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Este blog esta destinado a compartir musica e información de bandas y solistas. Enjoy

Groove Move – Imaginario

Cuando algo esta bien hecho y te llega no hay con que darle: Simplemente te gusta y listo. Es por eso que una de las mas grandes sorpresas que tuve este año fue toparme con este álbum de los Groove Move, “Imaginario”, que resultó ser amor a primera escucha. Es un disco plagado de buenas melodías, riffs pegadizos y por sobre todo un contagioso groove; justo en ese preciso momento en que este genero estaba ganando espacio en mi reproductor.

Sin dudas hubo un salto, un cambio, un click con respecto a lo que venia haciendo la banda, mas apuntado al blues y al R&B, para pegar un gran salto al Funk y al Pop con un exquisito buen gusto. Y por supuesto, sin desmerecer su anterior trabajo, el EP “Bipolar”, esto es otra cosa, desde el pulido y refinado sonido, hasta la forma de cantar de Guillermo Peiró y la frescura que transmiten sus canciones. Creo que algo tuvo que ver la incorporación de Mario Corronca en el bajo, logro amalgamar junto a Bernardo Yacono una sección rítmica contundente.

La frescura de “Summer” te transporta directamente a una fiesta en una playa, desnudez, bebidas y buena música. Fiestero, bailable y contagioso. Los arreglos que contiene me atraparon por la sutileza y la simpleza con las que están hechos. Los efectos de viola realzan tan majestuosas melodías para luego tener sus explosiones esporádicas para dar fuerza y cuerpo a temas fantásticos como “Ya fue”, con un final bien arriba.

La sensualidad se hace presente en su single “Sin Prisa”. Aquí los arreglos vocales de Peiró son la vedette de este temazo, el cual podría estar tranquilamente en tu playlist para intimar. Siguiendo una línea parecida esta el tema que le da nombre a la placa pero con un toque mas R&B. Los efectos de la guitarra y la estructura rítmica del tema juegan un papel fundamental en el desarrollo del mismo. También los cortes y el particular timbre de voz convergen perfectamente, logrando un resultado realmente hermoso.

El excelente trabajo de producción estuvo hecho íntegramente por ellos. La mezcla por parte de Ramiro Rodriguez es notable a la hora de los detalles, logrando un sonido maduro, fresco y nítido. La verdad que desde que lo escuche supuse inmediatamente que el tenia algo que ver con este resultado.

La sensación de que se te eriza la piel al escuchar un tema es algo que no pasa muy seguido, y mas aún cuando es la primera vez que lo escuchas. Esto me paso con “Fiebre”, uno de mis preferidos. Este tema tiene todo lo mencionado anteriormente: Sensualidad, dulzura, groove, un estribillo que se levanta tomando fuerza y se te queda tatuado en la cabeza, y hasta algo de Hip Hop (se escucha en un interludio) contrastando y enriqueciendo las distintas texturas de del tema.

Podría decirse que “Espejos” es el tema mas rockero del disco, por así decirlo. Al escuchar la introducción me hizo pensar por un momento que se trataba de un tema instrumental, pero no, la voz distorsionada de Peiró aparece nuevamente para darle ese toque espacial fantástico.

“Lluvia de Marzo” da el cierre a Imaginario, un tema romántico donde las emociones afloran y son resaltadas por las poderosas guitarras que elevan este hermoso tema; provocando esos contrastes que no hacen mas que llegarte al corazón haciéndote erizar nuevamente la piel.

Hoy en día hay una integrante mas en la banda, incorporada luego del lanzamiento del disco. Se trata de Ruth Plaate, quien se encarga de las voces junto a Peiró.

El único punto en contra es que te quedas con ese sabor a poco, o quizás les juegue a favor para mantener a sus seguidores expectantes a la espera de algún material nuevo. Que les puedo decir… Amo este disco! La calidad compositiva es increíble. ENJOY

LISTA DE TEMAS:

1. Summer​

2. Ya Fue

3. Sin Prisa

4. Imaginario

5.​ Fiebre

7. Espejos

8. Lluvia de Marzo

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Soen – Imperial

A solo dos años después del lanzamiento de Lotus, el notable álbum que elevó a Soen a mayores alturas dentro del metal progresivo, los suecos lanzaron su nuevo álbum “Imperial” en un mundo que ha cambiado drásticamente desde 2019. La llegada de Covid-19 ha puesto el mundo patas arriba y nuestra forma de relacionarnos con los demás. Sin embargo, no importa cuántos giros desastrosos decida dar la vida, algunas cosas difícilmente cambien, como es el caso de la condición humana. Con “Imperial“, Soen realiza una disección poética, pesada y emocional de nuestra condición humana a través de ocho canciones que abarcan letras reflexivas y provocativas, así como una musicalidad pesada, inquietante e intrincada.


“Imperial” se desarrolla de manera brillante y profundiza aún más en el estilo Soen, que antes de “ Lotus” a menudo se comparaba con el de Tool y Opeth. Después de cinco álbumes, han elaborado y afianzado un sonido característico único que combina superlativamente pasajes melódicos pesados, emocionales y ambientes hipnóticamente sutiles, logrando mantener la coherencia en este enfoque a lo largo del álbum. Inevitablemente, “Imperial” recuerda a una de sus producciones anteriores, lo que hace que suene como una continuación directa de “Lotus”. Si esta circunstancia fue intencional o no, no cambia el hecho de que el nuevo álbum de Soen es un disco conmovedor, provocador y feroz.

“ Lumerian” sumerge inmediatamente al oyente en los engranajes perfectamente calibrados de la maquinaria de Soen , que cuenta con riffs agresivos que se mezclan naturalmente con su lado atmosférico y contemplativo. Esta dinámica permite que la portentosa voz de Joel Ekelöf se desenrolle a voluntad. No importa lo duro o denso que sea la música, su estribillo adquiere un carácter melódico, memorable e intenso, como también ocurre en el resto de estribillos de la canción. La voz de Ekelöf se ha vuelto esencial para la identidad de Soen y, una vez más, ofrece una interpretación imponente y elegante.

Al mando de esta maquina desde detrás de los parches, Martín López se encarga de engrasarla con su técnica, dinámica y su enérgica habilidad. Como es habitual, los complejos grooves de López van más allá de mantener el tiempo, mostrando continuamente su arsenal ilimitado de beats que acentúa, guía y profundiza el ambiente musical. Estos talentos se muestran en “Antagonist”, donde sus diversos patrones de batería crean un complejo ambiente de destreza.
Otras pistas encierran igualmente las virtudes mencionadas anteriormente, pero el álbum contiene principalmente dos tipos diferentes de canciones. Por un lado están las canciones masivas, poderosas y aplastantes que, con una ejecución impecable, presentan un flujo incesante de poder y desafío, pero también hermosas melodías y repletas de emoción. Por otro lado, hay canciones que ralentizan deliberadamente el tempo y crean baladas sentidas que van a llegar a movilizarlos sin duda…

Por ejemplo, “Illusion” pertenece a esta última categoría, embelleciéndose con la atmósfera sugerente creada por Lars Enok Åhlund y magnificada con un conmovedor solo de guitarra de

, contrastando su belleza con las canciones más pesadas machacando riffs en todo momento. “Fortune” sigue el mismo camino, cerrando el disco con un expresivo tempo lento que envuelve la experiencia “Imperial”.

Líricamente, Soen sigue reflexionando sobre la condición humana a través de la perspectiva de los que sufren, los segregados y alienados, cuestionando nuestra humanidad derivada del trato que damos a los demás, e incluso a nosotros mismos cuando nos cegan nuestros anhelos más oscuros y ambiciones más graves.
Tal como lo hizo “Lotus”, “Imperial” llevará a Soen aún más alto y los consolidará como una fuerza dominante dentro del metal progresivo. En general, el álbum muestra un trabajo denso, potente y cautivador que, a pesar de dirigir su mirada hacia “Lotus”, llevará a Soen al futuro con su sonido único, con el objetivo de hacernos víctimas de su sustancial mezcla de emoción y fuerza. Enjoy

Lista de tema:

1. Lumerian

2. Deceiver

3. Monarch

4. Illucion

5. Antagonist

6. Modesty

7. Dissident

8. Fortune

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Killer Be Killed – Reluctant Hero

Super bandas si las hay… En la reseña que hice de su primer disco, varios no me supieron interpretar lo que dije o no me supe expresar correctamente. Pero esta es mi oportunidad de reivindicarme con esa gente. Agarren cuatro músicos increíbles, métanlos en una sala de improvisación y observa qué pasa. Ahora tome a tres de esos músicos, con estilos vocales completamente diferentes, y dígales a todos que hagan voces en el mismo álbum y proyecto. Killer Be Killed demostró en su álbum debut, y lo han vuelto a dominar con su segundo álbum, Reluctant Hero. Este disco se ha estado haciendo durante cuatro años, y la razón era simple; querían estar todos en la misma habitación, trabajar juntos, no hacerlo virtual. Ahora con el grandioso Ben Koller (Converge, Mutoid Man) en sus filas, la banda suena con mas groove que en su antecesor disco.

“Deconstructing Self-Destruction” fue el primer sencillo lanzado, donde Koller se destaca con creces, en una introducción increíble. Los sonidos de la guitarra son atractivos para el oído, ya que los múltiples vocalistas se turnan en el micrófono con confianza y facilidad.

“Dream Gone Bad”,su segundo sencillo, es extremadamente pegadizo y se queda atascado en mi cabeza constantemente. La pista 3, “Left of Center”, es increíble. Los cambios de vocalista a vocalista cambian constantemente, pero son muy suaves. El riff en el coro es distinto y enérgico, los rellenos de batería de Koller son orgasmicos y las compensaciones cerca del final, con la voz, son cautivadoras. Continuando con la cuarta canción y el último sencillo lanzado, “Inner Calm and Outer Storms”. Me hace acordar a Deftones al principio. Cuando Sanders se hace cargo de la voz, lanza una mezcla diferente, luego Puciato trae de nuevo a mi cabeza a Deftones . El gran cambio en esta pista es un cambio poderoso y acogedor. La batería al principio que conduce a las líneas de bajo es realmente increíble. Establece un ritmo genial.

“Filthy Vagabond” tiene una sensación de Motorhead completa en todos los sentidos. Esta fue una pregunta que se le presentó a Sanders en la entrevista debido a la intensa sensación que tuve de un homenaje a Lemmy mientras lo escuchaba. Es thrashy, agresivo y divertido. Líricamente, los miembros tomaron un verso para discutir la vida en la carretera, la vida de la gira. “No me digas qué piensas de quién debería ser”. Buen consejo. También hay un par de pequeños grandes solistas que se coló allí. Esta canción tiene un paisaje sonoro muy completo y delicioso.

“From a Crowded Wound” es la canción más larga del álbum, pero no parece que lo sea. Comienza con un riff de guitarra ruidoso mientras la batería se empieza a colar. Esta pista tiene un fuerte ambiente a Alice in Chains. La armonización tiene esa sensación familiar de AIC y siempre pinta una imagen hermosa pero melancólica. Cuando Greg canta, es inevitable que se me ponga la piel de gallina. Luego Max salta y lo remata, y es cuando interviene Sanders en el momento más oportuno. Es una gran mezcla de voces en un corto período de cambio, y funciona muy bien. La música da un giro pesado en unos cinco minutos y golpea como una tonelada de ladrillos musicales, directamente en el corazón del oyente.

“The Great Purge” comienza con un canto angelical y fluctúa hasta otro especial de Koller mientras su batería se apodera de la canción hasta el final. La guitarra te lleva de viaje, casi como si estuvieras lejos y mirando desde fuera hacia el resto del mundo. Más de tres minutos y la pesadez se apodera de nuevo durante el último minuto de la canción.

En “Comfort from Nothing” el riff inicial me recuerda a Anthrax, pero cambia rápidamente cuando Troy amplifica su voz. “Animus” es la pista más corta y es directo en tu cara, thrash en su máxima expresión. Koller se destaca notablemente en esta canción.

“Dead Limbs” tiene un comienzo rápido, cada instrumento tiene una composición rápida que crea un paisaje sonoro intenso. A estas alturas podría admitirme que cada canción tiene la capacidad de mantener expectante al oyente, o por lo menos eso me pasa a mi. Es retorcido y feroz con un coro melódico, sin dejar de lado lo brutal. Un poco después de los dos minutos, ralentiza el tempo y crea una vibra fascinante. Un minuto después, esas guitarras, líneas de bajo y batería se realzan y te pegan en la cara.

“Reluctant Hero” cierra el disco y comienza con un ritmo de guitarra melódica que marca el tono del desgarrador viaje que están a punto de emprender. La voz de Sanders es constante y en el mismo tono vocal hasta aproximadamente tres minutos después, es cuando Greg se hace cargo y adquiere un nivel completamente diferente de emociones. Simplemente no puedo expresar con palabras lo que realmente es esta pista, es de otro planeta.

Un álbum hecho para reproducirse de principio a fin con canciones colocadas con un propósito. Este disco fue el causante de retomar estas reseñas, las cuales las tenia un poco abandonadas por X motivos. Hoy es una constante en mi reproductor hasta que llegue la copia física a mis manos, y resistirá la prueba del tiempo, no tengo ninguna duda. A veces, los supergrupos no funcionan muy bien, Killer Be Killed no es uno de esos grupos. Sus amistades cercanas son evidentes y su amor por lo que hacen brilla intensamente en este proyecto. Es absolutamente imprescindible.

Por otro lado, necesitamos de la música, nos mantiene cuerdos cuando estamos luchando, y estas bandas han tenido un gran éxito, pero todavía no pueden hacer giras. Esta en nosotros poder ayudarlos y apoyarlos comprando merchandising, álbumes, compartiéndolos con tus amigos, etc. Mantén viva la música y cuídalos como ellos siempre nos cuidan. Enjoy

Lista de temas:

01. Deconstructing Self-Destruction (04:33)
02. Dream Gone Bad (04:15)
03. Left of Center (03:29)
04. Inner Calm from Outer Storms (03:52)
05. Filthy Vagabond (03:47)
06. From a Crowded Wound (07:11)
07. The Great Purge (04:12)
08. Comfort from Nothing (04:18)
09. Animus (01:07)
10. Dead Limbs (04:48)
11. Reluctant Hero (06:04)

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Mr. Bungle – The Raging Wrath Of The Easter Bunny Demo

A principios de este nefasto año, unas de mis bandas favoritas de todos los tiempos se reunió para hacer una serie de conciertos tocando únicamente canciones de su primer demo, “The Raging Wrath of the Easter Bunny” (crossover thrash al palo) y uno que otros covers, se trata de los Mr. Bungle, pero solo el trio de Patton, Spraunce y Dunn (los otros 2 viven en Australia) generando en mi un entusiasmo y una ansiedad inexplicable, sumado a que en esta reunión reclutaron a mi batero favorito y a uno de los guitarristas más respetados en el ambiente del metal, se trata de Dave Lombardo (Slayer, Fantomas, Philm, Dead Cross, Suicidal Tendencies, Grip Inc.) y Scott Ian (Anthrax, S.O.D., The Damned Things). Quede boquiabierto y expectante, alucinaba con un disco nuevo

Haciendo una retrospectiva en su primer demo, en medio de títulos tontos, producción amateur y actuaciones decididamente descuidadas, este demo mostró la creatividad desenfrenada del extraordinario vocalista Mike Patton , el bajista Trevor Dunn, el guitarrista Trey Spruance y el baterista Jed Watts. El potencial ciertamente estaba ahí…

“Raping Your Mind” y “Eracist” resumen la contribución de sus invitados al sonido de la banda. Los dos se convierten en una sección rítmica de nivel de élite, sobre la cual los otros tres pueden apoyarse en la rareza innata del Sr. Bungle. La velocidad quirúrgica del primer corte y el segundo más Faith No More, por así decirlo. La estructura rítmica tradicional viene repleta de pistas extravagantes, cambios de tempo vertiginosos y cantos sobrehumanos.

La grabación de este álbum tomó 10 días, lo que sería un problema si todos los involucrados no fueran tan talentosos. La inmediatez de estas actuaciones refleja la energía primordial de las grabaciones originales, desde la misteriosa y transportadora introducción “Grizzly Adams” hasta el asalto de múltiples movimientos de “Anarchy Up Your Anus“, reflejando una agresión implacable por medio de riffs letales, pero es realmente Patton quien se roba el show. Dobla lo gutural y lo bestial, aparentemente ilimitado para hacer las vocalizaciones más locas humanamente posibles.

“Hypocrites / Habla Español O Muere” presenta una inteligente versión de “La Cucaracha” cantada en español como intro en “Hypocrites”, para luego enganchar con la impactante “Speak English or Die” de los Stormtroopers of Death.  Junto con el cover de Corrosion of Conformity “Loss For Words”, Mr. Bungle demuestra que es posible encarnar el espíritu del hardcore thrash sin sacrificar la musicalidad. Estos muchachos podrían haber progresado completamente, pero en cambio, elevan la intensidad descarada con 34 años de experiencia y crecimiento.

Es fácil rastrear estas canciones hasta la década de la que surgieron originalmente, pero estas nuevas versiones destacan la visión única del thrash que tenía Mr. Bungle en ese entonces. El aplastante y vertiginoso “Bungle Grind” junto a “Spreading The Thighs of Death” están hechos para pogos asesinos empapados de cerveza. La composición electrizante habla por sí sola. Puede que sea una banda humorística ( siempre se caracterizaron por eso), pero la musicalidad de este álbum no es motivo de risa, es una piña en la quijada.

La pista más larga del álbum, “Methematics”, muestra la verdadera amplitud del metal que tienen los Bungle. Ian y Lombardo revitalizan sus raíces de la vieja escuela dentro de la caótica composición de Spruance y Dunn, sin mencionar los últimos dos minutos, que se vuelven absolutamente deslumbrantes. La banda cae en un festival de lodo denso, ya que los gritos de tono de silbido de Patton comprenden algunos de sus trabajos más locos hasta la fecha.

Bungle suena tan mortal como siempre, después de 35 años. La emoción nunca se detiene en cortes profundos como “Glutton For Punishment”. Siempre hay un solo de guitarra extraño o un grito ridículo para llamar tu atención. El bombardeo de siete minutos “Sudden Death” pone fin a las cosas con un cierre enfático, pasando de una masacre infecciosa a la siguiente con un toque violento y de buen gusto, terminando una dosis de adrenalina de 57 minutos. Este disco esta listo para convertirse en uno de los iconos del género, se los aseguro

Lista de temas:

01. Grizzly Adams
02. Anarchy Up Your Anus
03. Raping Your Mind
04. Hypocrites / Habla Español O Muere (S.O.D. cover)
05. Bungle Grind
06. Methematics
07. Eracist
08. Spreading The Thighs Of Death
09. Loss For Words (C.O.C. cover)
10. Glutton For Punishment
11. Sudden Death

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Greg Puciato – Child Soldier: Creator Of God

Después de haberse sacado la etiqueta de Mathcore adquirida por su emblemática banda The Dillinger Escape Plan, Greg Puciato lanza en 2016 su excelente proyecto de Symp-Pop, The Black Queen, personalmente creia que Puciato se iba a quedar quieto con este proyecto y el de 2014, Killer Be Killed. Pero no fue así, subió unos temas a las plataformas como solista para dejar entrever lo que se venia. Es así que lanza su álbum debut en solitario, Child Soldier: Creator Of God, el cual es un gran aporte a la discografía de cualquier melómano empedernido. Debo decir, para empezar, que la portada es horrible, pero mas allá de eso tiene un porque, es un homenaje al Louder Than Love de Soundgarden,

Queda claro por el inquietante rasgueo acústico de “Heaven Of Stone”, que lo que estamos escuchando nos ira sorprendiendo a medida que transcurre el álbum. Suena tan seguro de sí mis, cuando nada en aguas calmas o cuando se sumerge profundamente en océanos abrasivos y contradictorios, como si atravesara una crisis de identidad en medio de una efusión creativa.

De cualquier manera, con Puciato únicamente al frente de todo el álbum, excepto por la inclusión de sus buenos amigos Chris Hornbrook (Poison The Well), Chris Pennie (ex The Dillinger Escape Plan) y Ben Koller (Converge / Mutoid Man / Killer Be Killed) en la batería. Child Soldier es un plano de todos sus pensamientos desplegados en 65 minutos de sonido. Hay momentos en los que el disco atraviesa las mareas del pasado de Greg, retomando algo de The Dillinger Escape Plan. Es en “Fire For Water” cuando el mathcore suena como si surgiera de la revolución industrial de los noventa, con algunos tintes de Killing Joke, mientras que el single “Roach Hiss” está diseñado para desmontar tus tripas y reorganizarlas en el suelo de la sala con su implacable post-hardcore. Es aquí, a través de estas canciones, donde surge la pregunta de si su creador está realmente encontrando la libertad o simplemente compartiendo las complejidades de su onírico gusto por la música.

Cuando Greg Puciato realmente corta los cordones umbilicales de su pasado musical, Child Soldier suena como un álbum adelantado a su tiempo, tomando caminos experimentales y de vanguardia para dar vida a momentos de atracción masiva. “Temporary Object” es tan hermoso como parece, con trazos sintéticos de dream-pop en modo Depeche Mode. Por otro lado “Down When I’m Not”, me trae a la memoria a Type O Negative en un britpop de los noventa, pero algo más experimental.

“A Pair Of Questions” combina todo lo anterior en un brillo de synth-pop. Aquí es donde Child Soldier: Creator of God logra sucumbir a los reinos de la libertad creativa. “You Know I Do” tiene todo el potencial de ser una obra maestra minimalista con una atmosfera increíble y hasta hipnotizante. “Through The Walls” es como una fusión proporcionada de Deftones y Bush, algo muy distinto a lo demás, pero encaja a la perfección con las otras canciones.

A lo largo del álbum, el poético recorre temas de la vida, el amor y la pérdida. Si Greg Puciato se ha sentido en algún momento encarcelado por el purgatorio creativo, Child Soldier: Creator Of God es la prueba fehaciente que no tan solo es posible romper esas barreras, sino crear algo vivo, único y mágico. Y deja bien en claro que su registro es tan completo y colorido que como vocalista puede hacer lo que quisiera. Enjoy

Lista de temas:

1.Heaven of Stone 01:24
2.Creator of God 04:04
3.Fire For Water 02:56
4.Deep Set 03:44
5.Temporary Object 04:12
6.Fireflies 04:38
7.Do You Need Me to Remind You? 06:18
8.Roach Hiss 04:53
9.Down When I’m Not 03:06
10.You Know I Do 06:07
11.Through the Walls 04:02
12.A Pair of Questions 04:24
13.Evacuation 05:04
14.Heartfree 05:04
15.September City 04:50

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IDLES – Ultra Mono

Para quienes siguen el Blog, se habrán dado cuenta que hace un tiempo no escribo una reseña, no se bien si el desgano viene por esta pandemia de m13rd4 o por el simple hecho de no haber encontrado algo que me motive a seguir escribiendo con frecuencia. Pero un melómano amigo me dijo hace unos días escucha IDLES!!! Le hice caso y aquí estoy!!!

Por lo que estuve investigando, me di cuenta que la banda trae un par de discos destacados bajo el brazo y tuvieron que pasar indefectiblemente por mis oídos. Y elegí su ultima producción, “Ultra Mono” como para contar un poquito de su “éxito”, el cual desconocía. No puedo dejar de mencionar que son notables la influencia de bandas como The Clash Joy Division. Con un sonido vintage pero a su vez emana una frescura inusualmente escuchada en estos tiempos.

Escuchando sus tres discos, e notado que con este ultimo, la banda a conseguido encontrar su propio sonido, que al pasar el tiempo se convertirá en su marca registrada. Incluso cuando estamos atrapados en casa durante una pandemia, la música sigue siendo un canal de ira al que podemos recurrir, y IDLES no deja pasar esta oportunidad de dinamitar con su temática y su música en cada segundo a lo largo de estor 12 temas.

La intención de la música es justamente para momentos como estos, ira justificada ante la injusticia. La pista de apertura, “War”, que fusiona licks descendentes y guitarras rítmicas post-punk con una cacofonía de distorsión, beats bien marcados y el grito de batalla a toda velocidad de su líder Joe Talbot. Como todas las canciones aquí, está termina con gran precisión.

Hay algunos artistas invitados aquí, como ser David Yow de Jesus Lizard, la cantante Jehnny Beth, en el tema “Ne Touche Pas Moi” y Jamie Cullum, cuyo piano abre “Kill Them with Kindness”. Por otro lado esta “Grounds”, es un dance-punk, que adopta una postura agresiva con un riff hip-hopero, y tiene como invitado al violinista Warren Ellis, en una interpretación totalmente vigorosa.

“Mr Motivator” es otra pista impecable en la que el cantante Joe Talbot incita al oyente a exigir un cambio positivo. Es pegadizo y le brinda a la banda la oportunidad de reinterpretar una vez más el post-punk de sus comienzos, con guitarras tintineantes y golpes fuertes creando patrones de latidos potentes por parte de Jon Beavis. La energía mas pura se siente en “Model Village”, directo y efectivo a primera escucha.

El punto en contra del álbum, es que haya canciones de tanta calidad aquí pero rodeadas de canciones que están tan desprovistas de esa misma creatividad y corazón. Ultra Mono es un disco agradable, pero por momentos, confuso y en el que algunos de los mejores temas de IDLES deben compensar algunos de los no tan buenos.

El problema con Ultra Mono es que no puede mantener el nivel de calidad que establece “Joy As An Act of Resistance”, por ejemplo…. Aun así, Ultra Mono es franqueza en la cara, como lo expresa su portada. Es esa música poderosa que te obliga a prestar atención a cada segundo. Enjoy

Lista de temas:

1.War 03:07
2.Grounds 03:08
3.Mr. Motivator 03:15
4.Anxiety 02:59
5.Kill Them With Kindness 03:49
6.Model Village 03:54
7.Ne Touche Pas Moi 02:33
8.Carcinogenic 03:50
9.Reigns 04:02
10.The Lover 03:16
11.A Hymn 05:18
12.Danke 03:34

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Desert Sessions – Vol. 11 – 12

Para que se entienda un poco y a modo informativo les cuento que las Desert Sessions comenzaron en agosto de 1997 en el Rancho De La Luna en Joshua Tree , es un proyecto paralelo de Josh Homme (QOTSA) en el que reunió a músicos de distintas bandas a zapar canciones y plasmarlas en discos. Las canciones se escriben “en el momento”, a menudo en cuestión de horas. Muchas historias han crecido alrededor de estas sesiones. Por ejemplo, la canción “Creosote” de los Volúmenes 9 y 10 fue escrita por Dean Ween y Alain Johannes en el porche del rancho a los cuatro minutos de conocerse. De manera similar, Chris Goss y PJ Harvey escribieron la canción “There Will Never Be A Better Time”, después de salir al porche del rancho durante cuatro minutos con una guitarra acústica; volvieron a entrar en la casa y grabaron la canción en una sola toma, la única vez que la canción fue tocada por el proyecto. Cave mencionar que por este proyecto pasaron: Brant Bjork, PJ Harvey, Jeordie White (Twiggy Ramirez), Nick Oliveri, Mark Lanegan, Ben Shepherd, Josh Freese, Chris Goss, Alain Johannes, Troy Van Leeuwen, por nombrar algunos.

Josh Homme ha revivido su proyecto después de 16 años con el lanzamiento de Vol. 11 y 12. Para esta sesión, los invitados son a Billy Gibbons de ZZ Top, Les Claypool de Primus, Stella Mozgawa de War Paint y Mike Kerr de Royal Blood, entre otros. Con una alineación como esta, Vol. 11 & 12 ciertamente cumplen la promesa de una odisea mítica.

Con un total de 8 pistas, el álbum se abre con “Move Together”, cantada por Gibbons en un falsete suave, conmovedor y susurrante, la canción crece de sintetizadores y cajas de ritmos de sonido retro intencionalmente ambientales a una explosión musical que es realmente extraña, rítmica y abrasiva: la colisión perfecta de Primus y Queens Of The Stone Ages. Luego se dirige a un suave atasco con guitarras en capas entrelazadas.

“Noses In Roses, Forever” continúa con un estilo funky que solo Homme podría ofrecer con su voz resbaladiza, sobre un ritmo fuerte, poco convencional y en un tono psicodélico, que cambian de marcha en diferentes direcciones. Por otro lado, “If You Run” se destaca como si fuera un punto culminante definitivo, con un número acústico emocional, oscuro e inquietante con la hermosa voz de Libby Grace. La segunda mitad del disco continúa avanzando sin inhibiciones con el “Crucifire”, liderado por Kerr, un tremendo punk rock basado en su propia energía que podría encajar perfectamente entre el trabajo de Queens of the Stone Age y Royal Blood.

Aunque aparentemente sencillo y convencional, el Vol. 11 & 12 tiene sus rarezas, entre el funk y el R&B inspirado en Bowie de “Chick Tweetz”, y el siguiente tema llamado “Something You Can’t See” junto al cantante Jake Shears de los Scissor Sisters. Homme lleva el álbum a un fuerte cierre con una balada sinuosa, casi como una canción de cuna embrujada, en “Easier Said Than Done”. El tono oscuro de la canción se parece mucho al estilo de su trabajo reciente con Queens of the Stone Age e Iggy Pop. Sin embargo, su enfoque simplificado se suma al ambiente y el tono de la canción y permite que su exuberante voz se mantenga sola en un ambiente íntimo y hasta venerable.

Pienso que la intención de estas sesiones es la de reunir a varios artistas, muchos de los cuales no lo harían entre si de otra manera, que se unan para escribir, grabar, y en última instancia, experimentar. Vol. 11 & 12 realmente cumple con esto y se mantiene fiel a la esencia de las anteriores.

Les aviso que esto no es un registro comercial, de ninguna manera, creo que nunca fue la intención o el objetivo, al contrario. Más bien, Vol. 11 & 12, con su elenco rotativo de músicos fuertes, se deleita absolutamente en su propia oscuridad, peculiaridad y naturaleza experimental. Esto lo convierte en un lanzamiento realmente emocionante y entretenido. Enjoy

Lista de temas:

1. “Move Together” (Billy Gibbons Josh Homme, Matt Sweeney, Carla Azar, Stella Mozgawa, Les Claypool) 5:04
2. “Noses in Roses, Forever” (Homme, Sweeney) 5:34
3. “Far East For the Trees” (Homme, Azar, Claypool, Mozgawa) 4:53
4. “If You Run” (Libby Grace, Homme, Sweeney Grace) 4:00
5. “Crucifire” (Homme, Mike Kerr, Jake Shears, Sweeney) 1:45
6. “Chic Tweetz” (Homme, Matt Berry Berry, Mozgawa) 3:47
7. “Something You Can’t See” (Shears, Kerr, Dave Catching, Sweeney, Azar) 3:26
8. “Easier Said Than Done” (Homme, Azar) 3:06

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