Twelve Foot Ninja – Vengeance

Una de las bandas mas vanguardistas del momento, los australianos Twelve Foot Ninja, se han ido convirtiendo en uno de las bandas más interesantes desde que sacaron su primer álbum de larga duración, The Silent Machine. Conocida por mezclar un poco de humor irónico, especialmente en sus videos, la banda ha ganado muchos fanáticos devotos que aman los giros y vueltas de su estilo maníaco de composición a lo Mr. Bungle. Sin embargo, su fusión de metal, rock, pop e incluso jazz siempre ha sido impresionante, logrando amalgamar diversos estilos con una naturalidad única. Para aplaudirlos de pie por su gran capacidad para destacarse entre las bandas que están sonando actualmente. Con su tercer lanzamiento han apostado a seguir con su demente formula para dejarnos boquiabiertos.

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Vengeance se mantiene en constante movimiento creando la expectativa de que carajo harán a lo largo del álbum sin tomar ningún camino concreto. La pista de apertura «Start The Fire» golpea fuerte en el pecho con su enorme riff liderando tremendas descargas. Es una poderosa declaración de intenciones que se erige como una de las mejores pistas del álbum. Su estribillo pegadizo, cantado por Kin Etik, uno de los vocalistas más subestimados hoy en día, se alojará en tu cerebro sin ningún problema. Sus inconfundibles tonos se destacan como uno de los aspectos más destacados de Vengeance, y ha mejorado mucho con cada álbum.

«Long Way Home» presenta un groove poco convencional que es increíblemente pegadizo. Los elementos orquestales de fondo añaden algo de grandeza a la locura, con tempos reggae sutilmente disimulado. Una característica clave de este álbum es la inclusión de sintetizadores y ruidos electrónicos. La banda ha optado por un sonido inspirado en los 80. Junto con el álbum, también han lanzado una gran cantidad de contenido que incluye un videojuego, una novela y un cómic. «Vengeance», suena como la banda sonora de un antiguo clásico de Atari. Es una pista decente, pero no es lo mejor del álbum, a mi parecer es el tema mas comun, por asi decirlo. «IDK», es una fusión equilibrada de Pop ochentero con pequeños toques de Metal, con algunos dejes Funk. Cuenta con un cambio brusco a un coro casi swing, pero con el pie fuera del acelerador durante la mayor parte de la canción, para terminar furiosamente arriba.

«Shock To The System» impulsa el sonido electrónico de los 80 una vez más para lograr un excelente contraste, con un coro pegadizo y un verso que podría haber sido escrito por Jamiroquai. En medio del tema presenta un cambio interesante a lo «Cabaret», que te descoloca bruscamente. Una de mis favoritas es «Gone», un increible Funk moderno donde su cantante se destaca de punta a punta, un tema sumamente bailable sin sobresaltos ni cambios bruscos, realmente impresionante. «Culture War» es la canción más pesada que ha escrito la banda y realmente levanta el ánimo con una explosión de pura adrenalina. Los riffs de metalcore, las explosiones y las voces gritadas inyectan algo de vida muy necesaria al álbum. También es el hogar de un colapso aplastante liderado por una sección de mariachis que no lo esperarías nunca. «Dead End», es un Groove Metal poderoso con una seccion ritmica contagiosa que por momentos bajan cambios, creando una textura musical muy interesante.

«Over And Out» cuenta con la participación de la estrella del momento, Tatiana Schmayluk de Jinjer, las voces de ella y Etik encajan perfectamente en un temazo desenfrenado y melódico sin perder la adrenalina. Es una pista más sencilla, pero muestra a la banda junto a esta genial cantante haciendo uno de los temas mas destacables de la placa, con un estribillo majestuoso, que se les quedara tatuado en la cabeza. El álbum termina con una balada en lugar de agitada llamada «Tangled». Es un deleite frágil que es muy inesperado, con delicadas guitarras acústicas y una linea vocal dulce. Las cuerdas están perfectamente equilibrada, dando a la pista un empujón hacia la ascensión celestial.

Vengeance es una bolsa mixta de cosas inesperadas y llenas de sorpresas alas que ya nos tienen acostumbrados estos australianos. Su enfoque en empujar los riffs de estilo Djent a un segundo plano en favor de una instrumentación más simple significa los hace distinta a todas las bandas del estilo. Los fanáticos de la banda encontrarán algo que amar y los elementos electrónicos de los 80 traen una nueva dirección interesante, lo cual muchas bandas lo están adoptando como una herramienta mas a la hora de componer su música, sin mas que decirles… estamos ante una verdadera obra de evolución de esta excelente banda. Enjoy

Lista de temas:
1. Start the Fire
2. Long Way Home
3. Vengeance
4. IDKK
5. Shock to the System
6. Gone
7. Culture War
8. Dead End
9. Over and Out
10. Tangled

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Royal Blood – Typhoons

El dúo de Brighton, Royal Blood, siempre se ha centrado en la naturaleza de elemental. bajo, batería, con su Garage Rock y algo de Blues Stoner sucio. Era todo lo que necesitaban para convertirse en una de las bandas más grandes de Gran Bretaña. Aún así, siempre me pregunte hasta dónde podrían llegar estos tipos con esto.

Para el álbum número tres, Royal Blood no ha reinventado su material, pero ciertamente han mejorado su vehículo con un motor ajustado, algunas rayones en su carrocería y un interior sexy con estampado de leopardo. Al ser mucho más explícitos sobre sus influencias mas poperas (piense en Daft Punk, Justice, Goldfrapp y Cassius ), «Typhoons» tiene mucho más brillo que la paleta negra azabache anterior de su debut homónimo de 2014 y su acertadamente titulado 2017. dejando de lado un poco la crudeza de su sonido y acercándose a un sonido mas actual (?)

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Podemos perdonarles que agreguen un toque de color cuando consideras a lo que se enfrentaban. Al final de su última gira, el líder Mike Kerr se encontró quemado por una vida de excesos de rock’n’roll, con toda la vergüenza y el arrepentimiento que conlleva. Comenzó por el largo y difícil camino de vivir sin bebidas ni drogas, no solo recuperando el control de su vida, sino reavivando su sentido de propósito. Como le dijo en un reportaje, “sin sobriedad, este álbum o esta banda no existirían”.

El cambio hacia un sonido más eufórico, bailable y divertido, le permitió a Kerr una licencia para ser vulnerable. Los primeros momentos de la apertura en ‘Trouble’s Coming’ se pueden notar estos cambios, tanto en la forma de cantar, como en el sonido de su bajo, con sintetizadores adornando de fondo, dándole un toque mas fresco y refinado. Los ritmos pegadizos a lo AC/DC del baterista Ben Thatcher conducen a un sórdido ritmo de discoteca mezclado con ese rock desértico típico de ellos.

‘Oblivion’ es una reunión maravillosa mezcla de Daft Punk con melodías a lo Avenged Sevenfold en un tema corto, pegadizo y directo. Es inevitable la influencia Funk en la canción principal de la placa, que mantiene esa impronta bailable ya mencionada, pero sin perder fuerza. El retorcido ‘Who Needs Friends’, junto a ‘Million and One’ ve a la banda retomar cosas de sus anteriores producciones manteniendo intacto ese fuego que encendieron con su primer álbum. Mientras que la danza-rock cósmica de ‘Limbo’ te atrapa con su groove inmejorable y te hace tararearla de principio a fin.

‘Either You Want It’ con ese toque mas a lo ZZTop blusea airosa preparando la cancha para uno de los temas, que podría ser la pieza central del álbum, me refiero a ‘Boilermaker’, es quizás la cristalización perfecta de «Typhoons», es la única pista del álbum producida por Josh Homme (un dato a tener en cuenta), quien inyecta gran parte de esa inimitable y atrevida amenaza salvaje de Queens Of The Stone Age, que uno puede quedarse preguntándose por qué no le dejaron estar detrás del escritorio de grabación para todo el disco.

Sin embargo, en última instancia, «Typhoons» no es para mi su mejor trabajo hasta la fecha, pero se que les viene bien para tener una variante y poder explorar de lo que son capaces. El álbum termina con una reflexiva balada de piano al estilo de John Lennon, ‘All We Have Is Now’ cierra el proceso con un soplo de aire fresco y produce un horizonte claro para el futuro. Nos quedo claro que Royal Blood no está aquí simplemente para sacar la música rock del gueto, su impacto seguramente se extenderá más allá de los confines del Rock. Puede que haya sido una predicción embriagadora, pero «Typhoons» muestra lo que realmente se puede lograr si derribas tus propios muros y dejas entrar un poco de luz. Enjoy

Lista de temas:

1. Trouble’s Coming

2. Oblivion

3. Typhoons

4. Who Needs Friends

5. Million & One

6. Limbo

7. Either You Want It

8. Boilermaker

9. Mad Visions

10. Hold On

11. All We Have Is Now

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Groove Move – Imaginario

Cuando algo esta bien hecho y te llega no hay con que darle: Simplemente te gusta y listo. Es por eso que una de las mas grandes sorpresas que tuve este año fue toparme con este álbum de los Groove Move, “Imaginario”, que resultó ser amor a primera escucha. Es un disco plagado de buenas melodías, riffs pegadizos y por sobre todo un contagioso groove; justo en ese preciso momento en que este genero estaba ganando espacio en mi reproductor.

Sin dudas hubo un salto, un cambio, un click con respecto a lo que venia haciendo la banda, mas apuntado al blues y al R&B, para pegar un gran salto al Funk y al Pop con un exquisito buen gusto. Y por supuesto, sin desmerecer su anterior trabajo, el EP «Bipolar», esto es otra cosa, desde el pulido y refinado sonido, hasta la forma de cantar de Guillermo Peiró y la frescura que transmiten sus canciones. Creo que algo tuvo que ver la incorporación de Mario Corronca en el bajo, logro amalgamar junto a Bernardo Yacono una sección rítmica contundente.

La frescura de “Summer” te transporta directamente a una fiesta en una playa, desnudez, bebidas y buena música. Fiestero, bailable y contagioso. Los arreglos que contiene me atraparon por la sutileza y la simpleza con las que están hechos. Los efectos de viola realzan tan majestuosas melodías para luego tener sus explosiones esporádicas para dar fuerza y cuerpo a temas fantásticos como “Ya fue”, con un final bien arriba.

La sensualidad se hace presente en su single “Sin Prisa”. Aquí los arreglos vocales de Peiró son la vedette de este temazo, el cual podría estar tranquilamente en tu playlist para intimar. Siguiendo una línea parecida esta el tema que le da nombre a la placa pero con un toque mas R&B. Los efectos de la guitarra y la estructura rítmica del tema juegan un papel fundamental en el desarrollo del mismo. También los cortes y el particular timbre de voz convergen perfectamente, logrando un resultado realmente hermoso.

El excelente trabajo de producción estuvo hecho íntegramente por ellos. La mezcla por parte de Ramiro Rodriguez es notable a la hora de los detalles, logrando un sonido maduro, fresco y nítido. La verdad que desde que lo escuche supuse inmediatamente que el tenia algo que ver con este resultado.

La sensación de que se te eriza la piel al escuchar un tema es algo que no pasa muy seguido, y mas aún cuando es la primera vez que lo escuchas. Esto me paso con “Fiebre”, uno de mis preferidos. Este tema tiene todo lo mencionado anteriormente: Sensualidad, dulzura, groove, un estribillo que se levanta tomando fuerza y se te queda tatuado en la cabeza, y hasta algo de Hip Hop (se escucha en un interludio) contrastando y enriqueciendo las distintas texturas de del tema.

Podría decirse que «Espejos» es el tema mas rockero del disco, por así decirlo. Al escuchar la introducción me hizo pensar por un momento que se trataba de un tema instrumental, pero no, la voz distorsionada de Peiró aparece nuevamente para darle ese toque espacial fantástico.

“Lluvia de Marzo” da el cierre a Imaginario, un tema romántico donde las emociones afloran y son resaltadas por las poderosas guitarras que elevan este hermoso tema; provocando esos contrastes que no hacen mas que llegarte al corazón haciéndote erizar nuevamente la piel.

Hoy en día hay una integrante mas en la banda, incorporada luego del lanzamiento del disco. Se trata de Ruth Plaate, quien se encarga de las voces junto a Peiró.

El único punto en contra es que te quedas con ese sabor a poco, o quizás les juegue a favor para mantener a sus seguidores expectantes a la espera de algún material nuevo. Que les puedo decir… Amo este disco! La calidad compositiva es increíble. ENJOY

LISTA DE TEMAS:

1. Summer​

2. Ya Fue

3. Sin Prisa

4. Imaginario

5.​ Fiebre

7. Espejos

8. Lluvia de Marzo

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Soen – Imperial

A solo dos años después del lanzamiento de «Lotus«, el notable álbum que elevó a Soen a mayores alturas dentro del metal progresivo, los suecos lanzaron su nuevo álbum «Imperial» en un mundo que ha cambiado drásticamente desde 2019. La llegada de Covid-19 ha puesto el mundo patas arriba y nuestra forma de relacionarnos con los demás. Sin embargo, no importa cuántos giros desastrosos decida dar la vida, algunas cosas difícilmente cambien, como es el caso de la condición humana. Con «Imperial«, Soen realiza una disección poética, pesada y emocional de nuestra condición humana a través de ocho canciones que abarcan letras reflexivas y provocativas, así como una musicalidad pesada, inquietante e intrincada.

“Imperial” se desarrolla de manera brillante y profundiza aún más en el estilo Soen, que antes de “ Lotus” a menudo se comparaba con el de Tool y Opeth. Después de cinco álbumes, han elaborado y afianzado un sonido característico único que combina superlativamente pasajes melódicos pesados, emocionales y ambientes hipnóticamente sutiles, logrando mantener la coherencia en este enfoque a lo largo del álbum. Inevitablemente, «Imperial» recuerda a una de sus producciones anteriores, lo que hace que suene como una continuación directa de «Lotus». Si esta circunstancia fue intencional o no, no cambia el hecho de que el nuevo álbum de Soen es un disco conmovedor, provocador y feroz.

“ Lumerian” sumerge inmediatamente al oyente en los engranajes perfectamente calibrados de la maquinaria de Soen , que cuenta con riffs agresivos que se mezclan naturalmente con su lado atmosférico y contemplativo. Esta dinámica permite que la portentosa voz de Joel Ekelöf se desenrolle a voluntad. No importa lo duro o denso que sea la música, su estribillo adquiere un carácter melódico, memorable e intenso, como también ocurre en el resto de estribillos de la canción. La voz de Ekelöf se ha vuelto esencial para la identidad de Soen y, una vez más, ofrece una interpretación imponente y elegante.

Al mando de esta maquina desde detrás de los parches, Martín López se encarga de engrasarla con su técnica, dinámica y su enérgica habilidad. Como es habitual, los complejos grooves de López van más allá de mantener el tiempo, mostrando continuamente su arsenal ilimitado de beats que acentúa, guía y profundiza el ambiente musical. Estos talentos se muestran en «Antagonist», donde sus diversos patrones de batería crean un complejo ambiente de destreza.
Otras pistas encierran igualmente las virtudes mencionadas anteriormente, pero el álbum contiene principalmente dos tipos diferentes de canciones. Por un lado están las canciones masivas, poderosas y aplastantes que, con una ejecución impecable, presentan un flujo incesante de poder y desafío, pero también hermosas melodías y repletas de emoción. Por otro lado, hay canciones que ralentizan deliberadamente el tempo y crean baladas sentidas que van a llegar a movilizarlos sin duda…

Por ejemplo, “Illusion” pertenece a esta última categoría, embelleciéndose con la atmósfera sugerente creada por Lars Enok Åhlund y magnificada con un conmovedor solo de guitarra de

, contrastando su belleza con las canciones más pesadas machacando riffs en todo momento. “Fortune” sigue el mismo camino, cerrando el disco con un expresivo tempo lento que envuelve la experiencia “Imperial”.

Líricamente, Soen sigue reflexionando sobre la condición humana a través de la perspectiva de los que sufren, los segregados y alienados, cuestionando nuestra humanidad derivada del trato que damos a los demás, e incluso a nosotros mismos cuando nos cegan nuestros anhelos más oscuros y ambiciones más graves.
Tal como lo hizo «Lotus», «Imperial» llevará a Soen aún más alto y los consolidará como una fuerza dominante dentro del metal progresivo. En general, el álbum muestra un trabajo denso, potente y cautivador que, a pesar de dirigir su mirada hacia “Lotus”, llevará a Soen al futuro con su sonido único, con el objetivo de hacernos víctimas de su sustancial mezcla de emoción y fuerza. Enjoy

Lista de tema:

1. Lumerian

2. Deceiver

3. Monarch

4. Illucion

5. Antagonist

6. Modesty

7. Dissident

8. Fortune

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Gone Is Gone – If Everything Happens For A Reason…Then Nothing Really Matters At All

Para el que no este informado, Gone Is Gone, han estado creando música desde 2016. Troy Sanders, cantante y bajista de Mastodon, Troy Van Leeuwen, uno de los guitarristas de Queens of The Stone Age, Tony Hajjar, baterista de At The Drive-In, y Mike Zarin, el fundador de Sencit Music, se volvieron a juntar para lanzar If Everything Happens For A Reason… Then Nothing Really Matters At All. La voz fuerte de Sanders, el bajo profundo y el peculiar sonido de la guitarra llenan atmósferas de emoción cruda, junto a los riffs intensos de Leeuwen, la contundente batería de Hajjar y los fragmentos de multiinstrumentación de Zarin de fondo, conforman un sonido único e identificable de Gone Is Gone. 

«Say Nothing» tiene una melodía divertida debido a la forma en que el bajo y la guitarra de Sanders y Leeuwen amplifican riffs sólidos. Desde el principio, se puede escuchar a Sanders tocando profundos retumbos de fondo, y Leeuween se une con brillantes notas de guitarra que sacuden las mentes de quienes están escuchando. Es una gran pieza debido a la forma en que los instrumentos de Sanders y Leeuwen mantiene la pista unida y coherente.

“Wings Of Hope” no solo muestra el lado más suave de la banda, también muestra cuán poderosa es la voz de Sanders. A lo largo de toda la composición, el sonido de la voz suave de Sanders tiene un aura de emociones muy tensas, es una pieza corta, pero es una clase magistral vocal de su frontman.

La interpretación de varios instrumentos de Zarin aporta una atmósfera espacial a «Crimson, Chaos And You», mezclando el ruido de fondo con el resto del instrumental. La experiencia del musico sale a flote en temas como este, a través de su música. Es la persona encargada de amalgamar el concepto de la banda aportando una musicalidad de alto vuelo.

En «Breaks» la voz de Sanders sacude la atmósfera con su estilo afilado. A lo largo de toda la canción, la voz de Sanders se vuelve más audaz y poderosa cuando canta el coro, y es notablemente agradable ver cómo su rango vocal cambia de alto a bajo mientras canta a lo largo del tema. Es increble escuchar como su voz genera diferentes texturas, a la vez que se ajusta a las diferentes estructuras musicales que van cambiando constantemente.

La banda opta por no utilizar la instrumentación tradicional, utilizando sintetizadores modulares, un montón de efectos y una guitarra que va jugando constantemente con diferentes efectos. Gone is Gone evoca un sonido interesante y vibraciones que te harán volar sin necesidad de tener alas.

En «Payoff» la guitarras de Sanders y Leeuween hace vibrar los parlantes con riffs sólidos, la voz de Sanders permanece clara y suave, la batería de Hajjar es bastante dulce por lo consistentes que son sus golpes y la instrumentación de Zarin brilla intensamente con sonidos misteriosos que pueden hipnotizar al oyente a tal punto de hacerte querer escuchar mas y preguntarse cómo termina la canción.

 «Everything Is Wonderfall» es la frutilla de la torta llamada If Everything Happens For A Reason… Then Nothing Really Matters At All,  la agresividad vocal mezclada con tintes emocionales cierran un tremendo tema que se te queda tatuado en la mente.

Aquí encontraremos mas atmosferas y colchones musicales a comparación de sus anteriores trabajos. Trabajaron de otra forma, es notable, pero aun así tiene el ADN personal de la banda.

Es admirable que músicos de esta talla y de tanta ocupación sigan encontrando un espacio para satisfacer sus gustos musicales alejados de su bandas de cabecera y que encima lo hagan con tanta calidad, si no escuchen «Dirge for Delusions«, el cual cierra esta tremenda obra de arte. Suena electrónico muy a lo Depeche Mode. Una cancion mejor que otra y con alto contenido emocional.

Esta reseña es solo un poco de lo que encontraran este magnifico disco. Enjoy

Lista de temas:

01 Resfeber
02 Say Nothing
03 Everything Is Wonderfall
04 Wings of Hope
05 Sometimes I Feel
06 No One Ever Walked on Water
07 Death of a Dream
08 Crimson, Chaos and You
09 Breaks
10 Payoff
11 Force of a Feather
12 Dirge for Delusions

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Killer Be Killed – Reluctant Hero

Super bandas si las hay… En la reseña que hice de su primer disco, varios no me supieron interpretar lo que dije o no me supe expresar correctamente. Pero esta es mi oportunidad de reivindicarme con esa gente. Agarren cuatro músicos increíbles, métanlos en una sala de improvisación y observa qué pasa. Ahora tome a tres de esos músicos, con estilos vocales completamente diferentes, y dígales a todos que hagan voces en el mismo álbum y proyecto. Killer Be Killed demostró en su álbum debut, y lo han vuelto a dominar con su segundo álbum, Reluctant Hero. Este disco se ha estado haciendo durante cuatro años, y la razón era simple; querían estar todos en la misma habitación, trabajar juntos, no hacerlo virtual. Ahora con el grandioso Ben Koller (Converge, Mutoid Man) en sus filas, la banda suena con mas groove que en su antecesor disco.

“Deconstructing Self-Destruction” fue el primer sencillo lanzado, donde Koller se destaca con creces, en una introducción increíble. Los sonidos de la guitarra son atractivos para el oído, ya que los múltiples vocalistas se turnan en el micrófono con confianza y facilidad.

«Dream Gone Bad»,su segundo sencillo, es extremadamente pegadizo y se queda atascado en mi cabeza constantemente. La pista 3, “Left of Center”, es increíble. Los cambios de vocalista a vocalista cambian constantemente, pero son muy suaves. El riff en el coro es distinto y enérgico, los rellenos de batería de Koller son orgasmicos y las compensaciones cerca del final, con la voz, son cautivadoras. Continuando con la cuarta canción y el último sencillo lanzado, «Inner Calm and Outer Storms». Me hace acordar a Deftones al principio. Cuando Sanders se hace cargo de la voz, lanza una mezcla diferente, luego Puciato trae de nuevo a mi cabeza a Deftones . El gran cambio en esta pista es un cambio poderoso y acogedor. La batería al principio que conduce a las líneas de bajo es realmente increíble. Establece un ritmo genial.

“Filthy Vagabond” tiene una sensación de Motorhead completa en todos los sentidos. Esta fue una pregunta que se le presentó a Sanders en la entrevista debido a la intensa sensación que tuve de un homenaje a Lemmy mientras lo escuchaba. Es thrashy, agresivo y divertido. Líricamente, los miembros tomaron un verso para discutir la vida en la carretera, la vida de la gira. “No me digas qué piensas de quién debería ser”. Buen consejo. También hay un par de pequeños grandes solistas que se coló allí. Esta canción tiene un paisaje sonoro muy completo y delicioso.

«From a Crowded Wound» es la canción más larga del álbum, pero no parece que lo sea. Comienza con un riff de guitarra ruidoso mientras la batería se empieza a colar. Esta pista tiene un fuerte ambiente a Alice in Chains. La armonización tiene esa sensación familiar de AIC y siempre pinta una imagen hermosa pero melancólica. Cuando Greg canta, es inevitable que se me ponga la piel de gallina. Luego Max salta y lo remata, y es cuando interviene Sanders en el momento más oportuno. Es una gran mezcla de voces en un corto período de cambio, y funciona muy bien. La música da un giro pesado en unos cinco minutos y golpea como una tonelada de ladrillos musicales, directamente en el corazón del oyente.

“The Great Purge” comienza con un canto angelical y fluctúa hasta otro especial de Koller mientras su batería se apodera de la canción hasta el final. La guitarra te lleva de viaje, casi como si estuvieras lejos y mirando desde fuera hacia el resto del mundo. Más de tres minutos y la pesadez se apodera de nuevo durante el último minuto de la canción.

En «Comfort from Nothing» el riff inicial me recuerda a Anthrax, pero cambia rápidamente cuando Troy amplifica su voz. «Animus» es la pista más corta y es directo en tu cara, thrash en su máxima expresión. Koller se destaca notablemente en esta canción.

«Dead Limbs» tiene un comienzo rápido, cada instrumento tiene una composición rápida que crea un paisaje sonoro intenso. A estas alturas podría admitirme que cada canción tiene la capacidad de mantener expectante al oyente, o por lo menos eso me pasa a mi. Es retorcido y feroz con un coro melódico, sin dejar de lado lo brutal. Un poco después de los dos minutos, ralentiza el tempo y crea una vibra fascinante. Un minuto después, esas guitarras, líneas de bajo y batería se realzan y te pegan en la cara.

«Reluctant Hero» cierra el disco y comienza con un ritmo de guitarra melódica que marca el tono del desgarrador viaje que están a punto de emprender. La voz de Sanders es constante y en el mismo tono vocal hasta aproximadamente tres minutos después, es cuando Greg se hace cargo y adquiere un nivel completamente diferente de emociones. Simplemente no puedo expresar con palabras lo que realmente es esta pista, es de otro planeta.

Un álbum hecho para reproducirse de principio a fin con canciones colocadas con un propósito. Este disco fue el causante de retomar estas reseñas, las cuales las tenia un poco abandonadas por X motivos. Hoy es una constante en mi reproductor hasta que llegue la copia física a mis manos, y resistirá la prueba del tiempo, no tengo ninguna duda. A veces, los supergrupos no funcionan muy bien, Killer Be Killed no es uno de esos grupos. Sus amistades cercanas son evidentes y su amor por lo que hacen brilla intensamente en este proyecto. Es absolutamente imprescindible.

Por otro lado, necesitamos de la música, nos mantiene cuerdos cuando estamos luchando, y estas bandas han tenido un gran éxito, pero todavía no pueden hacer giras. Esta en nosotros poder ayudarlos y apoyarlos comprando merchandising, álbumes, compartiéndolos con tus amigos, etc. Mantén viva la música y cuídalos como ellos siempre nos cuidan. Enjoy

Lista de temas:

01. Deconstructing Self-Destruction (04:33)
02. Dream Gone Bad (04:15)
03. Left of Center (03:29)
04. Inner Calm from Outer Storms (03:52)
05. Filthy Vagabond (03:47)
06. From a Crowded Wound (07:11)
07. The Great Purge (04:12)
08. Comfort from Nothing (04:18)
09. Animus (01:07)
10. Dead Limbs (04:48)
11. Reluctant Hero (06:04)

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Mr. Bungle – The Raging Wrath Of The Easter Bunny Demo

A principios de este nefasto año, unas de mis bandas favoritas de todos los tiempos se reunió para hacer una serie de conciertos tocando únicamente canciones de su primer demo, «The Raging Wrath of the Easter Bunny» (crossover thrash al palo) y uno que otros covers, se trata de los Mr. Bungle, pero solo el trio de Patton, Spraunce y Dunn (los otros 2 viven en Australia) generando en mi un entusiasmo y una ansiedad inexplicable, sumado a que en esta reunión reclutaron a mi batero favorito y a uno de los guitarristas más respetados en el ambiente del metal, se trata de Dave Lombardo (Slayer, Fantomas, Philm, Dead Cross, Suicidal Tendencies, Grip Inc.) y Scott Ian (Anthrax, S.O.D., The Damned Things). Quede boquiabierto y expectante, alucinaba con un disco nuevo

Haciendo una retrospectiva en su primer demo, en medio de títulos tontos, producción amateur y actuaciones decididamente descuidadas, este demo mostró la creatividad desenfrenada del extraordinario vocalista Mike Patton , el bajista Trevor Dunn, el guitarrista Trey Spruance y el baterista Jed Watts. El potencial ciertamente estaba ahí…

«Raping Your Mind» y «Eracist» resumen la contribución de sus invitados al sonido de la banda. Los dos se convierten en una sección rítmica de nivel de élite, sobre la cual los otros tres pueden apoyarse en la rareza innata del Sr. Bungle. La velocidad quirúrgica del primer corte y el segundo más Faith No More, por así decirlo. La estructura rítmica tradicional viene repleta de pistas extravagantes, cambios de tempo vertiginosos y cantos sobrehumanos.

La grabación de este álbum tomó 10 días, lo que sería un problema si todos los involucrados no fueran tan talentosos. La inmediatez de estas actuaciones refleja la energía primordial de las grabaciones originales, desde la misteriosa y transportadora introducción «Grizzly Adams» hasta el asalto de múltiples movimientos de «Anarchy Up Your Anus«, reflejando una agresión implacable por medio de riffs letales, pero es realmente Patton quien se roba el show. Dobla lo gutural y lo bestial, aparentemente ilimitado para hacer las vocalizaciones más locas humanamente posibles.

“Hypocrites / Habla Español O Muere” presenta una inteligente versión de «La Cucaracha» cantada en español como intro en «Hypocrites», para luego enganchar con la impactante “Speak English or Die” de los Stormtroopers of Death.  Junto con el cover de Corrosion of Conformity «Loss For Words», Mr. Bungle demuestra que es posible encarnar el espíritu del hardcore thrash sin sacrificar la musicalidad. Estos muchachos podrían haber progresado completamente, pero en cambio, elevan la intensidad descarada con 34 años de experiencia y crecimiento.

Es fácil rastrear estas canciones hasta la década de la que surgieron originalmente, pero estas nuevas versiones destacan la visión única del thrash que tenía Mr. Bungle en ese entonces. El aplastante y vertiginoso «Bungle Grind» junto a «Spreading The Thighs of Death» están hechos para pogos asesinos empapados de cerveza. La composición electrizante habla por sí sola. Puede que sea una banda humorística ( siempre se caracterizaron por eso), pero la musicalidad de este álbum no es motivo de risa, es una piña en la quijada.

La pista más larga del álbum, «Methematics», muestra la verdadera amplitud del metal que tienen los Bungle. Ian y Lombardo revitalizan sus raíces de la vieja escuela dentro de la caótica composición de Spruance y Dunn, sin mencionar los últimos dos minutos, que se vuelven absolutamente deslumbrantes. La banda cae en un festival de lodo denso, ya que los gritos de tono de silbido de Patton comprenden algunos de sus trabajos más locos hasta la fecha.

Bungle suena tan mortal como siempre, después de 35 años. La emoción nunca se detiene en cortes profundos como «Glutton For Punishment». Siempre hay un solo de guitarra extraño o un grito ridículo para llamar tu atención. El bombardeo de siete minutos “Sudden Death” pone fin a las cosas con un cierre enfático, pasando de una masacre infecciosa a la siguiente con un toque violento y de buen gusto, terminando una dosis de adrenalina de 57 minutos. Este disco esta listo para convertirse en uno de los iconos del género, se los aseguro

Lista de temas:

01. Grizzly Adams
02. Anarchy Up Your Anus
03. Raping Your Mind
04. Hypocrites / Habla Español O Muere (S.O.D. cover)
05. Bungle Grind
06. Methematics
07. Eracist
08. Spreading The Thighs Of Death
09. Loss For Words (C.O.C. cover)
10. Glutton For Punishment
11. Sudden Death

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Greg Puciato – Child Soldier: Creator Of God

Después de haberse sacado la etiqueta de Mathcore adquirida por su emblemática banda The Dillinger Escape Plan, Greg Puciato lanza en 2016 su excelente proyecto de Symp-Pop, The Black Queen, personalmente creia que Puciato se iba a quedar quieto con este proyecto y el de 2014, Killer Be Killed. Pero no fue así, subió unos temas a las plataformas como solista para dejar entrever lo que se venia. Es así que lanza su álbum debut en solitario, «Child Soldier: Creator Of God«, el cual es un gran aporte a la discografía de cualquier melómano empedernido. Debo decir, para empezar, que la portada es horrible, pero mas allá de eso tiene un porque, es un homenaje al Louder Than Love de Soundgarden,

Queda claro por el inquietante rasgueo acústico de «Heaven Of Stone», que lo que estamos escuchando nos ira sorprendiendo a medida que transcurre el álbum. Suena tan seguro de sí mis, cuando nada en aguas calmas o cuando se sumerge profundamente en océanos abrasivos y contradictorios, como si atravesara una crisis de identidad en medio de una efusión creativa.

De cualquier manera, con Puciato únicamente al frente de todo el álbum, excepto por la inclusión de sus buenos amigos Chris Hornbrook (Poison The Well), Chris Pennie (ex The Dillinger Escape Plan) y Ben Koller (Converge / Mutoid Man / Killer Be Killed) en la batería. Child Soldier es un plano de todos sus pensamientos desplegados en 65 minutos de sonido. Hay momentos en los que el disco atraviesa las mareas del pasado de Greg, retomando algo de The Dillinger Escape Plan. Es en «Fire For Water» cuando el mathcore suena como si surgiera de la revolución industrial de los noventa, con algunos tintes de Killing Joke, mientras que el single «Roach Hiss» está diseñado para desmontar tus tripas y reorganizarlas en el suelo de la sala con su implacable post-hardcore. Es aquí, a través de estas canciones, donde surge la pregunta de si su creador está realmente encontrando la libertad o simplemente compartiendo las complejidades de su onírico gusto por la música.

Cuando Greg Puciato realmente corta los cordones umbilicales de su pasado musical, Child Soldier suena como un álbum adelantado a su tiempo, tomando caminos experimentales y de vanguardia para dar vida a momentos de atracción masiva. «Temporary Object» es tan hermoso como parece, con trazos sintéticos de dream-pop en modo Depeche Mode. Por otro lado «Down When I’m Not», me trae a la memoria a Type O Negative en un britpop de los noventa, pero algo más experimental.

«A Pair Of Questions» combina todo lo anterior en un brillo de synth-pop. Aquí es donde Child Soldier: Creator of God logra sucumbir a los reinos de la libertad creativa. «You Know I Do» tiene todo el potencial de ser una obra maestra minimalista con una atmosfera increíble y hasta hipnotizante. «Through The Walls» es como una fusión proporcionada de Deftones y Bush, algo muy distinto a lo demás, pero encaja a la perfección con las otras canciones.

A lo largo del álbum, el poético recorre temas de la vida, el amor y la pérdida. Si Greg Puciato se ha sentido en algún momento encarcelado por el purgatorio creativo, Child Soldier: Creator Of God es la prueba fehaciente que no tan solo es posible romper esas barreras, sino crear algo vivo, único y mágico. Y deja bien en claro que su registro es tan completo y colorido que como vocalista puede hacer lo que quisiera. Enjoy

Lista de temas:

1.Heaven of Stone 01:24
2.Creator of God 04:04
3.Fire For Water 02:56
4.Deep Set 03:44
5.Temporary Object 04:12
6.Fireflies 04:38
7.Do You Need Me to Remind You? 06:18
8.Roach Hiss 04:53
9.Down When I’m Not 03:06
10.You Know I Do 06:07
11.Through the Walls 04:02
12.A Pair of Questions 04:24
13.Evacuation 05:04
14.Heartfree 05:04
15.September City 04:50

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Deftones – Ohms

Deftones siempre fue un objeto de adoración en el mundo del metal. «White Pony» y «Diamond Eyes» fueron hazañas particularmente impresionantes, combinando melodías seductoras e imponentes, melodías con riffs abrasadores y atmósferas fascinantes. Se podría argumentar que Deftones nunca ha creado ni siquiera un disco mediocre, compiten solo con ellos mismos porque nadie más está a su nivel. Esto hace que lo que estoy a punto de alegar sea aún más significativo: «Ohms», un álbum creado veinticinco años después de la ilustre carrera de la banda y es la marca de un cuarto de siglo más alto que podríamos haber soñado.

Deftones está claramente inspirado en su reunión con el productor Terry Date, con quien trabajaron por última vez en «Eros» de 2008, un proyecto que desecharon después de que el accidente automovilístico del bajista Chi Cheng lo dejara en un coma del que nunca se despertó. El peso emocional de regresar al estudio de Date se puede sentir en cada grito agotado y con cada riff de guitarra apasionado y ardiente. Una colección de pistas que son tan apasionantes, complejas y aterradoras como nunca hemos escuchado a Deftones.

Ohms es una bola de demolición desde el momento en que llega. Las retorcidas capas atmosféricas del álbum y los estridentes coros recuerdan inmediatamente a «Diamond Eyes» y «Koi No Yokan», aunque este récord es posiblemente más agresivo que cualquiera de los dos. Todo esto es evidente en «Genesis», que se siente como un nuevo despertar para la banda. La fórmula no ha cambiado, todavía defienden su mezcla característica de belleza y caos, pero hay una nueva energía desde el comienzo del álbum que no tiene precedentes. Quizás vino de trabajar con Date de nuevo, o quizás sea el recuerdo de Cheng el que ronda el estudio, pero de cualquier manera, Deftones suena rejuvenecido y más creativo, pero así también con una carga emocional tremenda. La hipnótica «Ceremony», nos devuelve a la conciencia con riffs tartamudeantes y el coro romántico de «Urantia», queda muy claro que Ohms va a ser un monstruo denso, impredecible y de pura intensidad.

No hay muchos rasgos presentes en Ohms que nunca antes habíamos escuchado de la banda, pero han tejido todos estos destellos de álbumes anteriores y los han mejorado en casi todas las facetas. Incluso Diamond Eyes, es uno de los mejores álbums de metal de la década de 2010, y tuvo sus momentos de simplicidad, pero Ohms es tan potente e implacable que nunca ofrece a los oyentes un descanso para recuperar el aliento (el más cercano podría ser la lenta «Pompeji»). Por otro lado, «Headless» flota en un ambiente impresionante, con un coro anhelante y melancólico. Se podría argumentar que lo único que White Pony tiene en Ohms es nostalgia. En muchos sentidos, parece que la carrera de Deftones está destellando ante nuestros ojos.

La naturaleza inestable de Ohms se siente en «The Spell of Mathematics«, que ve a Deftones subir las guitarras eléctricas a su voltaje más alto, mientras que Chino grita violentamente, subiendo a un crescendo ensordecedor, antes de desvanecerse. La banda siempre ha tenido una habilidad incomparable para sacar ideas que suenan dudosas, pero que resultan efectivas, y esto se debe a que son maestros de su oficio. El ferviente experimentalismo y la absoluta falta de previsibilidad ayuda a dar vida a Ohms. Suenan desquiciados aquí, y honestamente, es el tipo de inestabilidad y colapso mental que los fanáticos de Deftones esperan eternamente, y luego se regocijan cuando finalmente sucede.

Ohms es indiscutiblemente el lanzamiento más dinámico que la banda ha presentado desde Diamond Eyes, sin desmerecer a Gore. Es una pieza que cuenta con los momentos más conmovedores y dolorosos de la vida, desde el amor desesperado hasta la pérdida devastadora. Hay un pasaje en «Urantia» donde Chino parece quitarse el sombrero ante Eros y Chi Cheng, una referencia a la última vez que Deftones grabaron juntos en el estudio de Terry Date: “Con todas estas grabaciones borradas, estoy reorganizando partes” / “Ahí no queda nadie como tú ”/“ Me volverás a encontrar en algún lugar, creo”. Uno no puede evitar conectar los puntos. Puede que nunca escuchemos a Eros, pero me gustaría pensar que Ohms es algo de su contraparte espiritual.

La pesadez es más que un nivel de decibelios, y esa es una idea que surge con creces aquí. Este disco realmente significa algo para Deftones, y han dejado al descubierto sus almas para que todos podamos presenciarlas. Ohms es abrasivo, destructivo y seductoramente hermoso, pero sobre todo, hay un propósito profundo y un anhelo detrás de cada golpe que lanzan. Después de dos décadas y media, la banda todavía está encontrando nuevas formas de energizarse, enfurecerse e inspirarse, y con Ohms, están encontrando nuevas formas de alcanzar su punto máximo. Enjoy

Lista de temas:

01. Genesis (05:17)
02. Ceremony (03:27)
03. Urantia (04:30)
04. Error (04:50)
05. The Spell of Mathematics (05:27)
06. Pompeji (05:25)
07. This Link Is Dead (04:37)
08. Radiant City (03:35)
09. Headless (04:59)
10. Ohms (04:10)

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