza interesante, su guitarra se desestabiliza, no debería funcionar, pero lo hace con total naturalidad.

“¿Si puede, si alguno de nosotros puede, sin profundizar demasiado, o si todos estamos hechos de cicatrices?”, es una pregunta que Caputo hace en el cierre más épico de “I Surrender”, seis minutos de balada cercana que baja el telón de un registro maravilloso, y el refrán repetido de “no hay fe y no hay verdad” te deja preguntándote si ellos, o el personaje aquí, alguna vez encontrarán la paz.

Cuando salió “River Runs Red”, la revista Rolling Stone lo calificó como “uno de los mejores discos de metal de todos los tiempos” y su opinión probablemente tenga más importancia que la mía, así que solo diré que tenían razón. Solo agregaré que “El sonido de las cicatrices” es una excelente secuela que dejo aquella maravilla. Enjoy

Lista de temas:

1. Prelude

2. Scars

3. Black Heart

4. Lay Down

5. Then

6. Empty Hole

7. My Way Out

8. Eliminate

9. Now

10. Once Below

11. Stone

12. Weight of the World

13. When

14. I Surrender

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L.A.P.D. – Who’s Laughing Now

Hace un tiempo me dijeron que estaría bueno que escriba sobre el ultimo disco de Korn. Me puse a pensar, mientras escuchaba el disco, de donde venían, cuales fueron sus inicios, como se formaron y me di con esta banda, L.A.P.D.. La banda que después se transformo en lo que hoy es Korn. Me pareció mas importante hacer un post sobre esta banda que muy pocos conocen.

LAPD, que en un principio significo “Love And Peace Dude”, para que un tiempo más tarde sea “Laughing As People Die”, el lenguaje de la banda desde un principio fue una mezcla de Funk Metal y Thrash, se formo en 1989 en Bakersfield, California. Fue formada originalmente por Shaffer, Arvizu y Morrill, siendo Silveria el ultimo en entrar a la banda. La banda tenia fuertes influencias de los Red Hot Chili Peppers y Faith No More, por menciona algunas. Poco después de esto grabaron un demo para enviarse a las compañías discográficas. En 1991, lanzan su primer álbum de estudio “Who’s Laughing Now”. Poco después del lanzamiento del álbum  sufrió algunos cambios en su formación, es ahí que el resto del grupo se dispuso a dar forma a lo que seria Korn. Varios de los antiguos miembros de la banda han formado proyectos en solitario. En 1997, se lanzó un álbum recopilatorio compuesto por catorce pistas. La banda tomo su nombre de las iniciales del Departamento de Policía de Los Ángeles .

LAPD muestra una amplia gama de estilos e influencias, pero casi siempre sigue siendo Funky. Escucharán Crossover Thrash, Hardcore Punk, Grunge, Groove Metal e incluso un poco de Rap. Piensa que Primus se encuentra con D.R.I. y se abrazan con Beastie Boys, pues ahí tendrán una idea clara de qué esperar. Como con la mayoría del Funk Metal, estos chicos tienen un buen sentido del humor, que se muestra justo en la apertura del álbum. El abridor “P.M.S.” comienza con un clip de sonido de “Las Tortugas Ninjas” antes de golpear el cráneo del oyente. No hay nada del tema deprimente y oscuro como en los discos de Korn, este álbum es pura diversión.

El álbum es en general muy consistente, por lo que es difícil mencionar aspectos destacados, pero hay algunos en particular que se destacan por encima del resto. Para aquellos que quieren un Thrash-Funk asesino, “Excuse Me” ofrece esos productos. Tan pronto como la canción realmente comienza, golpea tu cara contra el suelo con este remolino descendente, justo antes de entrar en un riff de marcha Funky Thrash. Para un headbanger instantáneo, solo escucha “Place in France” y trata de no volverte adicto a ese riff. Al final. “Don’t Label Me” es un clásico del Funk Metal, y “All My Life” es una canción de Thrash Crossover corta pero divertida.

El vocalista Richard Morrill, el único miembro que no pasaría a formar Korn, puede cambiar de un tono a lo Les Claypool, gritos hardcore cruzados. Eso puede sonar extraño, pero agrega mucho encanto. James Shaffer ofrece un montón de riffs de puro Funk-Thrash, así como algunos solos excelentes en “Don’t Label Me” y “Listen (Do What I Say)”. En particular es impresionante cuando se combina con el dominio del bajo Funky de Reginald Arvizu. Por último, pero no menos importante, David Silveria trae una sección rítmica sólido junto a  Arvizu.

Hubiera sido agradable escuchar a LAPD continuar como algo secundario cuando los chicos no estén ocupados con Korn. Si eres fanático del Funk Metal, te recomiendo escuchar este álbum. Puede que no sea el nivel de dominio de Sailing the Seas of Cheese o SCIENCE, pero sigue siendo muy gratificante escucharlo. Enjoy

Lista de temas:

1. “P.M.S.” 5:14
2. “Don’t Label Me” 5:06
3. “St. Ides” 4:35
4. “All My Life” 0:44
5. “Who’s Got the Number” 2:31
6. “Excuse Me” 4:49
7. “Listen (Do What I Say)” 3:29
8. “Doe Tee Beat” 0:16
9. “Slicky Slixter” 2:38
10. “Place in France” 2:16
11. “Number 7”

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La Muerte Del Sol – La Muerte Del Sol

Me costó escribir sobre esta banda, aunque tenía mucho por decir (ya se darán cuenta de por qué digo esto). Más que una reseña, lo que sigue a continuación es una anécdota.
La Muerte del Sol es una banda de rock pesado formada a fines del 2016 en San Miguel de Tucumán, está integrada por Sebastián “Tigre” Valdez (ex Cabo de Hornos), Ezequiel Gómez (ex Delphoz) y Charly Carabajal (ex The Sin’s Name).
Tuve la suerte de verlos en vivo un par de veces, y como dije más de una vez, fue amor a primera escucha. A los chicos los conozco de hace años de la misma escena tucumana, pero tuvimos más cercanía cuando les hice una nota para TucumanRock.com. Es ahí cuando empezó una cierta amistad y estuvimos más en contacto con Charly, quien me mantenía al tanto de la banda, de las grabaciones del disco y demás.
Pasó largo tiempo sin saber de ellos, hasta que me crucé con Charly y le pregunté en qué había quedado la grabación del disco y me contestó: “ya lo tenemos desde hace rato pero estamos parados por cuestiones personales. Ya te lo voy a hacer llegar para que lo escuches”. Después de unos días cumplió con lo prometido.

Tenía mucha ansiedad de escuchar, sabiendo que me encantaba lo que hacían y aún más sabiendo que el genio de Ramiro Rodriguez estuvo tras los controles. Puse el CD en el auto y empecé a escuchar el sonido perfecto de una bata prácticamente envolvente y hasta hipnótica hasta reventar con un riff que me remonta a Sabbath, pero más moderno, se trataba de “El Juego de Matar”, el tema que abre el disco; empecé a sentir como se me erizaba la piel a medida que escuchaba este temazo.
Más allá de la poderosa música de la banda, es algo llamativo escuchar la voz de Charly y su manera de unir todo y dar forma a todo esto. Es agresiva y ácida, pero tiene el poder de transmitir con claridad sus líricas sin perder la melodía y la crudeza. Por otro lado, es inevitable mencionar la colosal base rítmica que poseen, cada cosa está tocada y arreglada para que todo funcione de manera efectiva, cada uno de los músicos aporta el ingrediente exacto para mantener el equilibrio en la banda, y por supuesto esto se refleja en su resultado final.

Si bien todo el disco está excelente, “Lluvia Negra” es uno de mis favoritos, es que tiene tanta fuerza que es inevitable contagiarse de su Sludge groovero. Cuando arranca el tema y Charly dice “El infierno está seco y los demonios aquí” seguido de una poderosa descarga, le ponen el sello de garantía a su material. La dinámica de sus composiciones aporta progresiones fantásticas, con la sazón justa para no empalagar. “Claroscuro” es quizás, el tema más progresivo del disco, pero esto no queda ahí, también está plagado de ingredientes de Post Metal. Es un tema oscuro, inquietante por momentos, que llamará tu atención a cada segundo manteniéndote expectante y sorprendiendo en todo el transcurso de la pista. Aquí el Tigre se luce con sus arreglos y cortes de manera excelsa.

El cuarto tema es el que le pone nombre a la banda y al disco, “La Muerte del Sol”, el tema más tranquilo y oscuro de la placa. Es innegable los tintes a Alice in Chains que posee, donde el bajo de Ezequiel es la vedette en ésta pista súper elaborada. Tiene de todo un poco: vehemencia, melodía, progresiones austeras, arreglos de cuerdas, en fin… Es pura belleza. Cabe mencionar que aparte de la excelente producción de Ramiro Rodríguez para MusicCorp Studio, el mastering se realizó en Rain City Recorders (Vancouver, Canadá) y estuvo a cargo de Stuart McKillop (Comeback Kid, entre otras). Esta data es algo importante al escuchar el poderoso y contundente sonido de esta obra de arte. El diseño de la portada estuvo a cargo de Gregorio Villagran, y refleja mucho de la música y de la banda.

“Entremorir” arranca de golpe y en seco, con una frase que me quedó grabada en la cabeza: “¿en donde más se esconde, tras la tormenta el hacedor del fuego?”, el tema es energía pura desde el primer segundo haciendo mover la cabeza en toda su duración, pero la frutilla del postre está a en el minuto 2:21 con un cambio generado con una guitarra que roza con el Death Metal, pero con un tiempo pesado y fangoso, ¡increíble!

“Mandrágora” es para mí el tema con más llegada, me refiero a su excelsa melodía que te cautiva de entrada, si bien el tema comienza con mucha vehemencia, con tremendos riffs y arreglos… Lo genial de este temazo, sin lugar a dudas es ese estribillo pegadizo que me quedé repitiendo desde la primera escucha, cuando dice “¡Jamás, jamás podrán encajonarme!”. Sin mencionar aún, las tremendas líneas de bajo de Ezequiel y el monumental punteo del final, esto es un hit por donde se lo escuche.

Y como si esto fuera poco, para el final está “Circus”. Groove, sería el común denominador de esta patada en el pecho hecha tema, todo el tiempo está bien arriba sin darte respiro. La lírica y la forma de cantar de Charly van de la mano en todo momento destacando con distintas intensidades las palabras justas para hacerte poner la piel de gallina. Un cierre fantástico para un discazo insuperable.

Después de escuchar esta maravilla, me contacté con Charly y le pregunté por qué el disco quedo ahí y no hicieron nada más, el me respondió que fue por problemas personales y por falta de tiempo. Fue ahí cuando les propuse ayudarlos ya que para mi era un despropósito que esta genialidad quede en la nada. A los días Charly me habló y me propuso ser su manager, como negarme a tan hermoso trabajo y más aún cuando se trata de una banda a la cual admirás.

Disfruten esto, dentro de poco tendremos más de ellos, ¡¡¡se los aseguro!!!! Enjoy

Lista de temas:

1. El Juego de Matar 04:16
2. Lluvia Negra 03:20
3. Claroscuro 04:04
4. La Muerte del Sol 05:46
5. Entremorir 03:32
6. Mandrágora 04:35
7. Circus 05:02

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Jinjer – Macro

En menos de 10 años, esta máquina demoledora de Metal Progresivo de cuatro piezas ha forjado su propio lugar en el paisaje del Heavy Metal. Si bien la banda es de un país que no es exactamente conocido por sus exportaciones de Heavy Metal, Jinjer se supo hacer un lugar en la escena mundial. Su segundo álbum Cloud Factory contribuyó a catapultarlos a la fama internacional. A principios de este año, la banda lanzó un EP titulado Micro, y nos dio un pantallazo de lo que se venía, esto podría clasificarse como música metal de próxima generación. “Macro” es la continuación de ese genial EP.

La placa comienza con “On the top”, que trae consigo un montón de momentos extraños y un ambiente djent y hasta incluso hardcore. Los patrones y estructuras son bastante únicos, los cuales ya son un sinónimo de la banda, cómo su estilo característico. La gente hoy en día busca cambios, algo fuera de lo común, algo refrescante, creo que esto es uno de los secretos del éxito de la banda.

La siguiente pista es “Pit of Consciousness”, donde Roman y Eugene son los arquitectos detrás de este sonido único, tienen una estructura estrechamente elaborada que se complementa entre sí sin mucha aglomeración. Las guitarras le dan la esencia djent y el bajo proporciona un elemento progresivo al sonido. Ambos van de la mano para crear el sonido de Jinjer y están completos cuando se combinan con el estilo distintivo de la bata de Vlad . Su estilo es diferente a cualquier otro y llena los espacios con clase, donde la imaginación de este músico juega un papel fundamental en la banda.

“Judgement (& Punishment)” tuvo muy buenas críticas cuando fue lanzado en Youtube. Su excelente cantante, Tatiana muestra su rango de voces y su capacidad para cambiar de limpio a áspero con solo un guiño. Mucha gente ya ha clasificado esta canción como Reggae Metal y no puedo estar más de acuerdo. La canción “Retrospection” toma un enfoque diferente. Comienza en una lengua nativa con un ambiente frío, casi celta y se vuelve más pesado a medida que avanza la canción, con harto groove. El álbum se vuelve más pesado a partir de que “Pausing Death” comienza a sonar y cambia los engranajes de Djent a Groove Metal.

Tiene una parte limpia y progresiva de la segunda mitad que suena y se siente familiar para algunas de sus pistas del EP y álbumes anteriores. Las líneas de bajo de Eugene brillan intensamente en “Noah”, trae un tono familiar como se escuchó en sus álbumes anteriores como Cloud Factory. La estructura se vuelve un poco predictiva a partir de este momento con las primeras mitades pesadas y las segundas mitades melódicas y jazzísticas. “Home Back” salta dentro y fuera de los elementos de Jazz haciendo de este un verdadero tema híbrido de Jazz y metal moderno.

“The Prophecy” comienza brutalmente pero se suaviza a través de su progresión. La canción de cierre “LanniereP” es una canción atmosférica que repite una melodía de “Micro”. En caso de que se pregunten qué canción del EP se trata, lean ese título al revés o contra un espejo.Con aproximadamente 41 minutos de duración, este es un registro de larga duración con un tiempo decente. Es una especie de continuación del EP con muchas detalles que conectan a ambos. También es un registro muy experimental. Se acuñó el término de una canción llamándola Djazz y, para ser sincero, eso es exactamente lo que clasificaría este álbum. Hay muchas de sus esencias que evidentemente fluyen a través de varias pistas, ya sea en las guitarras, patrones de batería o incluso en el estilo de vocalización. El punto en contra que tendría a mi parecer es la carencia de canciones emocionales que enriquezcan y sorprendan.

En conclusión, Jinjer continúa cautivando al público al sacar un metal contundente infundido con jazz como nunca antes. Macro será devorado por el público de todo el mundo, se los aseguro.

Macro es otra obra maestra experimental contundente de Jinjer que continúa consolidando su lugar en el mundo del metal moderno. Si bien carece de la emoción de su predecesor, lo compensa con una hibridación infundida con jazz y hasta reggae como nunca antes.

Lista de temas:

1. On The Top 05:28
2. Pit Of Consciousness 04:12
3. Judgement (& Punishment) 04:19
4. Retrospection 04:24
5. Pausing Death 04:44
6. Noah 04:13
7. Home Back 04:20
8. The Prophecy 04:01
9. lainnereP 05:28

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Husbandry – A Port in a Storm

Hace un largo tiempo que vengo recomendando esta banda, cuando salio su primer disco Fera o su excelente EP Bad Weeds Never Die . Es que Husbandry, es una de las bandas más originales en la faz de la tierra. Sera por la forma tan peculiar de componer o por esa espectacular voz versátil de Carina Zachary? No lo se…, lo que si se es que esta banda sabe lo que hace, y lo hace con calidad y total profesionalismo. “A Port in a Storm”, es el nuevo álbum de la banda, el cual esta lleno de sorpresas sonoras que son dignas de ser escuchada con atención.

Pienso que hay varias razones del porque esta banda suena tan bien, no se encasillan en ningún estilo en particular, la mezcla de raíces e influencias de cada uno de sus integrantes ( EE.UU., España y Republica Dominicana) le aporta un particular sentido de composición a su música y todo esto sumado a que están radicados en Broocklyn (de ahí salieron bandas como Living Colour, Candiria, Biohazard, Beastie Boys, por mencionar algunas), no son datos menores.

Ocho canciones contiene esta nueva placa, plagada de adrenalina progresiva. El trabajo vocal de Carina es increíble, desde los arreglos pasando por los coros creando una experiencia auditiva sumamente interesante. La ejecución de los instrumentos por parte de sus músicos es de absoluta calidad, si no escuchen el tema de apertura “Lupus Dei” o la enérgica “Your Weight in Gold” con algunos coros de su bajista Arnau Bosc.

Temas sin una estructura definida que se amalgaman en trances de post rock y post punk donde el ingrediente fundamental son las cuerdas vocales de Zachary dándole coherencia a este licuado musical. El rock y el metal están tratados aquí de una forma tan singular y atractiva que va ser imposible que algún momento se aburran de su música.

Por mucho que pueda decir sobre los aspectos únicos o diferentes de la música de Husbandry, también puedo asegurarles que su música es muy accesible por derecho propio, en la medida en que creo que este álbum puede encontrar fácilmente un amplio audiencia y variada. Es una banda que merece una audiencia amplia y abiertos de mente al escuchar. “Smile With Teeth” es un temas que pueden dar testimonio de lo que les digo, el uso de un saxo en mitad del tema generan texturas y ambientes realmente atractivos para el oído.

El progresivo y poderoso “Ghostload” consta de una base rítmica contundente generada por los golpes de Andrew Gottlieb y el aplastante bajo de Arnau los cuales le aportan la dosis justa de contundencia. El trabajo de Jordan Usatch es de no creer, es una maquina de tirar riffs grooveros que entrelaza de manera espontanea ataques progresivos y sincopados, dando a luz temas como “Velvet Noose” o la alternativa “The Bells of St. Clements”.

La interacción instrumental entre el guitarrista Jordan Usatch, Arnau Bosc y el baterista Andrew Gottlieb es vertiginosa e impresionante. La capacidad de incorporar ganchos poperos de manera fluida junto con los momentos característicos del hardcore, por darles un ejemplo… Como frutilla de la torta esta “Woke Dreams” para cerrar esta obra de arte, creo que es lo mas sencillo que escuche de ellos, con un estribillo monumental y tan pegadizo que lo estarán tarareando por días…

Que mas puedo decir de este bandon que no haya dicho, lo único que les puedo asegurar que Husbandry es de esas bandas que no te defraudan en lo mas mínimo, una banda de la que nunca te vas a cansar, una banda con una riqueza musical muy pocas veces escuchada para los tiempos que corren. Enjoy

Lista de temas:

1. Lupus Dei 03:28
2. Your Weight in Gold 06:18
3. Bête Noire 04:18
4. Smile With Teeth 04:50
5. Ghostload 03:36
6. Velvet Noose 05:55
7. The Bells of St. Clements 03:46
8. Woke Dreams 07:28

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Grizzly – Grizzly

Tucumàn, hoy en día se caracteriza por parir bandas de excelente nivel, mas allá del estilo. No deja de asombrarme, tanto el nivel musical, de producción y puesta en escena. Me siento orgulloso de este momento por el que está pasando el rock tucumano y Grizzly no es ajeno a este nivel musical. La banda se formo en el 2017 y esta integrada por músicos con un frondoso prontuario musical en la escena local, ellos son: Aldo Zapata en guitarras ( ex Crios – Zyon – Kaiowas ), Marcelo Brandan en bajo ( ex Tripping Hate Fusion ), Matias Tirador en batería ( ex Avenido Popeye ), Gonzalo Vega en guitarras ( ex Talion Horus ) y Nicolas Kalcich en voces ( ex Poder Enano – Black Caravan ). Cave mencionar que quien grabo la segunda viola fue Guillermo Albarracin ( Tehom ), el cual fue reemplazado por Gonzalo Vega.

Como era de esperar, la producción estuvo a cargo del genio de los controles, Ramiro Rodriguez, en Music Corp Studio, con este dato ya deben imaginarse el potente y lujoso sonido de este misil sonoro. La placa consta de 7 pistas llenas de distorsión y riff demoledores de puro Rock crudo con tintes Stoners y Sludge Metal.

En un domingo soleado me senté en la galeria de casa, destape una Ipa y pulse play, fue ahí cuando escucho una poderosa batería marcando el comienzo del disco con “Corta la Bocha”, riff contagiosos que te agarran la cabeza obligándote a hacer headbanging sin ni siquiera darte cuenta, la voz estridente de Kalcich le da la fuerza justa a un tema a medio tempo, para mas adelante tomar algo de velocidad y dar rienda suelta a un punteo quirúrgico. Ahí nomas esta uno de mis temas favoritos, “El Hombre”, el laburo vocal de Kalcich aquí es realmente admirable, tirando unos gritos a lo Halford, antes de que diga “ahí viene el hombre, que no sabe que hacer”, hasta que llegamos a un corte arpegiado bajando unos descibeles para luego explotar nuevamente en ese riff tan pegadizo, brutal…

“Fucking Dog”, es el primer tema en ingles de los 4 que tiene el disco, tema que comienza con una base rítmica que te va a hacer temblar las paredes del rancho, con la bata de Tirador y el omnipotente bajo de Brandan detonando bases aplastantes a cada paso. El trabajo a dos violas de Albarracin y Zapata es otro punto a destacar aquí, violas gemelas a lo old school adornan y dan color a un pista contundente y pesada. Mas allá de su pesadez, la placa emana un notable aroma a Blues en sus lineas musicales, si no escuchen “Moonshine”, un tema sencillo y directo, pero efectivo a la hora de entrelazarse con el resto de los temas.

En “Nada Vuelve a Ser Igual”, la banda sube un cambio y toma un poco mas de velocidad para hacerte rockear de manera espontanea. El estribillo es tan pegadizo que lo vas a estar repitiendo por un largo tiempo, te lo aseguro…. La furia de “Other Side” sigue la misma linea que el tema anterior, y de nuevo aparece Nico haciéndonos volar la peluca con su manera tan peculiar de cantar, me refiero mas que nada a ese genial estribillo a dos voces cuando dice “Now the time has come, i have to take you, the other side. Land of endless sorrow, my home, the other side”, sin palabras… No quiero dejar de mencionar los cortes en este temazo, están finamente diseñados para que te den vuelta la cara de una cachetada.

Las raíces Hardrockeras afloran por los poros de ambas violas haciendo sangrar los oídos de placer en “Rage”, el cual nos marca el final, un final que nunca quisiera que llegue, es que, es inevitable quedarte con ganas de mas, y eso es un muy buen síntoma para un primer disco. Creo que el bajo aquí es el elemento predominante, es como que es el ombligo del disco, casi todo gira en torno a el, pero lograr que esto suene en conjunto como un todo es mérito de todos. Es el que le da cuerpo a todos los temas, pero a su vez esto permite que los riff y solos se luzcan de manera notable, le da fuerza y realza los beats de la bata, dándole una expresión colosal a la música de Grizzly.

Hay también, una serie de detalles que le dan grandeza a la placa y creo que es un poco de todo, es ese granito de arena que aporta cada músico a la hora de componer y esto, a su vez, acentuado por una excelsa producción. Este disco trasluce mucho sacrificio, mucho trabajo en conjunto y por sobre todo amor por el Rock por donde se lo escuche. Por esto puedo decir que es un orgullo que tengamos una banda así en nuestra provincia. Enjoy

Lista de temas:

1. Corta la Bocha 03:49
2. El Hombre 04:00
3. Fucking Dog 03:08
4. Moonshine 05:15
5. Nada Vuelve a Ser Igual 04:20
6. Other Side 03:36
7. Rage 03:45

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Mike Patton and Jean Claude Vannier – Corpse Flower

Mr. Mike Patton es un músico a quien admiro, no tan solo por su talento, si no porque es un músico sumamente completo e incansable, una maquina de producir música de diversos estilos, pero lo de el no es hacer música porque si y listo. Todo lo que hace lo hace de forma profesional, con muy buen gusto y condimentado con su humor sarcástico e irónico. Esta vez se ha asociado con el compositor francés Jean-Claude Vannier para dar a luz Corpse Flower, una colección de canciones pop-jazz clásicamente versinadas. Parece una extraña colaboración, pero por otro lado,  es lo que siempre estamos esperando de Patton, esas asociaciones ilícitas que generan atracción y curiosidad. Esta insólita junta se empezó a gestar en 2011, precisamente en un concierto homenaje al cantante francés en Los Angeles, y aunque ha tardado en fructificar, este debut plasma la perfecta unión de dos universos totalmente distintos.

Lo que encontramos aquí, son canciones con estructuras poco definidas y en algunos momentos hasta pegadizas como la muy Nick Cave “Browning” o por ejemplo la bella “On Top Of The World”, que te la podrías imaginar perfectamente en un disco de Faith No More. “Ballad C.3.3.” Comienza con una lírica extraídas de un poema de Oscar Wilde, las cuales están narradas por Patton. La música es elegante, pero extraña, es como un lounge rock con arreglos de cuerdas orquestales. Si tomas canciones de Faith No More como “RV” o “Caralho Voador” y les agregas un toque de música clásica, tendrías una aproximación cercana de lo que sucede en Corpse Flower. La canción más rara, por así decirlo, es “Cold Sun Warm Beer”, con coros infantiles y sin una estructura real. Lo más cerca que la pareja llega a una canción mas estructurada es “Insolubles”, que presenta el mejor desempeño vocal de Patton en el álbum, acompañada de una bonita melodía.

Los fanáticos del metal no encontrarán absolutamente nada aquí para levantar los puños. Esto es otra cosa que nada tiene que ver con sus proyectos mas pesado. Aquí hay canciones como “Yard Bull” que suena como una pista country, pero el conjunto de cuerdas le da una sensación de melodía refrescante, como si fuera un mueble viejo que reciclaron dándole un toque vintage. Sin embargo, la mayoría de las personas que querrán escuchar Corpse Flower no estarán interesadas en la música, si no en el Sr. Patton y sus cuerdas vocales.

Patton entrega una interpretación vocal típicamente contradictoria, generando esos contraste fascinantes a los cuales nos tiene acostumbrado. Narra, canta y gime a través de todo tipo de letras inquietantes, profanas y sin sentido. ¿Quieres ejemplos? escuchen el tema que le da nombre a la placa “Corpse Flower”, o si no “Pink and Bleue”. Pero la canción que realmente se quedo en mi cabeza es la inquietante “A Schoolgirl’s Day”, que literalmente detalla el día de una niña en la escuela, pero con un giro al final. Tiene una melodía espeluznante!!!

 

Corpse Flower es un álbum difícil para alguien que no conoce el mundo musical de Patton. Sin embargo hay momentos mágicos, cuando logran el equilibrio adecuado con Jean-Claude Vannier, estos momentos son muy interesantes y entretenidos. Los fanáticos de Patton sin duda lo amaran. Aquí Patton recupera su lado más crooner como en aquel proyecto llamado Mondo Cane, para poner voz a unos temas que se mueven entre el lounge de los 60, el jazz y las baladas orquestales. La elegancia de la música tiene su contrapunto en el particular sentido del humor de Patton. Otra copa que levanta entre sus manos el genio de la versatilidad. Salud y Enjoy

Lista de temas:

1.Ballad C.3.3 03:21
2.Camion 03:23
3.Chansons D’Amour 04:22
4.Cold Sun Warm Beer 03:40
5.Browning 03:14
6.Hungry Ghost 03:48
7.Corpse Flower 02:53
8.Insolubles 04:08
9.On Top Of The World 03:20
10.Yard Bull 04:21
11.A Schoolgirl’s Day 03:27
12.Pink and Bleue 03:14

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