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CapotonFurioso

Este blog esta destinado a compartir musica e información de bandas y solistas. Enjoy

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Alternative Metal

Code Orange – Underneath

La banda hardcore de Pittsburgh, Code Orange, dejo muy en claro los huevos que tiene y la basta materia prima que poseen en su anterior álbum, Forever de 2017. Ese LP dividió su tiempo entre el sonido virulento y metálico que dominaron anteriormente en su carrera y una nueva sensibilidad melódica. En su ultimo disco, Underneath, fusionan ambos lados de su personalidad y se expanden aún más, con un nuevo enfoque en el tecnicismo y los elementos electrónicos. Code Orange sigue cada impulso creativo y, al hacerlo, entrega su mejor y más original álbum hasta el momento. Una placa ambiciosa y totalmente impredecible en toda su duración.

 Lo mas destacable de la placa, son esos toques industriales con fallas y sintetizadores con un enfoque caótico y matemático sin sacrificar el terreno melódico que la banda ganó en Forever. En todo caso, estas canciones son más memorables y cohesivas que las de su predecesor. El baterista y vocalista Jami Morgan y el guitarrista y vocalista Reba Meyers han perfeccionado su enfoque de doble garganta, y también han afilado sus riffs y ganchos hasta un punto inmejorable.

En temas como “Sulphur Surrounding” y especialmente la potencia del tardío “Autumn and Carbine”, Code Orange teje puentes vocales limpios que crean una amalgama de texturas y matices que llaman poderosamente la atención. Así mismo, en “You and You Alone”, Morgan toma la posta y entrega una canción igualmente himna sin melodía alguna pero a puro frenesí.

Estas canciones son impresionantes por derecho propio, pero Underneath no suena como una colección de singles. El uso repetido de samples y algunas secuencias inesperadas le dan el tipo de flujo narrativo que los oyentes pueden esperar de un álbum conceptual de una banda de rock progresivo, por esto, cada canción pide una nueva escucha cada vez que termina.

Es difícil encontrar algo malo en Underneath, aparte, siempre que subo un disco es porque realmente me gusta mucho. Algunos puristas dirán que el disco se inclina hacia la popularidad del nu-metal, y hay algo de verdad en esto, pero no tiene nada de malo, al contrario, enriquecen aun mas su arte. Un claro ejemplo es la pista que le da el nombre al disco, “Underneath”, debo confesar que por momentos me trajo a la memoria los NIN, pero con la personalidad propia de la banda.

 

La entrega ocasional de inflexiones de rap infligidas por Morgan provoca algo de nostalgia por el sonido que dominó el cambio de siglo. Sin embargo, Code Orange se compromete con esas opciones sin parecer cursi o trillado. Code Orange ha entrado en su fase imperial. Utilizan partes de diversos géneros como el grunge, industrial, death metal y otras hierbas, logrando asimilarlos en un todo coherente sin sacrificar sus raíces hardcore. Cumple todas las promesas en un paquete elegante e increíblemente pegadizo y lo hacen en menos de 50 minutos.

TODOS DE PIE para recibir este inmenso disco. ENJOY

Lista de temas:

01 (deeperthanbefore)
02 Swallowing the Rabbit Whole
03 In Fear
04 You and You Alone
05 Who I Am
06 Cold.Metal.Place
07 Sulfur Surrounding
08 The Easy Way
09 Erasure Scan
10 Last Ones Left
11 Autumn and Carbine
12 Back Inside the Glass
13 A Sliver
14 Underneath

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Arcadea – Arcadea

Los proyectos paralelos son una forma de que los músicos hagan cosas o colaboren de una manera que generalmente no pueden hacerlo en su banda principal. Muy a menudo, un proyecto paralelo, si bien sirve como una salida para la música que no es adecuada para su proyecto principal, en realidad no es tan diferente de su trabajo habitual en un entorno de banda. A veces, sin embargo, los músicos deciden usar un proyecto paralelo y hacer algo muy diferente y muy fresco, y Arcadea es un proyecto así. El proyecto es el cable a tierra para el baterista, vocalista y escritor frecuente de Mastodon, Brann Dailor, que reclutó a los guitarristas Core Atoms (Zrua, Gaylord) y Raheem Amlani (Withered, Scarab), quienes tocan teclados y proporcionan voces. Como se señaló, los dos tocan la guitarra para sus bandas de cabecera.

Sin embargo, Arcadea es, con la excepción de la batería, un proyecto completamente electrónico, por lo que los dos solo tocan teclados, el cual me hizo acordar a One Day as a Lion, y a los Netherlands, pero con un enfoque distinto, esto es mas progresivo, por así decirlo. No me parece demasiado distinto a Mastodon, lo que llama la atención es el peculiar sonido de los sintetizadores en vez de las guitarras, y es lo que hace que el álbum sea tan maravilloso. Realmente toman riesgos y hace algo novedoso e inesperado, audaz se mueve con seguridad, y el resultado es un álbum divertido, peculiar y muy bueno.

El álbum comienza con “Army of Electroncs” y, como suele pasar con las pistas abridoras, establece las bases para el sonido general del resto del álbum. Como en la mayoría del álbum, las voces principales son entregadas por Brann con su estilo claro y fácil de reconocer. En algunos momentos, las voces se modifican electrónicamente con un “vocoder”, un efecto utilizado en todo el álbum y que generalmente es bastante efectivo para producir un sonido remoto para las canciones de rasgos setentosos. Esto es apropiado ya que las letras son del tipo espacial / psicodélico. Los títulos de las canciones reflejan el enfoque y la mentalidad del proyecto, incluidos “Rings of Saturn”, “Neptune Moons” y “Motion of Planets”.

De esas tres canciones mencionadas anteriormente, la más singular es quizás “Motion of Planets“, ya que las canta uno de los integrantes con una voz mas arenosa, mientras que Brann hace únicamente los coros. Las voces son más profundas y son más gritadas que cantadas. Revela otro lado del sonido que han creado, y es otro ejemplo de la naturaleza poco ortodoxa del álbum. Generalmente es apropiado comentar sobre la reproducción de un álbum determinado y el equilibrio de los instrumentos. Eso no es tan necesario aquí, ya que la instrumentación principal son los teclados. Pero el sonido que crean los dos se realiza y elabora sólidamente. Los elementos electrónicos son en gran medida agresivos y de tono más agudo, lo que da como resultado la sensación de pesadez del álbum previamente mencionada.

La batería de Brann sigue siendo el único instrumento “en vivo” en el álbum, y como era de esperar de alguien de su calibre y habilidad, es excelente. Su mejor interpretación se guarda para la canción final del álbum, “Magnificent Facade“, que tiene casi el doble de duración que las otras a las 6:37. La segunda mitad de la canción es predominantemente instrumental, y realmente estalla con unos juegos rítmicamente complejos, impulsando la canción y fundamentando su peso. Es un final perfecto para el álbum.

Arcadea ha logrado unir a tres músicos dotados y el resultado final es uno de los álbumes más frescos y únicos que he escuchado en los últimos años en la música convencional, a pesar de que el disco fue lanzado en 2017. Es un trabajo excepcional y encajará perfectamente en la discografía de cualquier fanático de la música que aprecie la música original y ligeramente inusual. Muy recomendable. Enjoy

Lista de temas:

1. “Dancin’ with the Angels” 4:07
2. “Nothin’ to Lose” 4:36
3. “Calm Before the Storm” 4:06
4. “Cry No More” 5:32
5. “Screamin’ S.O.S.” 3:35
6. “Never Goin’ Home” 3:40
7. “Messed Up World” 3:54
8. “All Shook Up” 3:37
9. “So Good… So Bad…” 4:36
10. “Livin’ Dangerously” 3:11
11. “Sons and Daughters” 1:53
12. “Mother Blues” 3:12

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Life Of Agony – Sounds Of Scars

“The Sound of Scars” es el sexto álbum de estudio de Life of Agony, y es también un registro conceptual que continúa la historia del debut de la banda “River Runs Red”.Para esta placa la banda presenta una nueva integrante a la banda, se trata de Veronica Bellino, ella toco con músicos y bandas muy grosas como DMC And The Hellraisers, Richie Sambora, Jeff Beck, Carmine Appice’s SLAMM y Street Drum Corp. Esta baterista vino a darle a la banda una gran dosis de adrenalina y calidad a la banda, haciendo cosas innovadoras a la música de LOA.

El registro de “regreso” de LOA con “A Place Where There’s No More Pain” consolidó su legado, pero esto…, está en otro planeta. Lo que han hecho es hacer sutiles guiños al registro ya mencionado ( River Runs Red ). Aun así hoy podrias escuchar este ultimo disco de LOA por primera vez y pensaras que estás escuchando uno de los mejores discos de hard rock del 2019.

Tienen una forma nueva de hacer las cosas, un sonido clásico pero fresco, que en discos anteriores no encontraran. “Scars” lo muestra, con ese riff grueso y unos gritos de Caputo que les traerá a la memoria a aquellos Stone Temple Pilots de los 90′. La letra, como siempre escrita principalmente por el bajista Alan Robert, es tan cruda, tan cruda que simplemente te dejas llevar por ella.

La voz Mina Caputo cumple una labor perfecta para la composición de esta placa, “Black Heart” también requiere una verdadera habilidad vocal para que sea pegadizo, pero ellos siempre fueron de hacer buenos ganchos y coros. Donde quiera que mires aquí, hay calidad musical, “Lay Down” es posiblemente el mejor de todos, han adoptado cosas de principios de los 90, pero le dan una vuelta de rosca para hacerlo autentico y contemporaneo.

“Empty Hole” te lleva directamente a una vorágine de emociones, pero sigue siendo un verdadero rock n roll, del mismo modo “My Way Out”, es rápido y furioso, coronada por “Eliminate” siendo casi un estruendo punk. Robert sobresale en su bajo aquí y el guitarrista Joey Z está en la cima de sus registros. Hay una dinámica ruidosa / silenciosa en “Once Below”, creando contrastes de pesadez y calma. “Stone” por otro lado tiene un riff de apertura aplastante, emanando fuerza desde el primer segundo. “Weight Of The World” es una pieza interesante, su guitarra se desestabiliza, no debería funcionar, pero lo hace con total naturalidad.

“¿Si puede, si alguno de nosotros puede, sin profundizar demasiado, o si todos estamos hechos de cicatrices?”, es una pregunta que Caputo hace en el cierre más épico de “I Surrender”, seis minutos de balada cercana que baja el telón de un registro maravilloso, y el refrán repetido de “no hay fe y no hay verdad” te deja preguntándote si ellos, o el personaje aquí, alguna vez encontrarán la paz.

Cuando salió “River Runs Red”, la revista Rolling Stone lo calificó como “uno de los mejores discos de metal de todos los tiempos” y su opinión probablemente tenga más importancia que la mía, así que solo diré que tenían razón. Solo agregaré que “El sonido de las cicatrices” es una excelente secuela que dejo aquella maravilla. Enjoy

Lista de temas:

1. Prelude

2. Scars

3. Black Heart

4. Lay Down

5. Then

6. Empty Hole

7. My Way Out

8. Eliminate

9. Now

10. Once Below

11. Stone

12. Weight of the World

13. When

14. I Surrender

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L.A.P.D. – Who’s Laughing Now

Hace un tiempo me dijeron que estaría bueno que escriba sobre el ultimo disco de Korn. Me puse a pensar, mientras escuchaba el disco, de donde venían, cuales fueron sus inicios, como se formaron y me di con esta banda, L.A.P.D.. La banda que después se transformo en lo que hoy es Korn. Me pareció mas importante hacer un post sobre esta banda que muy pocos conocen.

LAPD, que en un principio significo “Love And Peace Dude”, para que un tiempo más tarde sea “Laughing As People Die”, el lenguaje de la banda desde un principio fue una mezcla de Funk Metal y Thrash, se formo en 1989 en Bakersfield, California. Fue formada originalmente por Shaffer, Arvizu y Morrill, siendo Silveria el ultimo en entrar a la banda. La banda tenia fuertes influencias de los Red Hot Chili Peppers y Faith No More, por menciona algunas. Poco después de esto grabaron un demo para enviarse a las compañías discográficas. En 1991, lanzan su primer álbum de estudio “Who’s Laughing Now”. Poco después del lanzamiento del álbum  sufrió algunos cambios en su formación, es ahí que el resto del grupo se dispuso a dar forma a lo que seria Korn. Varios de los antiguos miembros de la banda han formado proyectos en solitario. En 1997, se lanzó un álbum recopilatorio compuesto por catorce pistas. La banda tomo su nombre de las iniciales del Departamento de Policía de Los Ángeles .

LAPD muestra una amplia gama de estilos e influencias, pero casi siempre sigue siendo Funky. Escucharán Crossover Thrash, Hardcore Punk, Grunge, Groove Metal e incluso un poco de Rap. Piensa que Primus se encuentra con D.R.I. y se abrazan con Beastie Boys, pues ahí tendrán una idea clara de qué esperar. Como con la mayoría del Funk Metal, estos chicos tienen un buen sentido del humor, que se muestra justo en la apertura del álbum. El abridor “P.M.S.” comienza con un clip de sonido de “Las Tortugas Ninjas” antes de golpear el cráneo del oyente. No hay nada del tema deprimente y oscuro como en los discos de Korn, este álbum es pura diversión.

El álbum es en general muy consistente, por lo que es difícil mencionar aspectos destacados, pero hay algunos en particular que se destacan por encima del resto. Para aquellos que quieren un Thrash-Funk asesino, “Excuse Me” ofrece esos productos. Tan pronto como la canción realmente comienza, golpea tu cara contra el suelo con este remolino descendente, justo antes de entrar en un riff de marcha Funky Thrash. Para un headbanger instantáneo, solo escucha “Place in France” y trata de no volverte adicto a ese riff. Al final. “Don’t Label Me” es un clásico del Funk Metal, y “All My Life” es una canción de Thrash Crossover corta pero divertida.

El vocalista Richard Morrill, el único miembro que no pasaría a formar Korn, puede cambiar de un tono a lo Les Claypool, gritos hardcore cruzados. Eso puede sonar extraño, pero agrega mucho encanto. James Shaffer ofrece un montón de riffs de puro Funk-Thrash, así como algunos solos excelentes en “Don’t Label Me” y “Listen (Do What I Say)”. En particular es impresionante cuando se combina con el dominio del bajo Funky de Reginald Arvizu. Por último, pero no menos importante, David Silveria trae una sección rítmica sólido junto a  Arvizu.

Hubiera sido agradable escuchar a LAPD continuar como algo secundario cuando los chicos no estén ocupados con Korn. Si eres fanático del Funk Metal, te recomiendo escuchar este álbum. Puede que no sea el nivel de dominio de Sailing the Seas of Cheese o SCIENCE, pero sigue siendo muy gratificante escucharlo. Enjoy

Lista de temas:

1. “P.M.S.” 5:14
2. “Don’t Label Me” 5:06
3. “St. Ides” 4:35
4. “All My Life” 0:44
5. “Who’s Got the Number” 2:31
6. “Excuse Me” 4:49
7. “Listen (Do What I Say)” 3:29
8. “Doe Tee Beat” 0:16
9. “Slicky Slixter” 2:38
10. “Place in France” 2:16
11. “Number 7”

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Husbandry – A Port in a Storm

Hace un largo tiempo que vengo recomendando esta banda, cuando salio su primer disco Fera o su excelente EP Bad Weeds Never Die . Es que Husbandry, es una de las bandas más originales en la faz de la tierra. Sera por la forma tan peculiar de componer o por esa espectacular voz versátil de Carina Zachary? No lo se…, lo que si se es que esta banda sabe lo que hace, y lo hace con calidad y total profesionalismo. “A Port in a Storm”, es el nuevo álbum de la banda, el cual esta lleno de sorpresas sonoras que son dignas de ser escuchada con atención.

Pienso que hay varias razones del porque esta banda suena tan bien, no se encasillan en ningún estilo en particular, la mezcla de raíces e influencias de cada uno de sus integrantes ( EE.UU., España y Republica Dominicana) le aporta un particular sentido de composición a su música y todo esto sumado a que están radicados en Broocklyn (de ahí salieron bandas como Living Colour, Candiria, Biohazard, Beastie Boys, por mencionar algunas), no son datos menores.

Ocho canciones contiene esta nueva placa, plagada de adrenalina progresiva. El trabajo vocal de Carina es increíble, desde los arreglos pasando por los coros creando una experiencia auditiva sumamente interesante. La ejecución de los instrumentos por parte de sus músicos es de absoluta calidad, si no escuchen el tema de apertura “Lupus Dei” o la enérgica “Your Weight in Gold” con algunos coros de su bajista Arnau Bosc.

Temas sin una estructura definida que se amalgaman en trances de post rock y post punk donde el ingrediente fundamental son las cuerdas vocales de Zachary dándole coherencia a este licuado musical. El rock y el metal están tratados aquí de una forma tan singular y atractiva que va ser imposible que algún momento se aburran de su música.

Por mucho que pueda decir sobre los aspectos únicos o diferentes de la música de Husbandry, también puedo asegurarles que su música es muy accesible por derecho propio, en la medida en que creo que este álbum puede encontrar fácilmente un amplio audiencia y variada. Es una banda que merece una audiencia amplia y abiertos de mente al escuchar. “Smile With Teeth” es un temas que pueden dar testimonio de lo que les digo, el uso de un saxo en mitad del tema generan texturas y ambientes realmente atractivos para el oído.

El progresivo y poderoso “Ghostload” consta de una base rítmica contundente generada por los golpes de Andrew Gottlieb y el aplastante bajo de Arnau los cuales le aportan la dosis justa de contundencia. El trabajo de Jordan Usatch es de no creer, es una maquina de tirar riffs grooveros que entrelaza de manera espontanea ataques progresivos y sincopados, dando a luz temas como “Velvet Noose” o la alternativa “The Bells of St. Clements”.

La interacción instrumental entre el guitarrista Jordan Usatch, Arnau Bosc y el baterista Andrew Gottlieb es vertiginosa e impresionante. La capacidad de incorporar ganchos poperos de manera fluida junto con los momentos característicos del hardcore, por darles un ejemplo… Como frutilla de la torta esta “Woke Dreams” para cerrar esta obra de arte, creo que es lo mas sencillo que escuche de ellos, con un estribillo monumental y tan pegadizo que lo estarán tarareando por días…

Que mas puedo decir de este bandon que no haya dicho, lo único que les puedo asegurar que Husbandry es de esas bandas que no te defraudan en lo mas mínimo, una banda de la que nunca te vas a cansar, una banda con una riqueza musical muy pocas veces escuchada para los tiempos que corren. Enjoy

Lista de temas:

1. Lupus Dei 03:28
2. Your Weight in Gold 06:18
3. Bête Noire 04:18
4. Smile With Teeth 04:50
5. Ghostload 03:36
6. Velvet Noose 05:55
7. The Bells of St. Clements 03:46
8. Woke Dreams 07:28

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Mark Morton – Anesthetic

Mientras Lamb Of God o Burn The Priest, se toman un descanso, su guitarrista, Mark Morton, decidió escribir música reflejando sus mas acérrimas influencias de diversas áreas en todo el espectro musical. Para tal fin Mark solicito la ayuda de algunos amigos, colegas e ídolos en el negocio de la música para que toquen en el disco, como ser Ray Luzier de Korn, David Ellefson de Megadeth, Mike Inez de Alice In Chains, Paolo Gregoletto y Alex Bent de Trivium, o Roy Mayorga de Stone Sour, por nombrar algunos. También ha reclutado a un grupo de vocalistas invitados para cantar en el álbum, como Myles Kennedy de Alter Bridge, Chuck Billy de Testament, Alissa White-Gluz de Arch Enemy, Mark Lanegan de Screaming Trees, Josh Todd de Buckcherry, Jean-Paul Gaster de Clutch, Steve Gorman y Marc Paul de Black Crowes y Jacoby Shaddix de Papa Roach.

Aparte de todos estos increíbles invitados que aparecen en el álbum, el invitado que sin duda es el mayor punto de conversación y de ventas es el fallecido Chester Bennington, que presta su voz exclusiva a la canción de apertura del álbum “Cross Off”. Cuando esta canción fue lanzada al público, la recepción de los fanáticos fue estática, pero también hubo algunas vibraciones agridulces. Es el hecho de que la voz de Chester se escucha en una nueva canción, pero también es consciente de que se ha ido y no volveremos a saber de él, por lo que escuchar una nueva canción con la voz de Chester es un momento que todos deben saborear, aunque no hayan sido fan de el.

Un par de canciones podrían identificarse fácilmente como una nueva canción de Lamb Of God antes de que se escuchen las voces. “The Truth Is Dead” en particular es lo más cercano a eso, principalmente debido al hecho de que escuchas el inconfundible tono rítmico de Mark y su compañero de banda, Randy Blythe, junto a Alissa White-Gluz. Tanto Randy como Alissa muestran ambos lados de sus habilidades vocales, que incluyen sus propios gruñidos y limpiezas majestuosas, y ambos crean una potente armonía en el coro.

Unos de los vocalistas que mas me sorprendió encontrar aquí fue al grandioso Mark Lanegan. El se hace cargo del tema “Axis”, sus ásperas cuerdas vocales se desempeñan con excelencia en una pista que encaja perfectamente con el y su estilo, una belleza realmente.

Una de mis canciones favoritas del álbum es “The Never”, y eso se debe a Chuck Billy. Para mí, cualquier canción que Chuck toque con su voz, va a ser increíble. La canción también cuenta con Jake Oni de ONI en las voces. Chuck canta en la mayoría de la pista, mientras que Jake aparece en la sección central antes del solo, y hay un momento en esa sección donde cantan juntos, muy buena…

“Sworn Apart” con Jacoby Shaddix es otro punto destacado. El riffing pesado, junto con fantásticos ganchos vocales melódicos de Shaddix, y un coro muy memorable, hacen de esta una canción que tiene la capacidad de complacer tanto al fanático del metal como al fanático del rock. Lo mismo se puede decir acerca de “Save Defiance”, que presenta a Myles Kennedy, quien se las arregla para asombrar a todos una vez más con un desempeño vocal impecable. Definitivamente es una de las mejores voces del rock actual.

La guitarra acústica se presenta en “Reveal”, con Naeemah Maddox. Este es sin duda el más relajado de todos ellos. Aunque carece de guitarras crujientes, presenta algunas melodías de blues geniales y un sonido de guitarra de rock melódico más pop en la segunda mitad. Es posible que algunos fanáticos incondicionales no adopten esta pista por completo, pero creo que es una canción muy sabrosa y una gran adición para darle dinamismo a la placa.

En “Imaginary Days” es donde Mark se acerca al micrófono y muestra sus habilidades vocales. La canción muestra que tiene algunos tubos decentes y que debería usarlos más en el futuro material en solitario. La canción es una mezcla de metal alternativo en la música y pop punk en las voces.

Mark está a punto de salir de gira para apoyar el álbum. Ahora, la pregunta es: ¿qué vocalista obtendrá que sea capaz de cubrir todos los estilos vocales de las canciones que elige para tocar en vivo? Tendremos que esperar y ver que onda. “Anesthetic” es un álbum que no tiene defectos. Es un disco diverso que contiene de todo un poco (dentro del espectro del rock y metal). Enjoy

Lista de temas:

1. Cross Off (feat. Chester Bennington)
2. Sworn Apart (feat. Jacoby Shaddix)
3. Axis (feat. Mark Lanegan)
4. The Never (feat. Chuck Billy & Jake Oni)
5. Save Defiance (feat. Myles Kennedy)
6. Blur (feat. Mark Morales)
7. Back from the Dead (feat. Josh Todd)
8. Reveal (feat. Naeemah Z. Maddox)
9. Imaginary Days
10. The Truth Is Dead (feat. Randy Blythe & Alissa White-Gluz)

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Altitudes and Attitude – Get It Out

Dos de los bajistas de “Big Four” de thrash metal se unieron hace unos años para formar Altitudes & Attitude, mientras Frank Bello de Anthrax se encarga de las tareas vocales, la guitarra y el bajo, por otro lado David Ellefson de Megadeth toca la guitarra y el bajo. Después de un lindo EP en 2014, llamado “Get It Outes” el cual fue el debut, no llamó mucho la atención. A ellos se les suma Jeff Friedl de A Perfect Circle en la batería. Además de las diez nuevas pistas, el disco también incluye las tres canciones de ese EP homónimo.

Lo que por ahí lo hace aun mas interesante es que como invitados hay una lista de notables guitarristas que prestan su talento en este disco, entre ellos está Ace Frehley (ex KISS), Gus G (ex Ozzy Osbourne, Firewind), Christian Martucci (Stone Sour), Jon Donais (Anthrax, Shadow Fall), Russ Parrish (también conocido como Steel Panther’s ” Satchel ”) y Nita Strauss (Alice Cooper).

La idea de armar Altitudes & Attitude comenzó su concepción en 2010, cuando Bello y Ellefson se fueron de gira para enseñar clínicas de bajo para el fabricante de amplificadores “Hartke”. Al requerir la asistencia de pistas de acompañamiento, Bello y Ellefson reunieron sus talentos y escribieron algo de música original. Inesperadamente, vieron chispas cuando una explosión de química musical se encendió y los dos se dieron cuenta de que algo especial había ocurrido.

Se dieron cuenta que ambos hombres eran mucho más que bajistas. En el micrófono, Bello emergió como un vocalista conmovedor y Ellefson brilló como un rítmico guitarrista rítmico. Tan pronto como pudieron, empezaron a escribir nuevo material y eventualmente lanzaron el EP debut ya mencionado. Mientras que los fanáticos de ambos pueden haber esperado un disco completo en Heavy Metal, la música de Altitudes & Attitude no es lo que cabría esperar de estos veteranos de Thrash. Encarnan un estilo propio. A un nivel diferente, Bello y Ellefson traen un sonido inspirado en el punk y el Hard Rock con un contenido lírico cautivador resaltado por las voces de Bello.

Sabemos que el propósito de los proyectos paralelos es explorar diferentes caminos musicales de la banda principal de los miembros, y eso es lo que hacen Bello y Ellefson. “Get It Out” está repleto de pistas de hard rock sencillas con melodías memorables y ganchos pegadizos. Bello no es Joey Belladonna, pero sus voces son apasionadas y muy versátiles. También hay muchas texturas diferentes, desde el urgente tema de Foo Fighters, hasta el accesible “Slip” del rock alternativo hasta el instrumental “Leviathan”, hasta el sombrío y fuerte “All There Is”. Las tres canciones de El EP se sostiene bien, especialmente “Booze and Cigarettes”. Las voces de Bello son emotivas en “Late”, con melodías profundas y un coro conmovedor. Un destacado, “Another Day” ve una nueva luz frente a distintas frustraciones. Sin olvidar sus raíces, Altitudes & Attitude ofrecen tendencias de Metal en “Part of Me”, “Leviathan”, y una progresión melódica que podemos resaltar del álbum, podría ser “Here Again”.

Una nueva dosis de Rock de caras conocidas, “Get It Out” es un regalo inesperado para los fanáticos de Bello y Ellefson. Como se dijo, los talentos de ambos músicos están en exhibición. Si quieres escuchar algo diferente de dos de tus bajistas de Metal favoritos, debes escuchar “Get It Out”. Por ahí el “punto en contra” del álbum es que no presentan algo novedoso y hoy por hoy es necesario hacerlo, desde el punto de vista comercial. Pero lo que esta claro es que estos músicos no necesitan demostrar nada ni a nadie, tienen sus trayectorias bien puesta en sus hombros, lo que nos hace pensar que esto es solo darse un gusto de sacar un álbum fuera de lo que hacen habitualmente y hacerlo con amigos y gente que admiran. Enjoy

Lista de temas:

01. Get It Out
02. Late
03. Out Here
04. Part of Me
05. Slip
06. Talk to Me
07. Leviathan
08. Cold
09. Another Day
10. All There Is
11. Booze and Cigarettes
12. Tell the World
13. Here Again

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Alice in Chains – Rainier Fog

Tuve la sensación que los 2 anteriores discos de AIC (ambos con DuVall en la voz), tenían un común denominador, les faltaba algo. Y pensándolo bien, me di cuenta de que lo que les pasaba era que estaban en un proceso de maduración de la banda con su “nuevo” cantante. Es en este disco donde empiezan a encajar las piezas, me refiero a su ultima producción, “Rainier Fog”. Puedo asegurarles que es lo mejor que escuché de la era DuVall y el mejor disco de este año, sin dudas. Este disco tiene los condimentos característicos de la banda dejando el nombre de AIC y la memoria de Layne en un lugar inalcanzable, manteniendo esa llama viva que hace algunos años parecía apagarse.

Esta es la primera vez en 22 años que graban en su ciudad natal y en los estudios Bad Animals (ahora Studio X), con Nick Raskulinecz tras los mandos, y en su estudio casero de Nashville grabaron también voces y guitarras. Es al vicio decir que el sonido de la banda vuelve a ser único e inimitable. Kinney continúa demostrando que su golpeo y estilo son personalísimos, e Inez sigue sustentando a la banda con sus contundentes e imaginativas líneas. DuVall tiene esta vez algo más de protagonismo, pero a estas alturas todos sabemos cuál es su rol, que no es otro que apoyar a Cantrell en las melodías vocales y guitarras, dando aire fresco a la banda con su personalidad; y no calzarse las botas de Layne. Bendito el día que sus caminos se cruzaron en la gira del “Degradation Trip” y Cantrell se dio cuenta de la química vocal y musical tan grande que existía entre ambos. Y es que resucitar a AIC podría haber sido una de las mayores catástrofes musicales de la historia, y no solo no ocurrió eso, sino que están escribiendo uno de los capítulos más respetuosos, dignos y emocionantes que se recuerdan. Con “Rainier Fog” lo siguen refrendando.

Abre “The One You Know” con un riff incisivo, Inez soltando grasa con su bajo y Jerry desgañitándose la garganta y luciéndose con un soberbio solo, algo predominante a lo largo del disco. Según Cantrell se inspiró en el “Fame de Bowie” y escribió el tema cuando éste falleció. En “Rainier Fog” meten un cambio más arriba y DuVall se apodera de la voz, hasta que llega ese típico cambio de ritmo, marca de la casa y Cantrell pone el contrapunto y el toque para que el tema termine por agarrarte las pelotas.

Con “Red Giant” nos introducen en una caverna a base de riffs bien metaleros, a los que Kinney con su batería les da ese empuje para que sea aún más jevis. Uno de los momentos más oscuros y monolíticos del disco, que te llevan a la hipnosis con esos ritmos pesados. Tras arrastrarnos con sus cadenas en el anterior tema, en “Fly”, Cantrell se saca de su sombrero de cowboy un temazo de esos que sirven de perfecto equilibrio a la densidad de otros, y que recuerda a los tiempos del “Boggy Depot”. Cierto sabor country planea con las acústicas y el deje de Cantrell, que vuelve a sacársela con otro solazo y un celestial estribillo.

El blues oscuro de hace presente en “Drone”, potente, fangoso y demoníaco. Jerry saca a pasear su inmenso feelin’ y la base rítmica se luce. Aquí es donde aparece tocando la guitarra acústica un buen colega de la banda, Chris DeGarmo de Queensrÿche. “Deaf Ears Blind Eyes” da el gatillazo de salida a la segunda cara volviendo las oscuras golondrinas armonías vocales. Un vals bailado de puntillas…

Pasan con pasmosa facilidad del lado oscuro a la luz con “Maybe”. Cantrell manda y te agarra de la mano para hacerte volar. Con un regusto al “Sap” y “Jar Of Flies” contiene un largo y fabuloso estribillo y un interludio sencillamente épico. Con “So Far Under” tenemos el claro ejemplo de la adaptación total y mimetización de DuVall al sonido AIC, ya que es un tema suyo que suena a “Tripod” por los cuatro costados, hasta el solo a lo “Sludge Factory”. Enfermizo y con un estribillo bestial que parece un motor bajando de revoluciones.

DuVall sigue reclamando protagonismo en “Never Fade”, pareciendo a primera vista el tema menos especial o más impersonal que encontramos en ”Rainier Fog”,
pero con un aroma a Comes With The Fall y un estribillazo cortesía de Cantrell que se te mete hasta las venas. Una copla que da dinamismo y frescura al disco, rock directo sin pretensiones ni concesiones. Y es así como llegamos al final con “All I Am”, un cierre melancólico que vuelve a envolvernos con esa capa de niebla que tiñe el álbum en ciertas ocasiones.

“Rainier Fog” no deja de ser otra enorme demostración de clase y buen gusto. AIC 2.0 continuarán siendo los que más respeto merezcan de su generación mientras Cantrell siga en pie. Tal vez sea el músico de los 90s que mantenga la llama de la inspiración mejor y más dignamente. El nombre de Alice In Chains no puede seguir en mejores manos. Enjoy

Lista de temas:

01. The One You Know
02. Rainier Fog
03. Red Giant
04. Fly
05. Drone
06. Deaf Ears Blind Eyes
07. Maybe
08. So Far Under
09. Never Fade
10. All I Am

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