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CapotonFurioso

Este blog esta destinado a compartir musica e información de bandas y solistas. Enjoy

Björk – Utopia

 “Utopia” es el noveno disco de estudio de Björk, ella plantea su nuevo álbum como una colaboración entre ella y Arca, después de que ambos compartieran créditos en el anterior Lp de la islandesa. En el mismo incluyen también una co-producción de Rabit (‘Loss’).

La “utopía” que propone Björk es un disco conceptual y experimental. Para ello ha creado un “mundo” menos lúgubre que en su anterior disco, mucho más abierto, aligerando el peso y añadiendo un grupo enteramente femenino de 12 flautas, además de arpas y sonidos de pájaros procedentes de “Oiseaux de Vénézuela”. En “Utopía”, al igual que en “Homogenic”, refleja la unión de la naturaleza y modernidad tecnológica, aunque ahora desde un ambiente menos amenazante y más paradisiaco. Un ejemplo de esto es la canción que titula al disco, que suena como una escena de Disney en la que Björk pasea alegremente por un bosque encantado.

Arisen My Senses” se abre camino mediante explosiones de belleza y luz, conformando una especie de Big-Bang particular para Björk, llena de flautas, pájaros y beats ásperos, con letras sobre los distintos tipos de amor, el carnal, el musical, el familiar o el espiritual. 

The Gate” nos sumerge en una especie de ciberespacio líquido, elevado por la presencia de una Björk que invoca emotivamente la presencia de un “amor trascendental” que cure las heridas abiertas. “Blissing Me”, es una canción romántica, preciosa, en la que, entre arpas, la cantante intercambia MP3 con su amante platónico e imagina que la “fantasía” de su “unión física”.

Para mucha gente es complicado entender el mundo musical de la islandesa, más cuando ella pretender hilar los discos de manera “conceptual”. A pesar de que son muchos los que siguen buscando melodías accesibles en los discos de Björk como antañopues están equivocados, Björk se da maña para realizar ambientes sumamente experimentales y difíciles de asimilar. Quizás esto le falte al disco, un poco de groove y melodías un tanto pegadizas, como para hacer un disco más entretenido y llevadero. Tambien hay composiciones redundantes como “Courtship” y “Claimstaker” o con algo de aroma “new age” en “Saint“. Pero también presenta pasajes hermosos, como en la tierna “Tabula Rasa”.

Utopia concluye positivamente con “Future Forever” y da cierre a un álbum, que si bien está muy bueno, le falta un poco más de lo convencional, algo más simple, buscando un equilibrio entre ambas partes, lo experimental y lo cotidiano. Enjoy

Lista de temas:

1. Arisen My Senses (04:59)
2. Blissing Me (05:05)
3. The Gate (06:33)
4. Utopia (04:42)
5. Body Memory (09:46)
6. Features Creatures (04:49)
7. Courtship (04:44)
8. Loss (06:51)
9. Sue Me (04:57)
10. Tabula Rasa (04:42)
11. Claimstaker (03:18)
12. Paradisa (01:44)
13. Saint (04:41)
14. Future Forever (04:47)

 

 

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Toothgrinder – Phantom Amour

En esta ocasión, Toothgrinder decide dar un giro a 180° con respecto a su primer disco, “Nocturnal Masquerade” de 2016. Esta vez tomaron un camino más alternativo y por ende más accesible, buscando, a la vez, un sonido característico. Las melodías y las voces limpias toman protagonismo en esta placa. Esto es algo más atractivo para el oido, sobre todo para aquellos que no conocen la banda, esto puede disgustar a los fans que pensaron en que iban a sacar un álbum más conplejo, a lo Dillinger Scape Plan.

El abridor “HVY” tiene un aire a Stabbing Westward con sus vibrantes riffs pseudo-industriales, versos limpios y un coro suavemente cantado que cualquiera puede disfrutar, hasta los que no son metaleros. Luego pueden dirijir su atención a “Let It Ride”, el cual tiene una poderosa frecuencia hard rock bailable, que tranquilamente puede estar sonando en cualquier pub local.

Su líder Justin Matthews de vez en cuando trabaja en algunas voces guturales en medio de guitarras melodiosas, mientras que canciones como “Futile” y “The Shadow” resaltan en versos hardcore que agregan agresividad a la lista de temas. Pero es notable como toman herramientas de sus influencias alternativas de los 00′ mas que del metal o el hardcore. 

 Por momentos estan más sercanos a Deftones o The Contortionist , con un poco de Periphery pero con algunas mezclas, con electrónica, gritos de fondo y otros efectos que a menudo se materializan para hacer las cosas más interesantes. La producción general es muy buena, el bajo es grueso y fornido, las guitarras bañadas en reverberación suenan un bombazo, y el canto suave y sedoso no podía adaptarse mejor a este estilo.

Por momentos hay algo de mathcore, como ser en “Pieta” o el estridente coro de “Vagabond“. Como para consolidar aún más el hecho de que aligerar su sonido fue la elección correcta, pueden escuchar “Jubileo“, que es a la vez la pista más suave y una de las mejores. Con una línea de guitarra acústica ágil y voces sentidas, muy buena!!!.

Con esta placa Toothgrinder ha demostrado que nunca necesitaron volverse más pesados ​​o “más metal”, y siguiendo su propio camino se han convertido en una banda mucho mejor de lo que eran hace solo dos años. Enjoy

Lista de temas:

1. Hvy (03:35)
2. The Shadow (04:01)
3. Let It Ride (03:05)
4. Phantom Amour (04:17)
5. Red (03:13)
6. Adenium (03:20)
7. Jubilee (03:31)
8. Paris (04:29)
9. Pietà (03:17)
10. Snow (03:42)
11. Vagabond (03:23)
12. Futile (03:36)
13. Facing East From A Western Shore (04:47)

 

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Polkadot Cadaver – Get Possessed

A menudo me pregunto qué pasaría si la policía un día ataca la casa de Todd Smith solo para descubrir su gran cantidad de cuadernos con letras y notas que harían que hasta los asesinos en serie más ardientes parezcan cachorros. Ya sea escribiendo para Dog Fashion Disco, El-Creepo o en este caso Polkadot Cadaver.

Como fanático de los tres proyectos, a menudo me resulta difícil identificar cada proyecto, si no fuera por sus portadas, a  excepción de El-Creepo, a menudo parece haber una superposición de sonidos entre DFD y Polkadot, pero esto no lo considero malo, cada cosa que estos dementes se les ocurre, me vuela la cabeza.

Tengo que advertirles que Polkadot Cadaver es una banda influenciada desvergonzadamente por Faith No More y Mr. Bungle pero con una clara fascinación por el horror y la desconcertante combinación de estos elementos para crear un sonido que es realmente original, como lo fue en sus inicios. Es difícil juzgar la curva creativa de una banda cuando en realidad es completamente diferente a casi cualquier otra cosa que exista y, por lo tanto, sin críticas, afirmo que “Get Possessed” es otra colección de canciones de Polkadot que es exactamente lo que esperarías y desearías de la banda. A lo largo de sus diez pistas hay una gran cantidad de variedad de tempos e ideas, suena como un álbum de Polkadot pero al mismo tiempo no suena como ningún otro álbum de Polkadot … y es ahí donde radica su belleza.

A diferencia de DFD en esta banda predomina el uso del sintetizador. Desde el principio nos enfrentamos a una lenta pesadilla de cine terror en los años 80 en “Dead Beats”.  Justo cuando te sientes realmente incómodo “Could not Move Far Enough Away” aparece con una furia de guitarras punk / thrash antes de volver a un pasaje de versos funk electrónico, donde abundan los giros, pero a su vez acompañados de un gran coro cantando a lo largo del tema.

Powder Pink Baby Coffin” mezcla un sintetizador pop de los 80 con una guitarra enorme de un ritmo feroz. “Robot Assisted Suicide” comienza con un ritmo más lento, aumentando lentamente hasta su crescendo antes de que termine, mientras que la canción de título “Get Possessed” se convierte en un mazazo desde el principio. La vehemencia de los riffs que se exhiben aquí son suficiente rápidos como para hacer que Slayer quiera agachar la cabeza avergonzado.

El primer sencillo, “Brian Eating Amoeba“, merece una mención especial, mientras que suena más a Faith No More (Álbum of the Year), me refiero a la inspiración, tiene una maravillosa estructura que se basa en uno de los riffs más gloriosamente cargados de groove. Es una melodía hermosa que sabe cuándo dejar espacios y cuándo acelerar el ritmo y termina perfectamente con una melodía inquietante y recurrente … ¡perfección única!

Retoman el ritmo nuevamente con “Stewards of a Syphilitic Emperor”, mientras que “Cocaine’s Gone, Party’s Over” muestra otro gran cambio en el sonido cuando las teclas toman protagonismo mientras Todd susurra y canta, esta es la pista más cercana a  El-Creepo,  sonando casi como una canción de amor. “Skin in the Game” gira y gira con incómoda facilidad antes de que el álbum termine con “Gasoline Enema, Bend and Light”, la cual presenta unos coros a modo de himnos masivos rodeados de ritmos hastiados…, antes de que tu cerebro haya tenido tiempo de evaluar el asalto, acaba de terminar el álbum y vuelvas a tocar play para una nueva escucha, seguro!

Siempre es un placer presenciar otra entrega de estos tipos de trabajo. Es perturbador, sorprendente e ignora completamente cualquier regla o tendencia musical del momento. Polkadot Cadáver ha creado un disco donde lleva la antorcha para los fanáticos de la música desquiciada. Enjoy

Lista de temas:

1. Dead Beats
2. Couldn’t Move Far Enough Away
3. Powder Pink Baby Coffin
4. Robot Assisted Suicide
5. Get Possessed
6. Brain Eating Amoeba
7. Stewards of a Syphilitic Emperor
8. Cocaine’s Gone, Party’s Over
9. Skin in the Game
10. Gasoline Enema, Bend and Light

 

 

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The Faceless – In Becoming a Ghost

El esperado cuarto álbum de The Faceless no decepciona, con un uso experimental de instrumentos, cosa que con su anterior trabajo no sucedió. En “In Becoming A Ghost” muestra las habilidades de la banda como músicos a través de misteriosa atmósfera que recorre el álbum, pero se manifiesta diferente en cada una de las pistas, así como en una versión de “Shake The Disease” de Depeche Mode. Con esto quiero decir que The Faceless volvió a ser lo que eran en un principio, una banda extrema y progresiva.

El álbum se abre con la canción principal, “In Becoming A Ghost”, en la que una inquietante melodía de piano e instrumentos de cuerda de tono alto introducen a esa atmósfera inquietante que les mencioné. Oscuras letras retratan una narración, que se continúa en la pista ocho “Ghost Reprise” . Los efectos de sonido como susurros y una puerta crujiente presentan un escenario de terror y pesadilla. 

En un momento pensé que se trataba de un Cover de Faith No More, pero no, “Digging the Grave” se abre con una percusión de ritmo rápido y acordes disonantes que mantienen al oyente expectante. Esta canción contiene un contraste efectivo de gruñidos, ritmos veloces y disonancia absoluta, contra voces limpias, riffs melódicos de guitarra y un tempo menos agresivo. Los elementos contrastantes de esta pista crean un giro interesante en el aura del álbum, y muestran cómo diferentes sonidos y efectos pueden ser misteriosos de diferentes maneras. El uso de instrumentos orquestales agrega una mayor profundidad a la canción; el uso de melodías de flauta introduce un elemento casi de cuento de hadas, contra riffs totalmente metaleros que soportan las guitarras pesadas.

La cuarta canción del álbum, “Cup Of Mephistopheles” , comienza con una secuencia de acordes de piano y efectos de sintetizadores agresivos. La versión de “Shake The Disease” de Depeche Mode esta versionada muy a lo Faceless, si no conocen el tema original, pensarían que es un tema propio. La apertura con acordes de órgano distorsionados y voces de ópera masculinas hacen eco del original pero muestran el giro más oscuro de la banda. Las guitarras rápidas y los gruñidos de death metal en las voces crean un sonido agresivo, por otro lado, el estribillo presenta una voz limpia, que no es muy diferentes a las voz de Dave Gahan en la pista original. 

Los Faceless muestran sus habilidades como músicos con este álbum a través de los aspectos técnicos, riffs de guitarras, ritmos variados y tonos contrastantes en sus pistas. La inclusión de instrumentos orquestales y su capacidad para integrarlos eficazmente contra sus raíces death metaleras, los respaldan aún más. La banda a vuelto a sus raíces sin guardarse nada, haciendo felices a sus más acérrimos fans. Enjoy

Lista de temas:

01. In Becoming a Ghost
02. Digging the Grave
03. Black Star
04. Cup of Mephistopheles
05. The Spiraling Void
06. Shake the Disease (Depeche Mode cover)
07. I Am
08. Ghost Reprise
09. (Instru)mental Illness
10. The Terminal Breath

 

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Espíritu Arcano – Annexia

Espiritu Arcano es el nuevo proyecto de los hermanos Luciano y Nicolás Rey de Tierra de Elefantes, esta vez nos muestran su faceta mas experimental e instrumental donde no se los puede etiquetar más que con rock psicodélico instrumental, digo esto porque en este disco encontrarán de todo un poco, stoner, doom, thrash, Rock progresivo, en fin… diversas ramas del rock aglomeradas en un solo disco. Su música esta ligada a influencias de bandas como Poseidotica, Russian Circless o Isis. Mi intención no es compararlos si no contar más o menos en que mares estamos remando.

En estos tiempos es muy difícil prescindir de la voz para sonar auténtico y con personalidad, pues la imaginación de este dúo a la hora de componer puso todo su empeño para dejarlos con la boca abierta. Es descomunal la fuerza que emanan desde sus poderosos riffs hasta sus atrapantes atmósferas con una calidad única para concretar sus diversas transiciones.

Asombra la facilidad como estos hermanos mezclan con una facilidad innata distintos estilos y entrelazar o fusionar distintos matices y texturas. Como es el caso de “Cormoran” o “Pangea“. 

Por otro lado, cuando escuchas “Aureal“, da la sensación de que tus pies toman distancia del suelo con tan sólo unas notas musicales, muy copado. “Elephas” y “Walas” son más bien agresivas y algo más directas, mientras que “JJX” y “Pangea” son un tanto más revoltosos y progresivas.

Annexia se ha convertido, en mi discografía, en mi lugar de escape, mi punto neutro donde me transporto y me dejo llevar. Reafirmando que con poco se puede lograr mucho.

Me pongo de pie para aplaudir a este dúo, que con su amor por la música y su imaginación lograron plasmar de manera excelsa una placa que quizás al principio les cueste asimilar, pero que al final terminaran amandola, tal cual me paso a mi.

Lista de temas:

1.Aureal 03:01
2.Elephas 04:10
3.JJX 03:35
4.Pangea 07:08
5.Cormorán 05:57
6.Walas 04:26

 

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In Flames – Wicked, Down and No Good

Sorpresivo EP de In Flames, el ass bajo la manga contiene 4 Covers de bandas y artistas archi conocidos de distintos géneros musicales. El nombre del EP esta escrito tomando fragmentos de los nombres de 3 de los temas que lo componen. Más que Covers, son versiones con un toque muy personal de la banda.

It’s No Good (Depeche Mode). La mejor versión de todas, In Flames se luce con este excelente tema, usando como protagonistas a los teclados y sintetizadores para obtener el conocido sonido Depeche Mode, para luego reciclarlo con papel de lija gruesa de riffs y distribución. Las voces son definitivamente interesantes, en este aspecto Anders realiza una magnífica performance reafirmando su evolución como cantante. En realidad no me sorprendió para nada que una banda como In Flames haga un tema de Depeche, ellos asumieron esta influencia hace mucho tiempo cuando grabaron “Everything Counts” en su etapa death metal.

Down In A Hole (Alice In Chains). Les podría decir que esta versión es hasta un poco más tranquila que la original con un sonido moderno, y por ende, mucho más alternativo. Personalmente esperaba un poco más de esta versión, aún así alcanza su objetivo. No nos olvidemos que se trata de un temazo de Alice.

Si bien le dan un giro original, todavía conserva el tono arenoso que Alice in Chains le dio en su momento. Como agregado a esto, hay un borde levemente doom, cortesía de algunas notas de bajo reverberantes. Muy interesante.

Wicked Game (Chris Isaak). En esta versión tomaron sus influencias Depechemonesca para hacer de este tema algo prácticamente electrónico, donde casi no se distinguen las guitarras distorsionadas. A comparación de la versión que HIM hizo anteriormente, esta, definitivamente es diferente desde el principio. Los bajos de estilo industrial reemplazan en su totalidad a sus graves originales. Mientras que “Wicked Game” nunca fue exactamente una canción muy alegre, In Flames le dio el tratamiento de distopía, pasado de la melancolía al post-holocausto.

Hurt (en vivo) (NIN). Es una grabación en vivo, por lo que uno con el que los fanáticos de In Flames ya estarán familiarizados. De hecho, bien pudo haber sido la inspiración para esta pequeña colección. Esta pista ya despojada es dejada completamente al descubierto por In Flames, reducida casi en su totalidad a solo voces, guitarra acústica y un ritmo de percusión rítmica simple.

Las cuatro canciones son excelentes. Están bien elegidos y bien realizados. Al principio escuché que me preguntaba si podrían ser un poco  demasiado para la audiencia existente de In Flames. En realidad esto me tiene sin cuidado, son buenas canciones y bien versionada, que es lo que más importa. Enjoy

Lista de temas:

01. It’s No Good
02. Down in a Hole
03. Wicked Game
04. Hurt

 

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Converge – The Dusk In Us

Converge se han establecido a lo largo de 27 años como una de las bandas de alta calidad más consistentes en música extrema. Ayudando a crear el subgénero mathcore del metalcore, la banda no solo ha sido una de las bandas de más alta calidad en sus respectivos campos, sino también una de las más ingeniosas.

“The Dusk In Us” es una declaración musical de una de las bandas más importantes de la música moderna. Es sabido que la música de Converge, por lo general es un cáos sonoros, con muchos giros y cambios repentinos. Esta vez la banda usa como variante un poco de orden (?) y un poco de melodía. El álbum está hecho para sus viejos fans, como así también para sus nuevos seguidores. Haciéndoles saber a todos que una de las bandas más originales y que no han perdido su capacidad de sorprendernos en cualquier momento.

El álbum toma dosis saludables de antiguas técnicas e influencias, como una buena cantidad de noise rock e influencias post-hardcore y el frenesí de mathcore, pero esta vez, estas influencias parecen usarse de una manera bastante diferente a las anteriores. Las influencias post-hardcore comparten similitudes con la forma en que se usaron en “All We Love We Leave Behind”. Las influencias del noise rock realmente se filtran en los riffs con bastante frecuencia aquí, con riffs atonales de guitarra saliendo al frente en casi todas las canciones, y en mi opinión esa es una de las mejores cosas de este disco.

Pero aparte de los sonidos que esperarías escuchar de los veteranos del mathcore, Converge también sacó algunos trucos de la manga de manera espectacular. Muestran un lado mas tranquilo en temas como “Thousands Of Miles Between Us” donde la vanguardia hace acto de presencia en la composición, fuertes tintes post-metal que realmente empujan a este álbum fuera del territorio mathcore, incluso, algunas partes de este álbum traen a la mente leyendas del post-metal como Neurosis.

En cuanto a la instrumentación del álbum en sí, este puede ser uno de los puntos más altos de Converge. El tono de la guitarra y el riffing de Kurt Ballou son absurdamente gruesos y a granel en este disco, lo que aumenta enormemente la intensidad propulsada por el sonido monstruoso. El bajo transmite ritmos deliciosos y ritmos extraños sin esfuerzo, mostrándome una vez más que Nate Newton es probablemente uno de los bajistas más subestimados en metal. Pero la química entre Kurt y Nate es probablemente más impresionante que cualquiera de sus actuaciones individuales, y dado el hecho de que ambos hicieron segundas voces en el álbum, su instrumentación es aún más innovadora.

Ben Koller siempre ha sido, y probablemente siempre será uno de mis bateristas favoritos en el metal extremo, y en “The Dusk In Us”, no me decepcionó en absoluto. Las voces de Jacob Bannon son impresionantes como siempre, sacando sus voces fuertes, suaves y dinámicas que pueden pasar de un grito tortuoso a una serenata en un instante.

En general, “The Dusk In Us” probablemente no sea solo uno de los discos más fuertes de Converge hasta la fecha, sino también probablemente uno de los álbums de metal más sólido de este año, y se necesitará un disco increíblemente increíble para cambiar de opinión sobre esa ubicación. El punk se encuentra con el metal extremo con un enfoque abrumador pero bien pensado en este álbum. Enjoy

Lista de temas:

01. A Single Tear (03:59)
02. Eye Of The Quarrel (02:14)
03. Under Duress (03:42)
04. Arkhipov Calm (02:53)
05. I Can Tell You About Pain (02:23)
06. The Dusk In Us (07:23)
07. Wildlife (02:29)
08. Murk & Marrow (03:01)
09. Trigger (03:33)
10. Broken By Light (01:46)
11. Cannibals (01:15)
12. Thousands Of Miles Between Us (04:42)
13. Reptilian (04:33)

 

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Split – Errante – Beduino

Este disco consiste en un split (disco colaborativo) entre las bandas chilenas Errante junto a Beduino, que consta de 4 canciones (2 de cada banda). En el marco de celebración de sus 10 años de trayectoria, Errante ha querido seguir sumando material a su nutrida discografía. Ambas bandas, en un acto de amistad y apoyo mutuo, deciden plasmar sus inquietudes sonoras, de manera colaborativa, dando vida a este excelso material. El disco fue grabado, mezclado y masterizado en Equinox Media (Rancagua) entre Junio y Septiembre 2017.

Errante en vivo

Beduino es el encargado de abrir el disco con una intro prácticamente oriental del tema “Cielo Herido”, un tema volátil y muy rico musicalmente hablando, quizás por su tremenda musicalidad y porque es un tema instrumental que funciona a modo de introducción para el split. Primer tema que escucho de la banda y ya me dejó una muy buena impresión.

Para el segundo tema, Errante decide subir la apuesta con una canción un poco más experimental y subido de tono, llamado “Entre la Razón y el Afecto”, creando una atmósfera densa, agresiva, oscura y con mucha actitud. Desde que conocí a Errante me di cuenta, en lo personal, que pertenece a ese grupo de bandas que, hagan lo que hagan no defraudan en lo más mínimo.

Ahí no más está “La Tristeza del Hombre Común” (Errante), es un post hardcore hipnótico que a medida que transcurre se pone más agresivo, tanto la voz como la música, para luego hacer un rebaje y arremeter nuevamente, una belleza !

Y luego Beduino se encarga del cierre con “La Primera Lluvia”, una voz áspera y rasposa se hace presente en un descomunal rock psicodélico, con el bajo marcando el camino a guitarras saturadas hacia un abismo sonoros. Fantástico !!!

Beduino

Estos 4 tracks representan una amalgama perfecta, fuera de cualquier noción preconcebida, de energía y guitarras contundentes.

Más allá de que ambas bandas suenan súper profesional y que el split posee una excelente producción, la música en si está a la altura de las circunstancias, es actual sin ser moderno, es progresivo sin ser complejo, en definitiva… una hermosa descargar eléctrica auditiva. Enjoy

Lista de temas:

1- Cielo Herido (Beduino)
2- Entre la Razón y el Afecto (Errante)
3- La Tristeza del Hombre Común (Errante)
4- La Primera Lluvia (Beduino)

 

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Scour – Red

El año pasado, Phil Anselmo, el hombre de las mil bandas, los mil proyectos, las mil colaboraciones, nos sorprendió con un nuevo súper banda llamada Scour, formada por varios exponentes del metal extremo. Este años nos entregan su nuevo Ep, llamado simplemente “Red”.

Personalmente, siempre he sido un poco reacio a escuchar black metal, salvo raras excepciones, escuchar todo un disco de black me aburre un poco, me gusta más  y cuando utilizan el black como una variable en la música. Pero al tratarse de semejante proyecto y al haber escuchado su anterior Ep me tiré de cabeza encima de esta placa.

Como ya les conté, esta placa, a diferencia de su primer Ep, que es más grindcore, “Red” es black metal por donde se lo escuche. Cuando comencé a escuchar, no podía creer que el que estaba cantando era el mismo Phil. Pasan los años y Anselmo sigue dando cátedra de cómo  y se canta en los distintos estilos que milita su voz. Cómo adapta sus cuerdas a las exigencias del black, conjugando perfectamente las voces agudas con la gutural.

Las guitarras punzantes a cargo de Derek Engemann (Cattle Decapitation) y de Chase Fraser (ex Animosity), son los responsables de esta violencia sonora. Mientras que John Jarvis (Pig Destroyer) se encarga de la demolición con sus 4 cuerdas, formando una base rítmica increíble junto a Jesse Schobel (Cast the Stone y Oracle) en la bateria.

Si bien el disco me pareció un tanto plano, en rasgos generales, la voz de Anselmo sumado a la brutalidad de la banda, lo convierte en un disco que realmente vale la pena prestarle atención.

Después de estas 6 pistas y gratamente sorprendido, no me queda otra más que darle pulgar arriba. No bajan la intensidad en ningún sólo segundo. Scour ha sorprendido a todos, sobre todo a los que no esperaban nada más de Phil Anselmo. Quien supo taparle la boca a varios  que no creíamos mucho en él a estas alturas.

Lista de temas:

01. Red
02. Piles
03. Bleak
04. Barricade
05. Sentenced
06. Shank

 

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