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CapotonFurioso

Este blog esta destinado a compartir musica e información de bandas y solistas. Enjoy

La Muerte Del Sol – La Muerte Del Sol

Me costó escribir sobre esta banda, aunque tenía mucho por decir (ya se darán cuenta de por qué digo esto). Más que una reseña, lo que sigue a continuación es una anécdota.
La Muerte del Sol es una banda de rock pesado formada a fines del 2016 en San Miguel de Tucumán, está integrada por Sebastián “Tigre” Valdez (ex Cabo de Hornos), Ezequiel Gómez (ex Delphoz) y Charly Carabajal (ex The Sin’s Name).
Tuve la suerte de verlos en vivo un par de veces, y como dije más de una vez, fue amor a primera escucha. A los chicos los conozco de hace años de la misma escena tucumana, pero tuvimos más cercanía cuando les hice una nota para TucumanRock.com. Es ahí cuando empezó una cierta amistad y estuvimos más en contacto con Charly, quien me mantenía al tanto de la banda, de las grabaciones del disco y demás.
Pasó largo tiempo sin saber de ellos, hasta que me crucé con Charly y le pregunté en qué había quedado la grabación del disco y me contestó: “ya lo tenemos desde hace rato pero estamos parados por cuestiones personales. Ya te lo voy a hacer llegar para que lo escuches”. Después de unos días cumplió con lo prometido.

Tenía mucha ansiedad de escuchar, sabiendo que me encantaba lo que hacían y aún más sabiendo que el genio de Ramiro Rodriguez estuvo tras los controles. Puse el CD en el auto y empecé a escuchar el sonido perfecto de una bata prácticamente envolvente y hasta hipnótica hasta reventar con un riff que me remonta a Sabbath, pero más moderno, se trataba de “El Juego de Matar”, el tema que abre el disco; empecé a sentir como se me erizaba la piel a medida que escuchaba este temazo.
Más allá de la poderosa música de la banda, es algo llamativo escuchar la voz de Charly y su manera de unir todo y dar forma a todo esto. Es agresiva y ácida, pero tiene el poder de transmitir con claridad sus líricas sin perder la melodía y la crudeza. Por otro lado, es inevitable mencionar la colosal base rítmica que poseen, cada cosa está tocada y arreglada para que todo funcione de manera efectiva, cada uno de los músicos aporta el ingrediente exacto para mantener el equilibrio en la banda, y por supuesto esto se refleja en su resultado final.

Si bien todo el disco está excelente, “Lluvia Negra” es uno de mis favoritos, es que tiene tanta fuerza que es inevitable contagiarse de su Sludge groovero. Cuando arranca el tema y Charly dice “El infierno está seco y los demonios aquí” seguido de una poderosa descarga, le ponen el sello de garantía a su material. La dinámica de sus composiciones aporta progresiones fantásticas, con la sazón justa para no empalagar. “Claroscuro” es quizás, el tema más progresivo del disco, pero esto no queda ahí, también está plagado de ingredientes de Post Metal. Es un tema oscuro, inquietante por momentos, que llamará tu atención a cada segundo manteniéndote expectante y sorprendiendo en todo el transcurso de la pista. Aquí el Tigre se luce con sus arreglos y cortes de manera excelsa.

El cuarto tema es el que le pone nombre a la banda y al disco, “La Muerte del Sol”, el tema más tranquilo y oscuro de la placa. Es innegable los tintes a Alice in Chains que posee, donde el bajo de Ezequiel es la vedette en ésta pista súper elaborada. Tiene de todo un poco: vehemencia, melodía, progresiones austeras, arreglos de cuerdas, en fin… Es pura belleza. Cabe mencionar que aparte de la excelente producción de Ramiro Rodríguez para MusicCorp Studio, el mastering se realizó en Rain City Recorders (Vancouver, Canadá) y estuvo a cargo de Stuart McKillop (Comeback Kid, entre otras). Esta data es algo importante al escuchar el poderoso y contundente sonido de esta obra de arte. El diseño de la portada estuvo a cargo de Gregorio Villagran, y refleja mucho de la música y de la banda.

“Entremorir” arranca de golpe y en seco, con una frase que me quedó grabada en la cabeza: “¿en donde más se esconde, tras la tormenta el hacedor del fuego?”, el tema es energía pura desde el primer segundo haciendo mover la cabeza en toda su duración, pero la frutilla del postre está a en el minuto 2:21 con un cambio generado con una guitarra que roza con el Death Metal, pero con un tiempo pesado y fangoso, ¡increíble!

“Mandrágora” es para mí el tema con más llegada, me refiero a su excelsa melodía que te cautiva de entrada, si bien el tema comienza con mucha vehemencia, con tremendos riffs y arreglos… Lo genial de este temazo, sin lugar a dudas es ese estribillo pegadizo que me quedé repitiendo desde la primera escucha, cuando dice “¡Jamás, jamás podrán encajonarme!”. Sin mencionar aún, las tremendas líneas de bajo de Ezequiel y el monumental punteo del final, esto es un hit por donde se lo escuche.

Y como si esto fuera poco, para el final está “Circus”. Groove, sería el común denominador de esta patada en el pecho hecha tema, todo el tiempo está bien arriba sin darte respiro. La lírica y la forma de cantar de Charly van de la mano en todo momento destacando con distintas intensidades las palabras justas para hacerte poner la piel de gallina. Un cierre fantástico para un discazo insuperable.

Después de escuchar esta maravilla, me contacté con Charly y le pregunté por qué el disco quedo ahí y no hicieron nada más, el me respondió que fue por problemas personales y por falta de tiempo. Fue ahí cuando les propuse ayudarlos ya que para mi era un despropósito que esta genialidad quede en la nada. A los días Charly me habló y me propuso ser su manager, como negarme a tan hermoso trabajo y más aún cuando se trata de una banda a la cual admirás.

Disfruten esto, dentro de poco tendremos más de ellos, ¡¡¡se los aseguro!!!! Enjoy

Lista de temas:

1. El Juego de Matar 04:16
2. Lluvia Negra 03:20
3. Claroscuro 04:04
4. La Muerte del Sol 05:46
5. Entremorir 03:32
6. Mandrágora 04:35
7. Circus 05:02

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Jinjer – Macro

En menos de 10 años, esta máquina demoledora de Metal Progresivo de cuatro piezas ha forjado su propio lugar en el paisaje del Heavy Metal. Si bien la banda es de un país que no es exactamente conocido por sus exportaciones de Heavy Metal, Jinjer se supo hacer un lugar en la escena mundial. Su segundo álbum Cloud Factory contribuyó a catapultarlos a la fama internacional. A principios de este año, la banda lanzó un EP titulado Micro, y nos dio un pantallazo de lo que se venía, esto podría clasificarse como música metal de próxima generación. “Macro” es la continuación de ese genial EP.

La placa comienza con “On the top”, que trae consigo un montón de momentos extraños y un ambiente djent y hasta incluso hardcore. Los patrones y estructuras son bastante únicos, los cuales ya son un sinónimo de la banda, cómo su estilo característico. La gente hoy en día busca cambios, algo fuera de lo común, algo refrescante, creo que esto es uno de los secretos del éxito de la banda.

La siguiente pista es “Pit of Consciousness”, donde Roman y Eugene son los arquitectos detrás de este sonido único, tienen una estructura estrechamente elaborada que se complementa entre sí sin mucha aglomeración. Las guitarras le dan la esencia djent y el bajo proporciona un elemento progresivo al sonido. Ambos van de la mano para crear el sonido de Jinjer y están completos cuando se combinan con el estilo distintivo de la bata de Vlad . Su estilo es diferente a cualquier otro y llena los espacios con clase, donde la imaginación de este músico juega un papel fundamental en la banda.

“Judgement (& Punishment)” tuvo muy buenas críticas cuando fue lanzado en Youtube. Su excelente cantante, Tatiana muestra su rango de voces y su capacidad para cambiar de limpio a áspero con solo un guiño. Mucha gente ya ha clasificado esta canción como Reggae Metal y no puedo estar más de acuerdo. La canción “Retrospection” toma un enfoque diferente. Comienza en una lengua nativa con un ambiente frío, casi celta y se vuelve más pesado a medida que avanza la canción, con harto groove. El álbum se vuelve más pesado a partir de que “Pausing Death” comienza a sonar y cambia los engranajes de Djent a Groove Metal.

Tiene una parte limpia y progresiva de la segunda mitad que suena y se siente familiar para algunas de sus pistas del EP y álbumes anteriores. Las líneas de bajo de Eugene brillan intensamente en “Noah”, trae un tono familiar como se escuchó en sus álbumes anteriores como Cloud Factory. La estructura se vuelve un poco predictiva a partir de este momento con las primeras mitades pesadas y las segundas mitades melódicas y jazzísticas. “Home Back” salta dentro y fuera de los elementos de Jazz haciendo de este un verdadero tema híbrido de Jazz y metal moderno.

“The Prophecy” comienza brutalmente pero se suaviza a través de su progresión. La canción de cierre “LanniereP” es una canción atmosférica que repite una melodía de “Micro”. En caso de que se pregunten qué canción del EP se trata, lean ese título al revés o contra un espejo.Con aproximadamente 41 minutos de duración, este es un registro de larga duración con un tiempo decente. Es una especie de continuación del EP con muchas detalles que conectan a ambos. También es un registro muy experimental. Se acuñó el término de una canción llamándola Djazz y, para ser sincero, eso es exactamente lo que clasificaría este álbum. Hay muchas de sus esencias que evidentemente fluyen a través de varias pistas, ya sea en las guitarras, patrones de batería o incluso en el estilo de vocalización. El punto en contra que tendría a mi parecer es la carencia de canciones emocionales que enriquezcan y sorprendan.

En conclusión, Jinjer continúa cautivando al público al sacar un metal contundente infundido con jazz como nunca antes. Macro será devorado por el público de todo el mundo, se los aseguro.

Macro es otra obra maestra experimental contundente de Jinjer que continúa consolidando su lugar en el mundo del metal moderno. Si bien carece de la emoción de su predecesor, lo compensa con una hibridación infundida con jazz y hasta reggae como nunca antes.

Lista de temas:

1. On The Top 05:28
2. Pit Of Consciousness 04:12
3. Judgement (& Punishment) 04:19
4. Retrospection 04:24
5. Pausing Death 04:44
6. Noah 04:13
7. Home Back 04:20
8. The Prophecy 04:01
9. lainnereP 05:28

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Husbandry – A Port in a Storm

Hace un largo tiempo que vengo recomendando esta banda, cuando salio su primer disco Fera o su excelente EP Bad Weeds Never Die . Es que Husbandry, es una de las bandas más originales en la faz de la tierra. Sera por la forma tan peculiar de componer o por esa espectacular voz versátil de Carina Zachary? No lo se…, lo que si se es que esta banda sabe lo que hace, y lo hace con calidad y total profesionalismo. “A Port in a Storm”, es el nuevo álbum de la banda, el cual esta lleno de sorpresas sonoras que son dignas de ser escuchada con atención.

Pienso que hay varias razones del porque esta banda suena tan bien, no se encasillan en ningún estilo en particular, la mezcla de raíces e influencias de cada uno de sus integrantes ( EE.UU., España y Republica Dominicana) le aporta un particular sentido de composición a su música y todo esto sumado a que están radicados en Broocklyn (de ahí salieron bandas como Living Colour, Candiria, Biohazard, Beastie Boys, por mencionar algunas), no son datos menores.

Ocho canciones contiene esta nueva placa, plagada de adrenalina progresiva. El trabajo vocal de Carina es increíble, desde los arreglos pasando por los coros creando una experiencia auditiva sumamente interesante. La ejecución de los instrumentos por parte de sus músicos es de absoluta calidad, si no escuchen el tema de apertura “Lupus Dei” o la enérgica “Your Weight in Gold” con algunos coros de su bajista Arnau Bosc.

Temas sin una estructura definida que se amalgaman en trances de post rock y post punk donde el ingrediente fundamental son las cuerdas vocales de Zachary dándole coherencia a este licuado musical. El rock y el metal están tratados aquí de una forma tan singular y atractiva que va ser imposible que algún momento se aburran de su música.

Por mucho que pueda decir sobre los aspectos únicos o diferentes de la música de Husbandry, también puedo asegurarles que su música es muy accesible por derecho propio, en la medida en que creo que este álbum puede encontrar fácilmente un amplio audiencia y variada. Es una banda que merece una audiencia amplia y abiertos de mente al escuchar. “Smile With Teeth” es un temas que pueden dar testimonio de lo que les digo, el uso de un saxo en mitad del tema generan texturas y ambientes realmente atractivos para el oído.

El progresivo y poderoso “Ghostload” consta de una base rítmica contundente generada por los golpes de Andrew Gottlieb y el aplastante bajo de Arnau los cuales le aportan la dosis justa de contundencia. El trabajo de Jordan Usatch es de no creer, es una maquina de tirar riffs grooveros que entrelaza de manera espontanea ataques progresivos y sincopados, dando a luz temas como “Velvet Noose” o la alternativa “The Bells of St. Clements”.

La interacción instrumental entre el guitarrista Jordan Usatch, Arnau Bosc y el baterista Andrew Gottlieb es vertiginosa e impresionante. La capacidad de incorporar ganchos poperos de manera fluida junto con los momentos característicos del hardcore, por darles un ejemplo… Como frutilla de la torta esta “Woke Dreams” para cerrar esta obra de arte, creo que es lo mas sencillo que escuche de ellos, con un estribillo monumental y tan pegadizo que lo estarán tarareando por días…

Que mas puedo decir de este bandon que no haya dicho, lo único que les puedo asegurar que Husbandry es de esas bandas que no te defraudan en lo mas mínimo, una banda de la que nunca te vas a cansar, una banda con una riqueza musical muy pocas veces escuchada para los tiempos que corren. Enjoy

Lista de temas:

1. Lupus Dei 03:28
2. Your Weight in Gold 06:18
3. Bête Noire 04:18
4. Smile With Teeth 04:50
5. Ghostload 03:36
6. Velvet Noose 05:55
7. The Bells of St. Clements 03:46
8. Woke Dreams 07:28

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Grizzly – Grizzly

Tucumàn, hoy en día se caracteriza por parir bandas de excelente nivel, mas allá del estilo. No deja de asombrarme, tanto el nivel musical, de producción y puesta en escena. Me siento orgulloso de este momento por el que está pasando el rock tucumano y Grizzly no es ajeno a este nivel musical. La banda se formo en el 2017 y esta integrada por músicos con un frondoso prontuario musical en la escena local, ellos son: Aldo Zapata en guitarras ( ex Crios – Zyon – Kaiowas ), Marcelo Brandan en bajo ( ex Tripping Hate Fusion ), Matias Tirador en batería ( ex Avenido Popeye ), Gonzalo Vega en guitarras ( ex Talion Horus ) y Nicolas Kalcich en voces ( ex Poder Enano – Black Caravan ). Cave mencionar que quien grabo la segunda viola fue Guillermo Albarracin ( Tehom ), el cual fue reemplazado por Gonzalo Vega.

Como era de esperar, la producción estuvo a cargo del genio de los controles, Ramiro Rodriguez, en Music Corp Studio, con este dato ya deben imaginarse el potente y lujoso sonido de este misil sonoro. La placa consta de 7 pistas llenas de distorsión y riff demoledores de puro Rock crudo con tintes Stoners y Sludge Metal.

En un domingo soleado me senté en la galeria de casa, destape una Ipa y pulse play, fue ahí cuando escucho una poderosa batería marcando el comienzo del disco con “Corta la Bocha”, riff contagiosos que te agarran la cabeza obligándote a hacer headbanging sin ni siquiera darte cuenta, la voz estridente de Kalcich le da la fuerza justa a un tema a medio tempo, para mas adelante tomar algo de velocidad y dar rienda suelta a un punteo quirúrgico. Ahí nomas esta uno de mis temas favoritos, “El Hombre”, el laburo vocal de Kalcich aquí es realmente admirable, tirando unos gritos a lo Halford, antes de que diga “ahí viene el hombre, que no sabe que hacer”, hasta que llegamos a un corte arpegiado bajando unos descibeles para luego explotar nuevamente en ese riff tan pegadizo, brutal…

“Fucking Dog”, es el primer tema en ingles de los 4 que tiene el disco, tema que comienza con una base rítmica que te va a hacer temblar las paredes del rancho, con la bata de Tirador y el omnipotente bajo de Brandan detonando bases aplastantes a cada paso. El trabajo a dos violas de Albarracin y Zapata es otro punto a destacar aquí, violas gemelas a lo old school adornan y dan color a un pista contundente y pesada. Mas allá de su pesadez, la placa emana un notable aroma a Blues en sus lineas musicales, si no escuchen “Moonshine”, un tema sencillo y directo, pero efectivo a la hora de entrelazarse con el resto de los temas.

En “Nada Vuelve a Ser Igual”, la banda sube un cambio y toma un poco mas de velocidad para hacerte rockear de manera espontanea. El estribillo es tan pegadizo que lo vas a estar repitiendo por un largo tiempo, te lo aseguro…. La furia de “Other Side” sigue la misma linea que el tema anterior, y de nuevo aparece Nico haciéndonos volar la peluca con su manera tan peculiar de cantar, me refiero mas que nada a ese genial estribillo a dos voces cuando dice “Now the time has come, i have to take you, the other side. Land of endless sorrow, my home, the other side”, sin palabras… No quiero dejar de mencionar los cortes en este temazo, están finamente diseñados para que te den vuelta la cara de una cachetada.

Las raíces Hardrockeras afloran por los poros de ambas violas haciendo sangrar los oídos de placer en “Rage”, el cual nos marca el final, un final que nunca quisiera que llegue, es que, es inevitable quedarte con ganas de mas, y eso es un muy buen síntoma para un primer disco. Creo que el bajo aquí es el elemento predominante, es como que es el ombligo del disco, casi todo gira en torno a el, pero lograr que esto suene en conjunto como un todo es mérito de todos. Es el que le da cuerpo a todos los temas, pero a su vez esto permite que los riff y solos se luzcan de manera notable, le da fuerza y realza los beats de la bata, dándole una expresión colosal a la música de Grizzly.

Hay también, una serie de detalles que le dan grandeza a la placa y creo que es un poco de todo, es ese granito de arena que aporta cada músico a la hora de componer y esto, a su vez, acentuado por una excelsa producción. Este disco trasluce mucho sacrificio, mucho trabajo en conjunto y por sobre todo amor por el Rock por donde se lo escuche. Por esto puedo decir que es un orgullo que tengamos una banda así en nuestra provincia. Enjoy

Lista de temas:

1. Corta la Bocha 03:49
2. El Hombre 04:00
3. Fucking Dog 03:08
4. Moonshine 05:15
5. Nada Vuelve a Ser Igual 04:20
6. Other Side 03:36
7. Rage 03:45

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Mike Patton and Jean Claude Vannier – Corpse Flower

Mr. Mike Patton es un músico a quien admiro, no tan solo por su talento, si no porque es un músico sumamente completo e incansable, una maquina de producir música de diversos estilos, pero lo de el no es hacer música porque si y listo. Todo lo que hace lo hace de forma profesional, con muy buen gusto y condimentado con su humor sarcástico e irónico. Esta vez se ha asociado con el compositor francés Jean-Claude Vannier para dar a luz Corpse Flower, una colección de canciones pop-jazz clásicamente versinadas. Parece una extraña colaboración, pero por otro lado,  es lo que siempre estamos esperando de Patton, esas asociaciones ilícitas que generan atracción y curiosidad. Esta insólita junta se empezó a gestar en 2011, precisamente en un concierto homenaje al cantante francés en Los Angeles, y aunque ha tardado en fructificar, este debut plasma la perfecta unión de dos universos totalmente distintos.

Lo que encontramos aquí, son canciones con estructuras poco definidas y en algunos momentos hasta pegadizas como la muy Nick Cave “Browning” o por ejemplo la bella “On Top Of The World”, que te la podrías imaginar perfectamente en un disco de Faith No More. “Ballad C.3.3.” Comienza con una lírica extraídas de un poema de Oscar Wilde, las cuales están narradas por Patton. La música es elegante, pero extraña, es como un lounge rock con arreglos de cuerdas orquestales. Si tomas canciones de Faith No More como “RV” o “Caralho Voador” y les agregas un toque de música clásica, tendrías una aproximación cercana de lo que sucede en Corpse Flower. La canción más rara, por así decirlo, es “Cold Sun Warm Beer”, con coros infantiles y sin una estructura real. Lo más cerca que la pareja llega a una canción mas estructurada es “Insolubles”, que presenta el mejor desempeño vocal de Patton en el álbum, acompañada de una bonita melodía.

Los fanáticos del metal no encontrarán absolutamente nada aquí para levantar los puños. Esto es otra cosa que nada tiene que ver con sus proyectos mas pesado. Aquí hay canciones como “Yard Bull” que suena como una pista country, pero el conjunto de cuerdas le da una sensación de melodía refrescante, como si fuera un mueble viejo que reciclaron dándole un toque vintage. Sin embargo, la mayoría de las personas que querrán escuchar Corpse Flower no estarán interesadas en la música, si no en el Sr. Patton y sus cuerdas vocales.

Patton entrega una interpretación vocal típicamente contradictoria, generando esos contraste fascinantes a los cuales nos tiene acostumbrado. Narra, canta y gime a través de todo tipo de letras inquietantes, profanas y sin sentido. ¿Quieres ejemplos? escuchen el tema que le da nombre a la placa “Corpse Flower”, o si no “Pink and Bleue”. Pero la canción que realmente se quedo en mi cabeza es la inquietante “A Schoolgirl’s Day”, que literalmente detalla el día de una niña en la escuela, pero con un giro al final. Tiene una melodía espeluznante!!!

 

Corpse Flower es un álbum difícil para alguien que no conoce el mundo musical de Patton. Sin embargo hay momentos mágicos, cuando logran el equilibrio adecuado con Jean-Claude Vannier, estos momentos son muy interesantes y entretenidos. Los fanáticos de Patton sin duda lo amaran. Aquí Patton recupera su lado más crooner como en aquel proyecto llamado Mondo Cane, para poner voz a unos temas que se mueven entre el lounge de los 60, el jazz y las baladas orquestales. La elegancia de la música tiene su contrapunto en el particular sentido del humor de Patton. Otra copa que levanta entre sus manos el genio de la versatilidad. Salud y Enjoy

Lista de temas:

1.Ballad C.3.3 03:21
2.Camion 03:23
3.Chansons D’Amour 04:22
4.Cold Sun Warm Beer 03:40
5.Browning 03:14
6.Hungry Ghost 03:48
7.Corpse Flower 02:53
8.Insolubles 04:08
9.On Top Of The World 03:20
10.Yard Bull 04:21
11.A Schoolgirl’s Day 03:27
12.Pink and Bleue 03:14

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Tool – Fear Inoculum

La espera de 13 años llego a su fin, Fear Inoculum esta entre nosotros, el nuevo y tan esperado álbum de Tool. En estos días he leído y escuchado muchas y diversas opiniones sobre este disco, algunas a favor y otras en contra. No es ningún secreto que a Tool le gusta crear una experiencia completa para el oyente, que a menudo requiere múltiples escuchas para poder sumergirte completamente en la comprensión y creo que con este nuevo disco tuve que hacer eso para llegar al fondo de la cuestión. Lo cual no fue fácil escuchando y leyendo dichas criticas “fundamentadas”, y viniendo de gente que realmente ama esta banda. Tuve mis prejuicios al principio, pero al final vi la luz al final del pasillo. Aquí les dejo mi punto de vista…

La cuestión es que habiéndonos hecho esperar tanto tiempo a sus fans, ¿podrán crear algo que coincida con las expectativas? Todos esperan una continuación de Aenima, pero la gente cambia, el mundo cambia, las costumbres cambian, y para que una banda pueda evolucionar también necesita cambios y experimentación que oxigenen su música y poder dar rienda suelta a nuevas composiciones.

Pulsé play y escuché la guitarra de Adam Jones transformándose de un crujiente imitador de violonchelo en algo más reconocible de Tool, provocando suavemente la apertura de la canción principal, “Fear Inoculum”, mientras que el resto de la banda amenaza con aparecer, hasta que finalmente todos emergen en un comienzo impresionante. Una obra maestra, larga y en constante evolución, no hay mucha exaltación aquí, puesto que utilizan la moderación como elemento predominante.

Pneuma” sigue de manera similar, con un riff de Jones bellamente limpio que se abre antes de que Maynard James Keenan entre con un patrón vocal punzante y rítmico. Nuevamente, se teje en todo tipo de direcciones, como patrones de respiración aleatorios, podría decirse que se siente hasta como un organismo vivo en lugar de una canción. Luego, el bajo de Justin Chancellor te golpea en el pecho, entra un riff resonante marcando el típico pulso de Tool. La calma de Keenan le da al álbum una escandalosa densidad y un verdadero peso emocional. Podrán sentirlo en el melancólico canto de “Descending”, donde Keenan canta una maravillosa linea vocal sentida, la cual esta precedida por un sintetizador que yuxtapone el ruido industrial con el sonido del agua al comienzo de la pista.

“Invincible” es probablemente lo más parecido a un sencillo aquí, a pesar de sus casi 13 minutos de duración, es un tema que tiene de todo un poco, bajos demoledores, riffs cabeceadores, clímax y la fantástica composición vocal de Keenan (debo confesar que me hubiera gustado algún tipo de explosión llegando al final de la pista). En “Chocolate Chip Trip”, se ve a Tool experimentando con electrónica, sobre la cual Danny Carey hace unos, mas que interesantes, dibujos y descargas de batería como si se tratase de un tema de Fantomas (salvando las distancias) hasta llegar a “7empest”. Aquí hay algunas cosas que me recuerdan a Cold And Ugly de su EP debut Opiate, es el punto más alto del disco, indudablemente el momento más pesado y enérgico, con un Keenan sonando realmente fantástico. El trabajo de Adam en este disco es sublime, mas que nada, en este ultimo tema.

La verdad es que cada miembro aporta algo único, la guitarra camaleónica de Jones, los notables ritmos africanos extravagantes de Carey y el contundente sonido lúcido de Chancellor, toman el mando en diferentes puntos, durante cada movimiento. Aunque la presencia de Keenan no es tan pronunciada como antes, su destreza vocal sigue siendo de otro mundo. Asumió un papel diferente aquí, esta vez enfatizo una linea vocal más angelical que encontrarías en A Perfect Circle que los gritos pesados clásicos a los cuales nos tiene acostumbrados en esta banda.

En rasgos generales, es innegable la adición de abundantes sintetizadores. Escucharán que es como el factor común del álbum, a veces llenando espacios ambientales, a veces como el instrumento que lleva la melodía, y otras veces creando un ambiente que se asemeja al soundtrack de una película. Esto crea una nueva esencia para el creciente sonido de Tool, de una manera que sus pistas ambientales nunca antes habían sonado.

Contiene la progresividad de sus últimos dos álbumes, conserva el sonido característico de Tool, pero se extraña el agresivo ataque instrumental de sus primeros dos álbumes, es sobrio y austero a comparación de los otros. A su vez tiene tantas capas, y con tanta profundidad, que se siente aun prematuro como para agudizar sobre el mismo. Pero lo que no se puede negar es que este enigma se siente como una justificación de por qué el mundo nunca se cansó de la música de Tool. Enjoy

Lista de temas:

1. Fear Inoculum
2. Pneuma
3. Invincible
4. Descending
5. Culling Voices
6. Chocolate Chip Trip
7. 7empest

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El Contuvernio – Alguien Tenía Que Decirlo

El Contuvernio, es una banda tucumana que fue creada a fines del año 2015 por un grupo de amigos oriundos de distintos matices musicales, ante el cruce de estilos comenzaron a brotar nuevas composiciones, persiguiendo un estilo propio, fruto del aporte de cada uno. La banda quedo conformada por Nicolas “Malacresta” Viale (guitarra y voz), que junto a Lorka (batería y coros), el Gaucho Abregú (bajo y coros) iniciaron el proyecto al que luego se sumó el Flako Caña (trombo y coros).

Luego de un tiempo apareció, finalmente, el quinto integrante que se encargaría de las teclas. Fue hallado por los campos de Simoca, un absurdo personaje, quien rápidamente fue apodado como “El Sicario”(acordeón, piano y coros). Así, con el acordeón a piano, quedó configurado el sonido que daría el impulso para encarar el primer proyecto de estudio que lleva el nombre de Alguien Tenia Que Decirlo.

El puntapié inicial lo da “La Melalcoholia”, un punk acompañado de vientos muy a lo Mano Negra, las letras en si son muy arrabaleras y bien tucumanas (de su ciudad natal), la canción es bastante groovera y contagiosa, sumado a la voz rasposa de Malacresta, que le aporta actitud aun tema prácticamente fiestero a mas no poder, cuando dice… “la Melalcholia me a dejao, mal barajao, contento y amargao”, como un juego de palabras entre melancolía+ alcohol, donde se mezclan la tristeza y la ebriedad para apaciguar dolores sentimentale, el tema termina con el sonido de un coyuyo, como avisando que llega la noche. “Patria Grande” es un furioso ska por donde lo mires, adornado de acordeones sobre una letra social y contestataria que reclama justicia social desde el vamos…. El aro aro del final es la frutilla de la torta!!!

“Ameo Meo”, es quizás el tema mas veloz y agresivo del disco con una duración de 2:25 minutos de puro Punk Rock al palo desde el primer segundo, poguero a full, pero que esconde un mensaje en su lírica. La banda baja los decibeles en una intro acústica y milonguera llamada “La Comadreja”, en donde la música muta a un Punk pero la linea vocal de Malacresta sigue en Milonga (uno de mis preferidos del disco), ese contraste bien marcado de la voz y la música le da un sabor especial a este temazo, acentuado por los vientos y el acordeón, una belleza…

“Fuego”, es un tema con una fuerza increíble, con un estribillo que te pega un planchazo en el pecho, ayudados por una base rítmica contundente y demoledora, la cual esta arriba en todo momento en este tremendo Ska-Punk. El Reggae se hace presente con “Churrasco al Espejo”, es increíble la manera de meter letra en espacios reducidos, por parte de Nicolas, mediante un rapeo ácido y cannabico, donde el tema central de la lírica es la historia de alguien que se droga sin medidas, sin saber disfrutar del viaje. También hay algo de música surf al final de la pista, que le aporta colores y texturas a esta genial mezcla.

Cuando escuche por primera vez “Tucuman”, no lo podía creer jajajajaj, me dije “por fin alguien lo hizo canción”, me refiero a la letra del tema, la cual trata de la promiscuidad en nuestra querida provincia, musicalizada en un Reggae Punk ultra fiestero. Para algunos, esto les puede caer mal y lo entiendo, pero el enfoque que le da la banda hace que lo tomes con humor (que creo que es la intención del tema).

Es un buen comienzo para El Contuvernio, es disco entretenido, ya sea desde lo lírico hasta lo musical. Es innegable que te quedas con sabor a poco con estos siete temas, pero aun así vale la pena prestarles atención porque esta banda da para mucho mas. Enjoy

Lista de temas:

1 La Melalcoholia

2. Patria Grande

3. Ameo Meo

4. La Comadreja

5. Fuego

6. Churrasco al Espejo

7. Tucuman

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Slpiknot – We Are Not Your Kind

Todos los fanáticos de Slipknot saben que el ex baterista Joey Jordison y el fallecido bajista Paul Gray (quien murió el 24 de mayo de 2010) fueron fundamentales para escribir los primeros cuatro álbumes de la banda. Para su décimo aniversario, ambos miembros se habían ido y Slipknot tardó seis largos años en hacer el duelo, aceptar su situación y reconstruirse. Para el 2014, “5: The Gray Chapter“, fue un homenaje a su hermano perdido, Paul. Como tal, fue más un álbum de recuerdo y supervivencia que una continuación; fue el lanzamiento más pesado de la banda desde Iowa, y contenía su mezcla característica de death y thrash metal, interludios atmosféricos y el híbrido de rugidos vocales de Corey Taylor, mezclado con melodías y ladridos cuasi-rap. De hecho, la fórmula generó algunas canciones asesinas, incluyendo “The Devil in I”, “Lech” y “The Negative One“, que obtuvieron tres nominaciones a los premios Grammy.

El álbum fue ampliamente elogiado y demostró que Slipknot había vuelto y era capaz de prosperar sin Jordison y Gray, lo cual yo lo veía muy lejos de lograr, mas que nada por la ausencia de Jordinson, pero la performance de Jay Weinberg, despejo todas mis dudas y en este disco reafirma con pura brutalidad su eficiente puesto de baterista.

Con We Are Not Your Kind, sin embargo, Slipknot ha hecho más que tocar sus fortalezas, ha ampliado sus parámetros, llevando a la banda en direcciones musicales que anteriormente solo habían insinuado. Claro, el álbum es puro Slipknot: agresividad cruda, descargas percusivas y melodías bien elaboradas. We Are Not Your Kind va mucho más allá. Es una pieza cohesiva e impregnada de experimentación. El canto limpio de Taylor es tan pegadizo como siempre, si bien es uno de los mejores cantantes de metal hoy en día, el desempeño de Corey aqui es asombroso, me sorprendió gratamente, y hasta me atrevo a decir que es su mejor trabajo hasta la fecha en la banda.

Aunque no es necesariamente un álbum conceptual, está impregnado de cosas Floydeanas. Hay tres canciones cortas, en su mayoría instrumentales, “Insert Coin”, “Death Against of You” y “What’s Next” que están llenas de ruidos extraños, técnicas no convencionales que rompen el ritmo frenético del álbum, al tiempo que presentan nuevas elementos de extrañeza y horror que lo aportan oscuridad a la obra. Después de la introducción del álbum con “Insert Coin“, que presenta una alarma pulsante que zumba sobre unos teclados góticos descendentes y los inquietantes efectos de sonido en capas. A partir de ahí, Slipknot se lanza directamente con “Unsainted“, con un coro angelical que contrasta con la voz desesperada de Taylor, con un estribillo superlativo, pegadizoa más no poder.

Las letras tratan de las frustraciones de Corey en estos ultimos años, más que nada por la tediosa separacion de mujer. Para los fanáticos de Slipknot están en su mejor momento cuando Taylor quizás esté en su peor momento (sentimental). Su dolor es nuestra ganancia y no se vuelve mucho más agonizante que el solista “Solway Firth“, cuando dice: “Mientras aprendía a vivir, todos vivíamos una mentira / Supongo que obtuviste lo que querías / así que me conformaré para un matadero empapado en sangre y traición … / ¿Quieres que la verdadera sonrisa o la que solía practicar no se sintiera como un fracaso?”. Ser creativamente alimentado por la verdadera miseria y desamor es un alto precio a pagar, por lo visto.

En “Nero Forte“, todo está entre una fuerte melodía, riffs melódicos, ritmos infecciosos y una sección media de marcha, que convertirán a este temazo en un clásico de la banda. La voz es pura furia escupida con mucho groove desbordando fuerza por todos lados. Hay tantos elementos de creatividad en juego que a veces es vertiginoso. Para los fanáticos del rock alternativo, el rock experimental, la música industrial, etc: hay para todos los gustos. Este disco podría ser la banda sonora de alguna película de Stephen King, sin duda alguna. El resto de las canciones presentan introducciones desconcertantes, secciones intermedias inesperadas y conclusiones sorprendentes que hacen que este álbum sea la oferta más audaz, multifacética y, posiblemente, más sincera hasta la fecha de la banda.

 

Algunos fanáticos acérrimos podrían no emocionarse con el vibrato vocal de Taylor y el enfoque casi gótico / New Wave de la banda en “Spiders” o las melodías melancólicas de “A Liar’s Funeral“, que incluyen un tempo lento, ritmos pisando fuerte, voces melódicas y cambios de ritmo épicos. Aún así, encontrarán mucho para amar a We Are Not Your Kind. Es intransigente, implacable e impenitente, haciendo un balance personal llegué a la conclusión de que este es exactamente el álbum que quería escuchar de Slipknot hace años. Pienso que el instinto de supervivencia de la banda y su reconocimiento de que el crecimiento y la evolución son necesarios para prosperar sin importar el costo los ha llevado a un momento de crecimiento musical y un punto del que no hay vuelta atrás. Enjoy

Lista de temas:

01. Insert Coin (1:38)
02. Unsainted (4:20)
03. Birth Of The Cruel (4:35)
04. Death Because Of Death (1:20)
05. Nero Forte (5:15)
06. Critical Darling (6:25)
07. A Liar’s Funeral (5:27)
08. Red Flag (4:11)
09. What’s Next (0:53)
10. Spiders (4:03)
11. Orphan (6:01)
12. My Pain (6:48)
13. Not Long For This World (6:35)
14. Solway Firth (5:55)

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Volbeat – Rewind, Replay, Rebound

Rewind, Replay, Rebound es el nuevo álbum de los daneses, Volbeat, una banda que ha crecido muchísimo y que viene recaudando numerosos fans en todo el planeta. Es que su cóctel ha dado resultado, y este nuevo trabajo viene a reafirmar su indiscutible éxito.

Para empezar a hablar de Volbeat tengo que hacer hincapié en la voz de Michael Poulsen, tiene un registro inconfundible, mas allá de sus excelentes composiciones, la voz y la forma de cantar de Poulsen tiene mucho que ver con el éxito de la banda. Rewind, Rebound, Replay nace en una etapa de lo más interesante para el grupo ya que su fama no ha dejado de ascender en los últimos años, teniendo el honor de abrir para Metallica en muchas fechas, así como haciendo historia en su Dinamarca natal con un concierto realmente impresionante en el Telia Parken, en el que vendieron más de 40.000 entradas y que quedó filmado bajo el nombre de “Let’s Boogie! Live From Telia Parken”, material que les recomiendo tanto por lo visual como por lo sonoro. Por ello, con semejante panorama, no era nada raro que el grupo decidiera entrar en el estudio y dar vida a esta nueva obra.

Abre el disco “Last Day Under The Sun” y ya podemos hacernos una idea de la orientación sonora que esta nueva astilla de los Volbeat va a tomar. Rock comercial, sencillo, con un riff muy en la onda de AC/DC y con un feeling radiofónico que hace accesible a todos los públicos esta primera entrega. Personalmente me gusta mas cuando la banda mezcla mas el heavy con otras cosas, con Punk Rock, con Rockabilly o con el mas simple Rock and Roll, de otra forma es como que me empalaga un poco. Algo así pasa con las posterior “Rewind The Exit”, la cual tiene un inicio más bien Heavy, pero no tarda en convertirse en uno de los cortes más melódicos de esta obra. Por otro lado, hay dos temas que sobresalen, mas que nada por el trabajo vocal de Poulsen, me refiero a las piezas “When We Were Kids”, con una sección barroca de lo más curiosa por parte de las guitarras y “7:24”, una bonita pieza que Poulsen dedica a su hija recién nacida con la interpretación vocal más emotiva de toda la obra.

“Pelvis On Fire”, seguramente la mejor canción de toda la obra. La banda, y especialmente Poulsen, encarna al mismísimo Elvis durante los estribillos alcanzando un registro similar al del recordado “Rey Del Rock”. El tema mantiene una estructura clásica de Rock ‘N’ Roll, muy a lo “Going To Brasil” de Motörhead, guardando las diferencias, pero con mucha distorsión y unos efectos que rozan lo industrial. “Die To Live”, aunque ciertamente también pueda tener matices comerciales esta canción me ha gustado por acercarse más al Punk Rock de la vieja escuela que roza, en ocasiones, el más puro Rock clásico gracias a los arreglos de piano y saxo por parte de Raynir Jacob Jacildo y Doug Corocran respectivamente. Cabe señalar la colaboración en algunos versos del cantante de Clutch, Neil Fallon.

“Sorry Back Of Bones”, da la impresión de que fue sacada de una película de Tarantino, esta canción parece esconder un gen detectivesco en su interior. “Cheapside Sloggers”, cuando leí los créditos del disco me sorprendió descubrir que el mismísimo Gary Holt colabora en esta canción. Pese a ser muy guitarrera (buenos riffs) es más bien un medio tiempo facilón que, eso sí, gana muchos aplausos con el gran solo de Holt, quien en menos de 20 segundos es capaz de hacer genialidades con su guitarra.

Hace un tiempo, Caggiano aseguró hace unos meses que la nueva obra del grupo incluiría varias canciones cercanas al Metal más duro (llegó a citar el Death?) y, si bien es cierto que el resultado final parece no corresponderse del todo con esas palabras, en “The Everlasting” tiene momentos de auténtico Metal de calidad. De hecho, no dudaría en considerarla mi otra pieza favorita del la placa. En esos riffs hay mucho del Thrash old school. Poulsen hace una gran labor en la voz, logrando adaptarse a los momentos de mayor intensidad y permitiéndose poner el “piloto automático” en los compases más suaves.

Cada fan de Volbeat tendrá su álbum favorito y no me parecería en absoluto descabellado que este “Rewind, Replay, Rebound” reciba tan altos honores por parte de muchos fieles de la banda. Para mí es un álbum acertado, con muchísimas virtudes, pero como dije anteriormente, prefiero sus primeros discos en donde el metal estaba mas presente. A mi parecer, como a veces me pasa con otros grupos, Volbeat nos regalará en unos años un álbum que nos va a dejar con la boca abierta. Enjoy

Lista de temas:

01. Last Day Under The Sun
02. Pelvis On Fire
03. Rewind The Exit
04. Die To Live (feat. Neil Fallon)
05. When We Were Kids
06. Sorry Sack of Bones
07. Cloud 9
08. Cheapside Sloggers (feat. Gary Holt)
09. Maybe I Believe
10. Parasite
11. Leviathan
12. The Awakening of Bonnie Parker
13. The Everlasting
14. 7:24

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