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Este blog esta destinado a compartir musica e información de bandas y solistas. Enjoy

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Innerte – La Aurora de lxs Rotxs

Esta banda viene pisando cabezas hace ya un tiempo, con sus anteriores producciones, las cuales dejaron bien en claro quienes son y a donde quieren ir. “La Aurora de lxs Rotxs” no hace mas que reafirmar esta brutalidad sonora. Si los anteriores trabajos les pareció intensos, este no les va dar respiro, es un planchazo en la espalda.

La placa arranca con una intro llamada “La época [LADLR I]”, la cual te prepara para lo que se viene, y como una piña que no ves venir suena “Empatía y rebelión”, adrenalina al máximo y una velocidad intensa, acompañada de una lírica contestataria que te va a erizar la piel!!!

Cuando empieza el demoledor bajo de “Fuego humano”, pensas que van bajar un par de cambios, pero no! Este temon tiene tantos cambios que tenes que mantenerte atento a cada terrible riff y a las distintas direcciones que agarra en su transcurso, impresionante!!!

La voz de Martin Teixeir le da la esa dosis fuerza-bruta que la banda necesita para hacerte poner la piel de gallina y querer levantarte de la silla para romper lo que este a tu alcance, un ejemplo de esto es “Hijxs de mil Patti”, una piña en la nariz!!! Ya cuando llego “Colapso”, pensé… “denme un respiro”…, si no están acostumbrado a tanta intensidad les va a costar asimilar esta maravilla, se los aseguro, no tan solo por la vellosidad si no también por las estructura, los filosos riffs, etc…

“La guía [LADLR II]”, cumple la función de preludio con 1:45 minutos de pura rabia desenfrenada para que le demos la bienvenida a “No olvidamos”, un thrash-death al palo directo a las venas, que nos ofrece muchas reminiscencias de la vieja escuela. Mas adelante esta “El mito de la especie suicida”, violento, directo y sin piedad! El sonido de la placa es algo aresaltar, porque muy pocas bandas extremas (de aquí por lo menos), logran un sonido tan claro y poderoso como este.

La bata suena un cañón y  mas que nada en “Árbol oscuro”, una verdadera aplanadora sonora, la velocidad, los cambios de ritmos, el doble maza, los grooves, en fin… Otra cosa, si escuchan atentamente, esta banda suena como si estuviera compuesta por cinco integrantes, mínimo, pero no, son 3 personas que le ponen mucha bola y seriedad a su laburo, lo cual valoro mucho.

 

Llegando al final esta, quizás, el tema mas largo del álbum, “Matar al padre”, donde se escuchan con total vehemencia los rugidos de Teixeira cuando dice “Un cuchillo abrirá, la garganta patriarcal y en su sangre danzaran los sometidos en libertad”, tremendo!!!

Cerrando la placa esta, a manera de outro, “La acción [LADLR III]”, un tema cortito que al comienzo crei que se trataba de un instrumental, pero no, el vozarrón de Martín apareció nuevamente haciéndome volar la peluca una ves mas antes de cerrar.

La banda ha crecido y ha evolucionado con respecto a su anterior disco, se podría decir que están mas extremos que nunca, aunque estaría copado que por ahí jueguen mas con melodías pegadizas que ensamblen con su brutalidad innata, pienso que los enriquecería aun mas. Los tres integrantes se complementan perfectamente para formar esta belleza llamada “La Aurora de lxs Rotxs”. Enjoy

Lista de temas:

1.La época [LADLR I] 01:36
2.Empatía y rebelión 03:18
3.Fuego humano 03:40
4.Hijxs de mil Patti 03:16
5.Colapso 03:43
6.La guía [LADLR II] 01:15
7.No olvidamos 02:50
8.El mito de la especie suicida 02:43
9.Árbol oscuro 02:50
10.Matar al padre 04:15
11.La acción [LADLR III] 01:48

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Therapy? – CLEAVE

Quince álbumes en treinta años es un buen numero. Incluso con un mínimo de cambios en la alineación Therapy? ha sabido mantenerse en ruta durante un largo tiempo, aparte sigue siendo una banda muy prolífica, merito indudable de su lider, Andy Cairns. “Cleave” fue lanzó con una nueva disquera, Marshall Records.

Si bien sus raices siguen intactas, he notado un sonido fresco pero por momentos mas pesado y machacoso al correr de las 10 canciones que componen “Cleave”.

Esta última decena abre con “Wreck It Like Beckett” que recuerda sus primeros álbumes con el sonido casi claustrofóbico, que hizo que todos se fijaran en ellos a principios de los noventa. Las letras son tan oscuras y cínicas como siempre, pero envueltas de melodías y riffs pegadizos. “Kakistocracy” es un buen ejemplo de esto, cuando dice en su estribillo “está bien no estar bien”, otro ejemplo es “Callow”, que trata sobre la depresión, un tema común en todo el álbum, temazo!!!!

“Success? Success Is Survival” es un tanto mas optimista, pero con un enfoque más melódico que las otras nueve canciones, pero luego vuelve a la normalidad con “Save Me From The Ordinary”. Lo que alguna vez fueron álbumes llenos de angustia juvenil, ahora han pasado a la adultez y la madurez frustrados, como lo evidencian en “Crutch”. Mientras que “I Stand Alone” y “Dumb Down” son otro par de canciones de la vieja escuela con momentos enfermizos y contagiosos.

Al final del álbum queda “No Sunshine”. En esta pista, amplían algunos de los elementos menos frenéticos del registro hasta ahora, a la vez que hacen frente a la depresión nuevamente y lo hacen de una manera muy abierta y honesta. Tienen una forma de escribir canciones que realmente te atrapan, y esta es otra buena ilustración de eso …

Therapy? ha logrado mantener su identidad y sonido característico mientras evoluciona y trae elementos de influencias tan diversas como lo son los Stiff Little Fingers y Joy Division con algunos riffs enormes para lograr un equilibrio optimo. Con cualquier banda podría decir que esta es una placa seria un destacado de su carrera, pero con Therapy?, no son mas que otros 33 minutos de excelencia en una carrera de álbumes ridículamente de alta calidad. Enjoy

Lista de temas:

01. Wreck It Like Beckett
02. Kakistocracy
03. Callow
04. Expelled
05. Success? Success Is Survival
06. Save Me From The Ordinary
07. Crutch
08. I Stand Alone
09. Dumbdown
10. No Sunshine

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Riverside – Wasteland

Este fue uno de mis álbumes más esperados de 2018, “Wasteland”. Este es su primer álbum desde la impactante muerte del guitarrista Piotr Grudziński. Si bien la banda debatió si deberían continuar o no, finalmente decidieron continuar como trío. Bueno, no exactamente un trío. Adoptaron a Maciej Meller como guitarrista para las giras. Si bien está claro cuán vital fue Grudziński para el sonido general de la banda. Duda, siendo un guitarrista decente, trata de solventar la pérdida de la banda cumpliendo un papel aceptable en el álbum.

A mi parecer, Wasteland es el álbum más oscuro de Riverside hasta la fecha. Esto es algo que ya auguraba su título, Wasteland, cuya traducción sería Ciudad Perdida o Tierra Baldía. Desde su portada, su nombre, su música, todo es mas sombrío aquí. Esta placa representa la explosión madurativa y saca a relucir las apesadumbradas conclusiones introspectivas de la banda tras la muerte de Piotr Grudziński, lo que sin duda hizo mella en los polacos.

Wasteland está enfocado desde el punto de vista de alguien huérfano de esperanzas que ha sobrevivido a una tragedia. El batería Piotr Kozieradzki no podía estar más acertado cuando dijo que Wasteland “transporta muchas emociones que reflejan lo que ha estado ocurriendo últimamente en la banda en los últimos años. Es una cara mucho más heavy y oscura de Riverside”.

Los discos Out Of Myself y Second Life Syndrome forman parte de la baraja sonora que cuaja en el nuevo trabajo de los polacos. Es un nuevo capítulo en la andanza de los polacos. Esas reminiscencias a discos pasados se evidencian, por ejemplo, en el título del primero y el último corte, “The Day After” y “The Night Before”, respectivamente, una referencia a Second Life Syndrome. De la misma forma, Wasteland comienza con voces a capella, igual que en ese segundo trabajo de larga duración, y ambos redondos están divididos en nueve tracks.

“Hace poco estuve escuchando la discografía completa de Riversive, el modo en que nuestra música ha cambiado” – dice Duda -. “Hay muchos fallos de producción en los primeros trabajos, pero también está esa inocencia y ese tipo de emociones irrepetibles, específicas y profundas, el “grito interno” que más tarde se perdió. Resurgió por un momento en el álbum negro de mi proyecto solista, Lunatic Soul, pero se perdió igualmente. No sé si es algo bueno o no, pero me acuerdo de estar escuchando lo nuevo de Riverside con lágrimas en los ojos. La música a menudo te agarra la garganta. He publicado recientemente dos álbumes solista, Fractured y Under the Fragmented Sky, ambos sobre afrontar una pérdida, pero han sido historias contadas por alguien que ha decidido levantarse y comenzar una nueva música. Wasteland te agarra y te dice “espera, cuéntame algo más sobre cómo era antes, cuéntame cómo te sentías al principio, cuéntame lo que no me has contado todavía”. Y así regreso. Regreso al momento más oscuro. Y resulta que había estado guardando el “grito interior” hasta el final. Parece que finalmente lo he tratado con Riverside”. Tremendo…

El disco abre con la intro “The Day After”, con un sentido pesimista que se pregunta ¿Qué pasa si no está destinado a ser?, es una de las preguntas retóricas que se hace Mariusz Duda. Es cuando aparece un eco que se va intensificando y que subraya la terminación de sus palabras, hasta que suena un violín y un teclado que enfatizan esa congoja intangible. Impresionante…

“Acid Rain”, se mueve sobre una base más rockera en la que predomina una majestuosa batería como hacía discos que ya no se veía en Riverside. La guitarra y el bajo conjugan también un coprotagonismo, creando una sensación de ritmo vertiginoso. La segunda mitad está conducida por una guitarra más melódica y un tempo más ágil. Ya más contundente que las dos anteriores, “Vale Of Tears” se desenvuelve sobre una base que en ocasiones les puede recordar a Muse. “Guardian Angel” es una pieza más onírica, con un Duda ambiguo que relata y canta al mismo tiempo, muy a lo Leonard Cohen. Una guitarra acústica y un ambiente más relajado interpretan el papel principal en esta escena.

Pasamos a la quinta pieza, seguimos con las similitudes, me refiero a “Lament” me recuerda en algunas partes a “Behind Blue Eyes”, de The Who. Un violín se entrelaza con la partitura, hasta que ésta va desapareciendo y se mezcla con el silencio. “The Struggle For Survival” tiene dos secciones: “Dystopia” y “Battle Royale”, con un principio que va creciendo en cuanto a intensidad hasta llegar a una extensión más o menos constante capitaneada por las baquetas, que marcan el compás del bajo, sin vocales pero con unos hermosos coros en la sección final.

River Down Below” es un corte más pausado, con el empleo de guitarra acústica y los efectos tecladisticos. El título de la canción y la estructura de la misma me hace pensar en Pink Floyd y en su fenomenal “The Endless River”. La atmósfera nostálgica y derrotista se apodera de la canción en todo momento, una belleza.

“Wasteland” es la pieza más western de Riverside. Una composición que se desarrolla prácticamente sin vocales (únicamente al principio). El cierre perfecto del disco está dado por “The Day After“, donde la voz de Duda se sirve de piano. He leído muchas críticas, de porque siguieron sin su guitarrista, que sin su guitarrista suenan mediocres, que el álbum zafa nomás, en fin… Para mí es un excelente disco, algo oscuro pero con el alma de sus primeras entregas, aclarado esto paso a contarles mas sobre Wasteland.

Lista de temas:

1. The Day After (01:48)
2. Acid Rain (06:03) Part I. Where Are We Now? Part II. Dancing Ghosts
3. Vale Of Tears (04:49)
4. Guardian Angel (04:24)
5. Lament (06:09)
6. The Struggle For Survival (09:32) Part I. Dystopia Part II. Battle Royale
7. River Down Below (05:41)
8. Wasteland (08:25)
9. The Night Before (03:59)

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Monje – Monje

Monje es una banda de Bs. As., formada en septiembre de 2016. La banda esta formada por: Sebastian Rolón (voz), Daniel Iranzo (batería), Guido Soldini (bajo) y Diego Petullo (guitarra). La banda esta enfocada en un rock directo con tintes stoneros. El disco fue lanzado de manera independiente en Enero de este año.

Encontré un común denominador en el disco, y es que “Monje” esta plagado de temas gancheros, con mucho groove mezclados con riffs espesos y letras verdaderamente excelentes. Distorsiones gruesas e infectadas de fuzz recorren los 8 temas que componen este álbum.

La placa arranca con una hermosa y sinietra intro llamada “Las culpas”, la cual da paso a “Río de Decepción”, un doom en su máxima expresión, directo a la yugular. “Asesino del Pensamiento” no se aleja mucho de la anterior, pero este tiene un cambio drástico en el minuto 3, donde las guitarras toman velocidad y la voz de Rolon se violenta y toma protagonismo con una tremenda lírica.

“Punto Omega” detona con unos cortes oscuros y lúgubres, adornados con una voz temblorosas que le da una textura terrorífica a la pista, un tema ideal para hacer ouija en una noche lluviosa. Contrastando con todo y de una forma abrupta esta “Paisaje del Horror”, un tema sumamente veloz con cambios realmente impresionantes, poguero, desenfrenado… Una patada en el pecho!!!

La marchosa “Bajo el Resplandor” es uno de los temas mas densos y extensos del disco, un viaje que los transportara con su hipnotismo musical. “Al Filo del Abismo” empieza a subir de a poco los decibeles con este tema que los hará cabecear inconscientemente desde el primer segundo. Llegando al final de esta hermosa placa nos encontramos con “Nefasta Evolución”, un temazo desplegado en fabulosas bases de violas desérticas, con una base rítmica demoledora y esa excelente voz de Rolon, que por momentos me recuerda a la voz de Enrique Bunbury.

No hay nada para reprochar, solo una cosa… Me quede con sabor a poco, y eso es bueno! Si bien el tiempo total del disco esta bastante bien, quede con esa sensación de querer escuchar mas! No tengo mas que felicitaciones para este tremendo debut de Monje, desde la portada, su música, sus letras, en fin… Excelente trabajo!!!!!

Ojala lo disfruten como yo lo hice. Enjoy

Lista de temas:

1.Las Culpas (Intro) 01:20
2.Río de Decepción 05:23
3.Asesino del Pensamiento 06:32
4.Punto Omega 05:49
5.Paisaje del Horror 02:55
6.Bajo el Resplandor 07:52
7.Al Filo del Abismo 05:42
8.Nefasta Evolución 07:49

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The Night Flight Orchestra – Sometimes the World Ain’t Enough

Para quienes no sepan, la historia de NFO se remonta a algunos años atrás, cuando a dos de los componentes de la banda de death metal melódico, Soilwork, Bjorn Strid y David Andersson, medio en serio medio en joda, se les ocurrió que podían crear algunos temas para escuchar en sus trayectos entre ciudades cuando salían de gira con la banda. Madurada la idea, hicieron extensible esta invitación también al hombre de las 1000 bandas, Sharlee d’Angelo, bajista de Arch Enemy, dando lugar a lo que sería la banda que nos ocupa hoy, The Night Flight Orchestra.

Los dos primeros álbumes “Internal Affairs” y “Skyline Whispers” sirvieron para dar a conocer a la banda y mostrar que había potencial y buenas ideas, pero hasta que no llegó su tercer lanzamiento “Amber Galactic” no tendrían la repercusión en medios y público deseado. “Amber Galactic” fue alabado por la crítica y fans, siendo nombrado Álbum del Mes en varias revistas de rock europeas, además de asegurar a la banda una nominación al Grammy sueco.

Recogen el espíritu musical de los 70 y 80 con canciones sumamente accesibles, pero con un enfoque distinto en cada una. Es como si experimentaran con toda la amalgama de ingredientes sónicos de esas dos décadas, ritmos funkys, AOR, coros pomposos, panderetas, pop,… y crearan un sonido ya muy característico de ellos. La voz en off de las azafatas ya es sello inconfundible en sus discos, así como esas atmosferas espaciales. Son como si dispusieran de todo aquello con lo que han crecido musicalmente, lo metieran en una licuadora, removieran y lo dejaran salir en forma de canciones.

El disco arranca con “This Time” que te pone las pilas, con un fuerte olor a “Highway Star”, batería y guitarra entrando al galope, es el single y el tema más enérgico del disco, sin lugar a dudas. Más enfocado hacia el AOR de los ochenta “Turn To Miami”, “Speedwagon”, “Winged And Serpentine” o “Sometimes The World Ain’t Enough”, aunque este último dándole un toque distinto con unas guitarras algo funkys. También muy Funky de los 70, esta “Paralyzed”, Instantes de tranquilidad llegan con “Moments Of Thunder” melodías cuidadas y arreglos de teclados sofisticados que podría pertenecer a los Styx por ejemplo. “Lovers In The Rain”, algo más insulsa para mi gusto, donde los teclados tienen una gran predominancia.

La hardroquera “Can’t Be That Bad”, tiene una melodía muy pegadiza y unos consistentes riffs de guitarra, y la voz de Bjorn Strid que me parece fascinante, este artista puede cantar super melodioso pero siempre con un punto de rabia. “Pretty Thing Closing In”, es algo pomposa llegando casi al pop ochentero, aunque con un solo de guitarra que la hace actual.

Y cerrando esta “The Last Of The Independent Romantics”, el tema más largo, con nueve minutos que va in creciendo, aumentando su potencia e intensidad, para finalizar en una suerte de rock progresivo.

TNFO es una de las bandas más originales de la última década. Un soplo de aire fresco en el panorama rockero donde a veces parece que salen discos como de una factoría de producción en línea. Una banda que dará que hablar en el futuro, les aseguro, y “Sometimes The World Ain’t Enough” es tan bueno como los anteriores, posta!. Enjoy

Lista de temas:

01. This Time
02. Turn to Miami
03. Paralyzed
04. Sometimes the World Ain’t Enough
05. Moments of Thunder
06. Speedwagon
07. Lovers in the Rain
08. Can’t Be That Bad
09. Pretty Thing Closing In
10. Barcelona
11. Winged and Serpentine
12. The Last of the Independent Romantics

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Lunatic Soul – Under the Fragmented Sky

La mente maestra detrás de Lunatic Soul, Mariusz Duda (también conocido como el líder de la banda Riverside) diseñó lo que podría ser uno de sus mejores álbumes hasta la fecha. 2018 marca el décimo aniversario de su proyecto profundamente personal y, para conmemorar esta ocasión, Mariusz lanza su sexto álbum acompañado con ocho nuevas composiciones tituladas “Under The Fragmented Sky”.

El nombre es una referencia a una letra de su obra “A Thousand Shards of Heaven” del álbum “Fractured“. Originalmente, el LP estaba planeado para ser un maxi single, pero Mariusz se dio cuenta de que estas canciones merecían tener una identidad propia. El lanzamiento complementará la visión atmosférica oscura de “Fractured” y al mismo tiempo avanzará el proyecto un paso más allá.

La diferencia más notable es que las letras se quedan atrás y Mariusz decide componer principalmente instrumentales mientras experimenta con melodías vocales. Choca el mundo del rock progresivo y la música electrónica sin esfuerzo y esto resulta una buena adición al catálogo de Lunatic Soul. El sonido futurista de “Under the Fragment Sky” es más evidente con la canción de apertura “He av en“, su toque hipnótico y sus voces robóticas se parecen mucho al álbum seminal de Radiohead, “Kid A“. “Trials” es una oscura visión de trance oriental que podría haber sido utilizada en el último éxito de taquilla de Blade Runner o en cualquier otra película de ciencia ficción.

La hermosa balada “Sorrow” le da al oyente una breve pausa para respirar y encaja perfectamente en una colección de canciones muy contemplativas. La canción principal es el antídoto orgánico para L.P que trae pianos de luz, guitarras acústicas y efectos de sonido, llevando al oyente a un sueño junto a sus letras sobrias.

Por el contrario, “Shadows” es un instrumental sorprendentemente inquietante y suena como si alguien te acechara en una fría noche de invierno. “Rinsing the Night” es una canción folklórica encantadora y si eres de los que disfruta de las composiciones de rock progresivo de Riverside, esto abrirá tu apetito. En caso de que vayas a escuchar este álbum en vinilo y aparezca la canción “The Art of Repairing“, no te preocupes porque tu pua no se está saltando, es como Mariusz diseñó la composición para que suene así, la cual termina con una emotiva voz. A los fanáticos de “Tangerine Dream” o “Kraftwerk” les encantará esta canción y aún mantiene la marca registrada Lunatic Soul con su complejo idioma de trance estampado por todas partes.

Para concluir este impresionante lanzamiento, la canción “Untamed” es solo la segunda canción en incluir letras en el álbum, para algunos esto le sonara a un capricho experimental, esto no es mas que una emotiva composición en la cual participa el finado baterista Wawrzyniec Dramowicz (alias Vaaver) haciendo una aparición especial en la canción.

Under the Fragment Sky” hace un magnífico trabajo al ampliar el vocabulario musical de Lunatic Soul. Enjoy

Lista de temas:

1. He av en
2. Trials
3. Sorrow
4. Under The Fragmented Sky
5. Shadows
6. Rinsing The Night
7. The Art Of Repairing
8. Untamed

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La Iglesia Atómica – Gran Muro de Coma

La Iglesia Atómica es una legendaria banda de rock psicodelico instrumental de Puerto Rico, con una vasta trayectoria sobre sus hombros. Esta compuesta por Agustín Criollo (bajo, teclados, guitarra y samples), Martin Latimer (guitarras) y Herb Pérez (batería).

“El Gran Muro” es la segunda superestructura conocida más grande del universo. Compuesta de galaxias, está aproximadamente a 200 millones de años luz de la tierra y sus dimensiones sobrepasan los 500 millones de años luz de largo, 300 millones de años luz de ancho y 15 millones de años luz de espesor. Está conformado por el Supercúmulo de Hércules y el Supercúmulo de Coma. De ahí el nombre de este gran álbum.

 

Este disco representa la interpretación de este viaje interestelar de la Sonda Viajero hasta llegar al “Gran Muro de Coma”. Y la verdad es que es un verdadero viaje musical, emocionante, inspirador y visceral, el cual consta de 3 hermosas pistas plagadas de ambientes placenteros, como así también de adrenalina. Este viaje arranca con “Viajero“, valga la redundancia, con 20 minutos de puro placer auditivo, donde la psicodelia se entrelaza con el space-rock para dar vida a esta belleza que los hará volar por lugares inhóspitos que quizás nunca visitaron.

Para continuar está “Nube de Oort“, una pista hipnótica y adictiva, que no hace más que hacerte disfrutar de este tour espacial y blusero. Deciden prescindir de la voz, para no casarse con ningún idioma y poder ser una verdadera banda universal, como así también, trabajan con gente de diferentes lugares haciéndolos participes del álbum. Es por eso que decidieron que el la portada estuviese hecha por el diseñador de arte Julián Ciceri (Bs.As.)y la mezcla de dos primeras canciones se hicieron en Perú y la tercera en Alemania.

“Hijo del Sol” da el cierre a este viaje cósmico, con un tema mucho mas calmo sin dejar de lado la psicodelia, donde, a medida que avanza la pista, el nivel intensidad va tomando volumen, donde afloran las emociones hasta el punto mas alto. Verdaderamente apasionante, ideal para prender una chala y dejarse llevar por estas hermosas notas.

Los años de trayectoria de La Iglesia Atómica  se ve reflejado aquí, en un disco de vastas experiencia compositiva y calidad de sonido. Una fiel demostración de como esta creciendo el rock latinoamericano hoy en día. No quiero aburrirlos mas con mis palabras y escuchen este orgasmo auditivo llamado “Gran Muro de Coma”.

Lista de temas:

1.Viajero 20:46
2.Nube de Oort 09:49
3.Hijo del Sol 10:10

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TesseracT – Sonder

Tesseract fue uno de los pioneros del sonido “djent”, recurso o técnica que me tenía un poco cansado, quizás por la cantidad de bandas iguales que salieron en aquella época. Pero gracias a un melómano amigo que me recomendó en específico este álbum, me tomé el tiempo de degustarlo minuciosamente de punta a punta.

En sus inicios el djent era una mezcla de metal progresivo que tomaba mucho prestado tanto del heavy-low ajustado de Meshuggah como de las melodías progresivas contemporáneas en un mismo campo, mezclados con una decente dosis de atmósferas.

En 2018, djent tiene un sonido distintivo orbitando alrededor de un surco polirrítmico. A partir de ahí, puede desviarse mucho, desde los sonidos electrónicos altamente melódicos, como puede ser el ejemplo de Animals as Leaders. Sin embargo, hay muchas bandas de djent que se conforman con la versión más simplista de la fórmula y creo que Tesseract se habia volcado lamentablemente a este camino, quizás que por eso les deje de prestar atención.

Al mismo tiempo, y de forma indiscriminada, empezaron a surgir un sin fin de bandas haciendo lo mismo. Con el tiempo cada banda decide evolucionar y hacer algo que los distinga de los demas, y “Sonder” se siente con el deber de cambiar el rumbo de la banda.

Creo que ahora con este disco bajo el brazo, Tesseract depende completamente del ambiente como si fuera su “ingrediente secreto”. Donde el uso adecuado del ambiente puede agregar un tono pensativo o una oportunidad para la reflexión emocional de una canción, Tesseract confía en ella como el elemento cohesivo en casi todas las pistas de “Sonder” y como reemplazo tambien, de las melodías masivas de antaño.

Como en “Polaris“, Dan Tompkins no destaca lo suficiente sus tonos graves para proyectar el tipo de melodía que podría hacer que una pista se destaque, mientras que las guitarras de James Monteith pasan a un segundo plano, principalmente en las partes calmas, donde el protagonista principal es el ambiente. No así en las partes fuertes, donde las guitarras toman la posta sonando mas gordas y gruesas. El bajista Amos Williams ofrece algunas ejecuciones de bajo increíblemente atractivas, como es el caso de “Juno“, en particular, realiza algunos ritmos refrescantes que hacen que el tema sea fuerte y ágil.

Los ritmos en cada pista son más fuertes que nunca, a estas alturas la banda no necesita demostrar nada, son inmensos, y creo que este pequeño cambio les sienta bien. De lo único que estoy seguro, es que el ímpetu de “evolucionar o morir” en cada banda progresiva es innegable. Tesseract se encuentra a mitad de camino en este trecho “evolutivo”, y “Sonder” esta aqui para demostrarlo. Enjoy

Lista de temas:

01. Luminary

02. King

03. Orbital

04. Juno

05. Beneath My Skin

06. Mirror Image

07. Smile

08. The Arrow

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Sleep – The Sciences

Sleep, ha regresado de una ausencia de décadas para lanzar un nuevo álbum sorpresa, “The Sciences”, para las masas desprevenidas, me incluyo… La fecha de lanzamiento fue el 20 de abril, que es significativo no solo por ser el cumpleaños de Adolf Hitler, sino también porque representa el día festivo 420 “fumador de marihuana”.

Sleep se especializa en esos riffs gruesos, crudos, lentos y cromáticamente descendentes que te llegan sin filtro al cerebro, confirmando, el porque son unos de los reyes del estilo. Los temas tienen distintos estados de ánimos y un efecto adictivo que solo su música puede crear.

El álbum tiene una duración de 53 minutos aproximadamente y consta de seis canciones, aunque la primera pista consiste básicamente en tres minutos de distorsiones saturadas a modo de intro. Una vez que salen de este lodo, el grupo comienza a tirar piñas sonoras de manera en que sus fanáticos de siempre ya están acostumbrados.

Musicalmente hablando, poco ha cambiado desde que se tomaron su descanso. Las voces son más claras, y el nuevo baterista Jason Roeder es técnicamente más hábil que su predecesor Chris Hakius. Pero por lo demás, si les preocupaba que el grupo pudiera abandonar sus monótonas voces y sus ritmos espesos, estén tranquilos, que de esto hay para rato.

El diamante en bruto del álbum se centra en canciones como “Sonic Titan”, “Antarcticans Thawed” y “Giza Butler“, donde todas las piezas superan los diez minutos de duración, con una más corta llamada “The Botanist“, que cierra el álbum. Cave aclarar que esta ultima es un instrumental de seis minutos que es más melancólico y melódico que cualquier otra cosa en el álbum, o cualquier cosa en el catálogo de Sleep. Por otra parte sugiere que esta banda es capaz de entrar en lugares más delicados y sutiles cuando lo desean, y si alguna vez decidieran hacer un álbum completo de música con esta onda, sería muy interesante escucharlo.

También sirve como muestrario para el talento de Matt Pike en la guitarra, que es simplemente uno de los mejores músicos de metal que hay hoy en día. Su toque más ligero también permite al oyente escuchar claramente al bajista Al Cisneros, con sus notas sostenidas de baja frecuencia demuestran cómo siempre ha mantenido la música de esta banda con los pies en la tierra y a flote al mismo tiempo.

“The Sciences” es realmente una colección de melodías bien definidas que contrastan entre sí. Está destinado a ser escuchado mientras te acuestas en el piso en un estupor inducido por un buen churro, dejando que el poder de la música penetre tus venas. Entonces, si no son adoradores de los primeros álbumes de Black Sabbath, entonces probablemente deberían mantenerse alejado de Sleep. Enjoy

Lista de temas:

01. The Sciences
02. Marijuanaut’s Theme
03. Sonic Titan
04. Antarcticans Thawed
05. Giza Butler
06. The Botanist

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