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CapotonFurioso

Este blog esta destinado a compartir musica e información de bandas y solistas. Enjoy

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Progresive Metal

La Muerte Del Sol – La Muerte Del Sol

Me costó escribir sobre esta banda, aunque tenía mucho por decir (ya se darán cuenta de por qué digo esto). Más que una reseña, lo que sigue a continuación es una anécdota.
La Muerte del Sol es una banda de rock pesado formada a fines del 2016 en San Miguel de Tucumán, está integrada por Sebastián “Tigre” Valdez (ex Cabo de Hornos), Ezequiel Gómez (ex Delphoz) y Charly Carabajal (ex The Sin’s Name).
Tuve la suerte de verlos en vivo un par de veces, y como dije más de una vez, fue amor a primera escucha. A los chicos los conozco de hace años de la misma escena tucumana, pero tuvimos más cercanía cuando les hice una nota para TucumanRock.com. Es ahí cuando empezó una cierta amistad y estuvimos más en contacto con Charly, quien me mantenía al tanto de la banda, de las grabaciones del disco y demás.
Pasó largo tiempo sin saber de ellos, hasta que me crucé con Charly y le pregunté en qué había quedado la grabación del disco y me contestó: “ya lo tenemos desde hace rato pero estamos parados por cuestiones personales. Ya te lo voy a hacer llegar para que lo escuches”. Después de unos días cumplió con lo prometido.

Tenía mucha ansiedad de escuchar, sabiendo que me encantaba lo que hacían y aún más sabiendo que el genio de Ramiro Rodriguez estuvo tras los controles. Puse el CD en el auto y empecé a escuchar el sonido perfecto de una bata prácticamente envolvente y hasta hipnótica hasta reventar con un riff que me remonta a Sabbath, pero más moderno, se trataba de “El Juego de Matar”, el tema que abre el disco; empecé a sentir como se me erizaba la piel a medida que escuchaba este temazo.
Más allá de la poderosa música de la banda, es algo llamativo escuchar la voz de Charly y su manera de unir todo y dar forma a todo esto. Es agresiva y ácida, pero tiene el poder de transmitir con claridad sus líricas sin perder la melodía y la crudeza. Por otro lado, es inevitable mencionar la colosal base rítmica que poseen, cada cosa está tocada y arreglada para que todo funcione de manera efectiva, cada uno de los músicos aporta el ingrediente exacto para mantener el equilibrio en la banda, y por supuesto esto se refleja en su resultado final.

Si bien todo el disco está excelente, “Lluvia Negra” es uno de mis favoritos, es que tiene tanta fuerza que es inevitable contagiarse de su Sludge groovero. Cuando arranca el tema y Charly dice “El infierno está seco y los demonios aquí” seguido de una poderosa descarga, le ponen el sello de garantía a su material. La dinámica de sus composiciones aporta progresiones fantásticas, con la sazón justa para no empalagar. “Claroscuro” es quizás, el tema más progresivo del disco, pero esto no queda ahí, también está plagado de ingredientes de Post Metal. Es un tema oscuro, inquietante por momentos, que llamará tu atención a cada segundo manteniéndote expectante y sorprendiendo en todo el transcurso de la pista. Aquí el Tigre se luce con sus arreglos y cortes de manera excelsa.

El cuarto tema es el que le pone nombre a la banda y al disco, “La Muerte del Sol”, el tema más tranquilo y oscuro de la placa. Es innegable los tintes a Alice in Chains que posee, donde el bajo de Ezequiel es la vedette en ésta pista súper elaborada. Tiene de todo un poco: vehemencia, melodía, progresiones austeras, arreglos de cuerdas, en fin… Es pura belleza. Cabe mencionar que aparte de la excelente producción de Ramiro Rodríguez para MusicCorp Studio, el mastering se realizó en Rain City Recorders (Vancouver, Canadá) y estuvo a cargo de Stuart McKillop (Comeback Kid, entre otras). Esta data es algo importante al escuchar el poderoso y contundente sonido de esta obra de arte. El diseño de la portada estuvo a cargo de Gregorio Villagran, y refleja mucho de la música y de la banda.

“Entremorir” arranca de golpe y en seco, con una frase que me quedó grabada en la cabeza: “¿en donde más se esconde, tras la tormenta el hacedor del fuego?”, el tema es energía pura desde el primer segundo haciendo mover la cabeza en toda su duración, pero la frutilla del postre está a en el minuto 2:21 con un cambio generado con una guitarra que roza con el Death Metal, pero con un tiempo pesado y fangoso, ¡increíble!

“Mandrágora” es para mí el tema con más llegada, me refiero a su excelsa melodía que te cautiva de entrada, si bien el tema comienza con mucha vehemencia, con tremendos riffs y arreglos… Lo genial de este temazo, sin lugar a dudas es ese estribillo pegadizo que me quedé repitiendo desde la primera escucha, cuando dice “¡Jamás, jamás podrán encajonarme!”. Sin mencionar aún, las tremendas líneas de bajo de Ezequiel y el monumental punteo del final, esto es un hit por donde se lo escuche.

Y como si esto fuera poco, para el final está “Circus”. Groove, sería el común denominador de esta patada en el pecho hecha tema, todo el tiempo está bien arriba sin darte respiro. La lírica y la forma de cantar de Charly van de la mano en todo momento destacando con distintas intensidades las palabras justas para hacerte poner la piel de gallina. Un cierre fantástico para un discazo insuperable.

Después de escuchar esta maravilla, me contacté con Charly y le pregunté por qué el disco quedo ahí y no hicieron nada más, el me respondió que fue por problemas personales y por falta de tiempo. Fue ahí cuando les propuse ayudarlos ya que para mi era un despropósito que esta genialidad quede en la nada. A los días Charly me habló y me propuso ser su manager, como negarme a tan hermoso trabajo y más aún cuando se trata de una banda a la cual admirás.

Disfruten esto, dentro de poco tendremos más de ellos, ¡¡¡se los aseguro!!!! Enjoy

Lista de temas:

1. El Juego de Matar 04:16
2. Lluvia Negra 03:20
3. Claroscuro 04:04
4. La Muerte del Sol 05:46
5. Entremorir 03:32
6. Mandrágora 04:35
7. Circus 05:02

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Jinjer – Macro

En menos de 10 años, esta máquina demoledora de Metal Progresivo de cuatro piezas ha forjado su propio lugar en el paisaje del Heavy Metal. Si bien la banda es de un país que no es exactamente conocido por sus exportaciones de Heavy Metal, Jinjer se supo hacer un lugar en la escena mundial. Su segundo álbum Cloud Factory contribuyó a catapultarlos a la fama internacional. A principios de este año, la banda lanzó un EP titulado Micro, y nos dio un pantallazo de lo que se venía, esto podría clasificarse como música metal de próxima generación. “Macro” es la continuación de ese genial EP.

La placa comienza con “On the top”, que trae consigo un montón de momentos extraños y un ambiente djent y hasta incluso hardcore. Los patrones y estructuras son bastante únicos, los cuales ya son un sinónimo de la banda, cómo su estilo característico. La gente hoy en día busca cambios, algo fuera de lo común, algo refrescante, creo que esto es uno de los secretos del éxito de la banda.

La siguiente pista es “Pit of Consciousness”, donde Roman y Eugene son los arquitectos detrás de este sonido único, tienen una estructura estrechamente elaborada que se complementa entre sí sin mucha aglomeración. Las guitarras le dan la esencia djent y el bajo proporciona un elemento progresivo al sonido. Ambos van de la mano para crear el sonido de Jinjer y están completos cuando se combinan con el estilo distintivo de la bata de Vlad . Su estilo es diferente a cualquier otro y llena los espacios con clase, donde la imaginación de este músico juega un papel fundamental en la banda.

“Judgement (& Punishment)” tuvo muy buenas críticas cuando fue lanzado en Youtube. Su excelente cantante, Tatiana muestra su rango de voces y su capacidad para cambiar de limpio a áspero con solo un guiño. Mucha gente ya ha clasificado esta canción como Reggae Metal y no puedo estar más de acuerdo. La canción “Retrospection” toma un enfoque diferente. Comienza en una lengua nativa con un ambiente frío, casi celta y se vuelve más pesado a medida que avanza la canción, con harto groove. El álbum se vuelve más pesado a partir de que “Pausing Death” comienza a sonar y cambia los engranajes de Djent a Groove Metal.

Tiene una parte limpia y progresiva de la segunda mitad que suena y se siente familiar para algunas de sus pistas del EP y álbumes anteriores. Las líneas de bajo de Eugene brillan intensamente en “Noah”, trae un tono familiar como se escuchó en sus álbumes anteriores como Cloud Factory. La estructura se vuelve un poco predictiva a partir de este momento con las primeras mitades pesadas y las segundas mitades melódicas y jazzísticas. “Home Back” salta dentro y fuera de los elementos de Jazz haciendo de este un verdadero tema híbrido de Jazz y metal moderno.

“The Prophecy” comienza brutalmente pero se suaviza a través de su progresión. La canción de cierre “LanniereP” es una canción atmosférica que repite una melodía de “Micro”. En caso de que se pregunten qué canción del EP se trata, lean ese título al revés o contra un espejo.Con aproximadamente 41 minutos de duración, este es un registro de larga duración con un tiempo decente. Es una especie de continuación del EP con muchas detalles que conectan a ambos. También es un registro muy experimental. Se acuñó el término de una canción llamándola Djazz y, para ser sincero, eso es exactamente lo que clasificaría este álbum. Hay muchas de sus esencias que evidentemente fluyen a través de varias pistas, ya sea en las guitarras, patrones de batería o incluso en el estilo de vocalización. El punto en contra que tendría a mi parecer es la carencia de canciones emocionales que enriquezcan y sorprendan.

En conclusión, Jinjer continúa cautivando al público al sacar un metal contundente infundido con jazz como nunca antes. Macro será devorado por el público de todo el mundo, se los aseguro.

Macro es otra obra maestra experimental contundente de Jinjer que continúa consolidando su lugar en el mundo del metal moderno. Si bien carece de la emoción de su predecesor, lo compensa con una hibridación infundida con jazz y hasta reggae como nunca antes.

Lista de temas:

1. On The Top 05:28
2. Pit Of Consciousness 04:12
3. Judgement (& Punishment) 04:19
4. Retrospection 04:24
5. Pausing Death 04:44
6. Noah 04:13
7. Home Back 04:20
8. The Prophecy 04:01
9. lainnereP 05:28

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Husbandry – A Port in a Storm

Hace un largo tiempo que vengo recomendando esta banda, cuando salio su primer disco Fera o su excelente EP Bad Weeds Never Die . Es que Husbandry, es una de las bandas más originales en la faz de la tierra. Sera por la forma tan peculiar de componer o por esa espectacular voz versátil de Carina Zachary? No lo se…, lo que si se es que esta banda sabe lo que hace, y lo hace con calidad y total profesionalismo. “A Port in a Storm”, es el nuevo álbum de la banda, el cual esta lleno de sorpresas sonoras que son dignas de ser escuchada con atención.

Pienso que hay varias razones del porque esta banda suena tan bien, no se encasillan en ningún estilo en particular, la mezcla de raíces e influencias de cada uno de sus integrantes ( EE.UU., España y Republica Dominicana) le aporta un particular sentido de composición a su música y todo esto sumado a que están radicados en Broocklyn (de ahí salieron bandas como Living Colour, Candiria, Biohazard, Beastie Boys, por mencionar algunas), no son datos menores.

Ocho canciones contiene esta nueva placa, plagada de adrenalina progresiva. El trabajo vocal de Carina es increíble, desde los arreglos pasando por los coros creando una experiencia auditiva sumamente interesante. La ejecución de los instrumentos por parte de sus músicos es de absoluta calidad, si no escuchen el tema de apertura “Lupus Dei” o la enérgica “Your Weight in Gold” con algunos coros de su bajista Arnau Bosc.

Temas sin una estructura definida que se amalgaman en trances de post rock y post punk donde el ingrediente fundamental son las cuerdas vocales de Zachary dándole coherencia a este licuado musical. El rock y el metal están tratados aquí de una forma tan singular y atractiva que va ser imposible que algún momento se aburran de su música.

Por mucho que pueda decir sobre los aspectos únicos o diferentes de la música de Husbandry, también puedo asegurarles que su música es muy accesible por derecho propio, en la medida en que creo que este álbum puede encontrar fácilmente un amplio audiencia y variada. Es una banda que merece una audiencia amplia y abiertos de mente al escuchar. “Smile With Teeth” es un temas que pueden dar testimonio de lo que les digo, el uso de un saxo en mitad del tema generan texturas y ambientes realmente atractivos para el oído.

El progresivo y poderoso “Ghostload” consta de una base rítmica contundente generada por los golpes de Andrew Gottlieb y el aplastante bajo de Arnau los cuales le aportan la dosis justa de contundencia. El trabajo de Jordan Usatch es de no creer, es una maquina de tirar riffs grooveros que entrelaza de manera espontanea ataques progresivos y sincopados, dando a luz temas como “Velvet Noose” o la alternativa “The Bells of St. Clements”.

La interacción instrumental entre el guitarrista Jordan Usatch, Arnau Bosc y el baterista Andrew Gottlieb es vertiginosa e impresionante. La capacidad de incorporar ganchos poperos de manera fluida junto con los momentos característicos del hardcore, por darles un ejemplo… Como frutilla de la torta esta “Woke Dreams” para cerrar esta obra de arte, creo que es lo mas sencillo que escuche de ellos, con un estribillo monumental y tan pegadizo que lo estarán tarareando por días…

Que mas puedo decir de este bandon que no haya dicho, lo único que les puedo asegurar que Husbandry es de esas bandas que no te defraudan en lo mas mínimo, una banda de la que nunca te vas a cansar, una banda con una riqueza musical muy pocas veces escuchada para los tiempos que corren. Enjoy

Lista de temas:

1. Lupus Dei 03:28
2. Your Weight in Gold 06:18
3. Bête Noire 04:18
4. Smile With Teeth 04:50
5. Ghostload 03:36
6. Velvet Noose 05:55
7. The Bells of St. Clements 03:46
8. Woke Dreams 07:28

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Tool – Fear Inoculum

La espera de 13 años llego a su fin, Fear Inoculum esta entre nosotros, el nuevo y tan esperado álbum de Tool. En estos días he leído y escuchado muchas y diversas opiniones sobre este disco, algunas a favor y otras en contra. No es ningún secreto que a Tool le gusta crear una experiencia completa para el oyente, que a menudo requiere múltiples escuchas para poder sumergirte completamente en la comprensión y creo que con este nuevo disco tuve que hacer eso para llegar al fondo de la cuestión. Lo cual no fue fácil escuchando y leyendo dichas criticas “fundamentadas”, y viniendo de gente que realmente ama esta banda. Tuve mis prejuicios al principio, pero al final vi la luz al final del pasillo. Aquí les dejo mi punto de vista…

La cuestión es que habiéndonos hecho esperar tanto tiempo a sus fans, ¿podrán crear algo que coincida con las expectativas? Todos esperan una continuación de Aenima, pero la gente cambia, el mundo cambia, las costumbres cambian, y para que una banda pueda evolucionar también necesita cambios y experimentación que oxigenen su música y poder dar rienda suelta a nuevas composiciones.

Pulsé play y escuché la guitarra de Adam Jones transformándose de un crujiente imitador de violonchelo en algo más reconocible de Tool, provocando suavemente la apertura de la canción principal, “Fear Inoculum”, mientras que el resto de la banda amenaza con aparecer, hasta que finalmente todos emergen en un comienzo impresionante. Una obra maestra, larga y en constante evolución, no hay mucha exaltación aquí, puesto que utilizan la moderación como elemento predominante.

Pneuma” sigue de manera similar, con un riff de Jones bellamente limpio que se abre antes de que Maynard James Keenan entre con un patrón vocal punzante y rítmico. Nuevamente, se teje en todo tipo de direcciones, como patrones de respiración aleatorios, podría decirse que se siente hasta como un organismo vivo en lugar de una canción. Luego, el bajo de Justin Chancellor te golpea en el pecho, entra un riff resonante marcando el típico pulso de Tool. La calma de Keenan le da al álbum una escandalosa densidad y un verdadero peso emocional. Podrán sentirlo en el melancólico canto de “Descending”, donde Keenan canta una maravillosa linea vocal sentida, la cual esta precedida por un sintetizador que yuxtapone el ruido industrial con el sonido del agua al comienzo de la pista.

“Invincible” es probablemente lo más parecido a un sencillo aquí, a pesar de sus casi 13 minutos de duración, es un tema que tiene de todo un poco, bajos demoledores, riffs cabeceadores, clímax y la fantástica composición vocal de Keenan (debo confesar que me hubiera gustado algún tipo de explosión llegando al final de la pista). En “Chocolate Chip Trip”, se ve a Tool experimentando con electrónica, sobre la cual Danny Carey hace unos, mas que interesantes, dibujos y descargas de batería como si se tratase de un tema de Fantomas (salvando las distancias) hasta llegar a “7empest”. Aquí hay algunas cosas que me recuerdan a Cold And Ugly de su EP debut Opiate, es el punto más alto del disco, indudablemente el momento más pesado y enérgico, con un Keenan sonando realmente fantástico. El trabajo de Adam en este disco es sublime, mas que nada, en este ultimo tema.

La verdad es que cada miembro aporta algo único, la guitarra camaleónica de Jones, los notables ritmos africanos extravagantes de Carey y el contundente sonido lúcido de Chancellor, toman el mando en diferentes puntos, durante cada movimiento. Aunque la presencia de Keenan no es tan pronunciada como antes, su destreza vocal sigue siendo de otro mundo. Asumió un papel diferente aquí, esta vez enfatizo una linea vocal más angelical que encontrarías en A Perfect Circle que los gritos pesados clásicos a los cuales nos tiene acostumbrados en esta banda.

En rasgos generales, es innegable la adición de abundantes sintetizadores. Escucharán que es como el factor común del álbum, a veces llenando espacios ambientales, a veces como el instrumento que lleva la melodía, y otras veces creando un ambiente que se asemeja al soundtrack de una película. Esto crea una nueva esencia para el creciente sonido de Tool, de una manera que sus pistas ambientales nunca antes habían sonado.

Contiene la progresividad de sus últimos dos álbumes, conserva el sonido característico de Tool, pero se extraña el agresivo ataque instrumental de sus primeros dos álbumes, es sobrio y austero a comparación de los otros. A su vez tiene tantas capas, y con tanta profundidad, que se siente aun prematuro como para agudizar sobre el mismo. Pero lo que no se puede negar es que este enigma se siente como una justificación de por qué el mundo nunca se cansó de la música de Tool. Enjoy

Lista de temas:

1. Fear Inoculum
2. Pneuma
3. Invincible
4. Descending
5. Culling Voices
6. Chocolate Chip Trip
7. 7empest

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Jinjer – Micro

La formación ucraniana Jinjer, capitaneada por la carismática vocalista Tatiana Shmailyuk, han decidido publicar un EP de cinco temas, intentando así aplacar las ansias de sus fans por material nuevo tras la edición de su último disco, King of Everything de 2016.
Quienes conozcan a la banda, o la estén descubriendo recientemente, no saldrán decepcionados de ninguna manera, por todos los elementos que Jinjer utiliza, temas agresivos, técnicos y complejos, de influencias metalcore con toques djent y progresivo, y la fascinante voz de Tatiana siempre al frente, mezclando las voces mas dulces con las guturales.

El EP se hace corto y deja con ganas de más, y los temas incluidos no dan la sensación de ser descartes o relleno de trabajos anteriores. Comenzando con “Ape”, un arranque poderoso y retorcido, al que sigue “Dreadful Moments”, el tema que me ha parecido más redondo de los cinco, oscuro y emocional, con Tatiana tirando de todos sus recursos melódicos. Tras este, en “Teacher, Teacher!” bajan un poco el ritmo, con un tono más nu-metalero y una parte final algo más relajada y limpia que va creciendo hasta el final.

En “Perennial” vuelve la rabia, con un inicio demoledor que da paso a unas bases dinámicas que sobresalen a lo largo de todo el tema. El EP culmina con “Micro”, un instrumental de poco más de minuto y medio que funciona perfectamente como outro. Se trata de una corta y relajante melodía a base de tapping sobre una percusión minimalista que sirve para cerrar el trabajo de una forma dulce tras tanta agresividad. Todos los músicos están a un nivel excelente y se complementan a la perfección, resultando imposible destacar a alguno sobre el resto, tanto Tatiana a la voz, como Eugene al bajo, Roman en la guitarra y Vlad a la batería están brillantes en su labor, y aquellos que disfruten de la música técnica babearán con los intrincados ritmos, riffs y arreglos que se despliegan en cada uno de los temas.

El problema, por ahí, es que intentan meter demasiadas cosas en cada tema y no repetir patrones, pasando por alto la inestimable belleza de la sencillez, un mal bastante presente en formaciones de músicos con un nivel técnico alto. Los temas se disfrutan enormemente, pero resultan demasiado frenéticos y, para los que no están acostumbrados, necesitaran varias escuchas para asimilarlos. Aunque los temas son muy buenos ninguno tiene vocación de single, acusando todos ellos un exceso de complejidad y ausencia de riffs o estribillos pegadizos, de esos que se te meten en la cabeza y acabas tarareando todo el día. Son esos detalles los que hacen que una banda suba un nivel en popularidad, y aquí no los hay.

Puede que ese sea precisamente su objetivo, pero bue… Opino que es algo que deberían haber intentado en al menos uno de los temas de este EP, crear algo un poco más accesible al gran público, ya que Jinjer es una banda que cuenta con unos elementos tan claros para escalar posiciones en los carteles y llegar a un público más amplio (especialmente por la capacidad de Tatiana de pasar fácilmente de registros extremos a otros más accesibles) que deberían aprovecharlo.
En cualquier caso, es un trabajo excelente que te deja esperando con muchas expectativas un disco de larga duración. Enjoy

Lista de temas:

01. Ape
02. Dreadful Moments
03. Teacher, Teacher!
04. Perennial
05. Micro

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Periphery – IV: Hail Stan

Debo confesar que el Djent me tenia algo aburrido, no se si por tantas bandas que sonaban iguales a otras o por la falta de experimentación de las mismas en encontrar su propio camino dentro del estilo, la verdad es que los tenia a un lado de mis escuchas. Cuando me entere de que uno de los pioneros y co-fundadores del célebre movimiento había editado un nuevo trabajo, decidí de que era el momento de ver si esta banda me tapara la boca con un buen disco después de tanto tiempo sin escucharlos.

Y si… Periphery han demostrado con IV: HAIL STAN, que han podido superar y dejar a un lado todo tipo de encasillamiento estilístico. Este disco muestra una visión sonora de la banda bastante más amplia, demostrando que siguen estando en plena forma, y su fertilidad creativa esta muy lejos de desvanecerse.

IV: Hail Stan es una joya, su nombre deriva de un juego de palabras, también se han permitido dar el lujo de abandonar Sumerian Records, para lanzar su propio sello, 3DOT Recordings. Es a través de éste que se publica IV: Hail Satan… digo Stan, el cual ha sabido adaptarse al mercado actual sin esfuerzo alguno. Entre el grupo, proyectos paralelos y sus quehaceres personales, sus integrantes no tiene tiempo para aburrirse, y parece que esta rutina les funciona a las mil maravillas.

El álbum es relativamente variado. Encontramos canciones muy pesadas como “Reptile”, “Blood Eagle” y “CHVRCH BVRNER”, otras mucho más suaves como “Garden in the Bones”, “It’s Only Smiles” y “Crush” y algunos a tempos medios como lo son “Follow Your Ghost”, “Sentient Glow” y “Satellites”. En la variedad está el gusto, y como resultado, no solo pisan nuevos territorios, sino que también los conquistan.

Lo que más destaca de este trabajo es su fuerte coherencia, la banda no deja que la técnica lleve la voz cantante sobre la musicalidad de las composiciones. Las baterías de Matt Halpern son, simplemente, espléndidas. El tipo le mete duro a mas no poder, al mismo tiempo que hace cosas sumamente elaboradas y nos enseña miles de nuevos matices. El sonido es maravilloso y la mezcla acentúa aún más la calidad de su excelente rendimiento.

Por cierto, la mezcla es bellísima. La producción lleva el sello de su guitarrista Misha Mansoor y del que hasta hace un par de años fuera su bajista, Adam Nolly Getgood, el también es quien se ha encargado de la mezcla. Los tonos de guitarra son hermosos, mientras que el bajo es, como siempre, monstruoso. Sin embargo, el aspecto más destacado del álbum es la interpretación vocal de Spencer, que alcanza nuevas cotas, y los sabrosos riffs de Mark Holcomb, que dotan a la mezcla de un sabor más que suculento.

IV: Hail Stan es un bello torbellino dinámico. Su abrupto y sorpresivo abridor de casi 17 minutos de duración que cambia gloriosamente de forma a medida que avanza. “Reptile”, así es como se llama esta maravilla, 16:44 minutos que se mueve astutamente entre detalles que te dejan con la boca abierta, soberbios ganchos vocales y repleto de groove rítmico.

Sin embargo, también es justo decir que el sonido que Periphery ha logrado que en esta nueva obra sea mucho más musculoso que de costumbre. Un buen ejemplo de ello es “Blood Eagle”. Este temazo es una aplanadora repleta de afilados ritmos que poseen una sincopación, ese típico golpeteo Djent que emana de las siete cuerdas de las guitarras, que podría incluso encajar perfectamente en cualquier disco de death metal.

Podría decirse que la banda ha puesto toda la carne en el asador y nos han entregado todo lo que tenía en su arsenal… y quizá algo más. Entre “Follow Your Ghost”, “CHVRCH BVRNER”, que por momentos me recuerda a The Dillinger Escape Plan, y la Meshuggajica “Blood Eagle”, que nos aplasta la cabeza contra el suelo. Pero la banda tiene otros ases en su manga. En “Crush” experimentan con ritmos y música electrónica, y en “It’s Only Smiles”, Periphery nos muestra cuán lejos ha llegado la banda como compositores. Utilizando solo su voz limpia, Sotelo brilla en lo que quizá sea la melodía más accesible hasta la fecha dentro de su catálogo. Su enorme melodía y gancho, la convierten en la que quizá sea su canción más comercial, en la más dirigida al gran público, que jamás hayan creado.

Estamos ante su álbum más pesado, a los fans de toda la vida les va a encantar, y como suele decirse en estos casos, estoy seguro de que va a atraer a nuevos oyentes que harán engrosar su lista de seguidores.

Unos de los líderes indiscutibles del movimiento Djent han publicado exactamente lo que se esperaba de ellos, y los amantes del metal progresivo tienen ante sí otro álbum para enmarcar. IV: Hail Stan mezcla metal progresivo, orquestaciones y elementos electrónicos con un exquisito buen gusto, lo que lo convierte en una excelente adición a la discografía de la banda y en un claro aspirante a Disco del Año 2019. Enjoy

Lista de temas:

1. Reptile (16:44)
2. Blood Eagle (5:58)
3. CHVRCH BVRNER (3:41)
4. Garden in the Bones (5:57)
5. It’s Only Smiles (5:33)
6. Follow Your Ghost (5:24)
7. Crush (6:49)
8. Sentient Glow (4:28)
9. Satellites (9:25)

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Moon Tooth – Crux

Desde que escuche su primer EP, no le saque los ojos y oídos de encima a esta banda, lo que hacen es de otro planeta, algo fresco, pesado, progresivo y melódico a la vez. Con la llegada de Chromaparagon, confirme mi amor a ellos; y ahora con la llegada de “Crux”, debo decir que se han convertido en una de las bandas mas importantes del metal contemporáneo. Crux es una notable evolución de la banda, aquí le sacan mas provecho a los riffs y a las melodías pegadizas y dan rienda suelta a bases monumentales sin cargar los temas con tantos arreglos. 100% de creatividad

La producción, otra vez estuvo a cargo de gran baterista Ryan Marté, con la ayuda de Mark Morton en la pre producción en el Machine (estudio de los LOG). Sin duda alguna esta producción le dio a Crux un brillo incandescente enorme. El tono de la guitarra es más poderoso que nunca, la batería suena clara y contundente, y el bajo tiene muchas texturas y presencia, incluso cuando las cosas se ponen mas heavy.

El álbum se pone en marcha con “Trust” (su primer sencillo), un tema que golpea sin piedad con una base rítmica demoledora, donde Nick Lee no deja de hacer cosas que nunca antes había escuchado con su viola. Por otro lado John Carbone esta mas filoso y emotivo que nunca. Su rabia y su potencia se hacen sentir a lo largo de la placa.

Cuando escuche por primera vez “Omega Days“, me trajo a la memoria a los Jane’s Addiction, quizás sea por esa influencia alternativa que tiene el tema, con una vibra muy positiva. Carbone se supo superar notablemente como cantante desde Chromaparagon. Su voz suena potente y dominante en todo momento. Uno de mis temas favoritos es “Through Ash”, las emociones afloran de manera permanente en esta pista, tiene una marcada base rítmica al principio (el cual te obliga a seguirlo con la cabeza), sobre la cual se dibujan hermosas notas de guitarra que se aglomeran con formidables lineas de voces, un manjar de 5 minutos que cada vez que lo escucho espero que nunca acabe.

En “Musketeers”, tiene una onda mas punk-rock con un contagioso estribillo, muy a la onda Foo Fighters. Si algo me gusta de esta banda es la forma inesperada en que contorsionan sus influencias, no son predecibles en absoluto, a cada paso te van sorprendiendo y su vez denota la versatilidad de la banda. Lo no convencional es el atractivo de la banda y el factor común en cada disco. “Thorns” tiene una melodía tan pegadiza que lo estuve tarareando por horas una vez que lo escuche. Por otra parte la colosal cimentación de Ray Marté y el bajista Vincent Romanelli, dan cátedra de contundencia con cortes y bases maravillosas. La apertura de “Rhythm and Roar” es un ejemplo perfecto de cómo rinden homenaje a su evidente amor por Hendrix, por ejemplo… El riff es una versión creativa de algo antiguo, pero, lo que es más importante, la canción avanza y se convierte en algo completamente nuevo y distinguido.

Para “Motionless in Sky”, posee una introducción “Madostonica”, las emotivas notas de Carbone mezcladas con melodías inquietantes de Lee, da como resultado un tema muy espacial dotado de una alta gama de colores y bellos matices. Luego esta “Thumb Spike”, algo totalmente diferente. un tema mas poguero y desenfrenado donde el bajo de Vincent, te hará sacudir la cabeza constantemente.

Escuchando por primera vez la intro de “Awe at All Angles”, pensé que se trataba de un tema tranquilo, pero de repente explota tomando la velocidad necesaria para hacerte levantar de la silla haciendo “air-guitar”, en un temazo con mucha adrenalina, con algunas cosas del pop-punk, mas que nada en el estribillo. En la penúltima pista, que le da el título al álbum, el cielo se tiñe de gris en una emocionante balada psicodélica que va tomando vuelo hasta un punto donde un Death Metal, voraz y agresivo te golpea en el pecho con gritos desgarradores. Una de las mejores pistas del disco, infernal!!! “Crux” me hubiera gustado que sea el tema de cierre, pero en su lugar esta “Raise A Light (Epilogue)”, el cual irradia una energía vigorosa, sin perder de vista lo emotivo.

El enfoque de Crux hacia algo mas simplista, emotivo y melódico pondrá a esta banda en lo mas alto del rock progresivo actual (estoy seguro que así será). Aquí abundan los grooves, la piel de gallina se apodera de cada nota emotiva de Carbone. Lo atípico y el desorden encuentra el lugar correcto donde instalarse para darle forma a esta maravilla de 11 temas. Debo decir que se han perfeccionado disco a disco, ojalá sigan así. Enjoy

Lista de temas:

1.Trust 04:35
2.Omega Days 03:00
3.Through Ash 05:07
4.Musketeers 03:30
5.Thorns 03:52
6.Rhythm & Roar 02:42
7.Motionless in Sky 05:33
8.Thumb Spike 03:34
9.Awe At All Angles 04:02
10.Crux 04:53
11.Raise A Light (Epilogue) 02:53

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Fughu – Human (The Tales) – Human (The Facts)

Fughu es una banda de metal progresivo, tiene muchas cosas modernas pero también tiene otras clásicas, siendo las modernas con más peso en la balanza, la banda estuvo formada por Santiago Bürgi (voz), el cual fue reemplazado por Renzo Favaro en la actualidad, Juan Manuel López (bajo), Alejandro López (batería), Ariel Bellizzio (guitarras) y Marcelo Malmierca (teclados). El nombre de la banda proviene del famoso pez globo, el cual se dice que es un manjar pero que debe ser preparado con mucho cuidado debido a su letal veneno. Conocí a esta banda y su gran disco gracias a un amigo que me lo recomendó y me pasó esta doble belleza llamada Human (The Tales) y Human (The Facts), y la verdad que me sorprendí ante esta maravilla y aun mas cuando me entere que era Argentina.

The Tales comienza con un tema muy oscuro pero emotivo a la vez, llamado “The human way” con una labor vocal impresionante de Santiago Bürgi , tenor de voz potente y aguda, le da ese toques de opera al tema sobre colchones de teclado, el cual me trae a la memoria a Queensrÿche. Ahí nomas esta “Inertia”, una pieza algo mas calma al principio, para luego pasar a algo mas intenso a la mitad del tema. “Dry Fountain” es algo mas lánguida, con una atmósfera tranquila, creando un clima interesante antes de la electrónica “Twisted Mind”, un bajo groovero te hace cabecear durante unos minutos en el comienzo para luego explotar con una base de melodía estilo rock que luego muta al progresivo con la suma del teclado dándole a la canción un poco mas de power.

En “Goodbye”, el vocalista refleja una angustia que se escucha con claridad, mientras que la banda por detrás le va aportando las distintas intensidades. Utilizan una dinámica muy eficaz, de lo silencioso a la ruidoso en “Evil Eyes” en las que el tecladista y el guitarrista se separan en una sección instrumental excepcional. Esta primera parte culmina con “Mayhem” uno de los temas mas largos de este disco (8:50), muy progresivo con melodias penetrantes y siniestras al estilo opera trágica, con excelentes solos de guitarra.

The Facts arranca con “Void” con unos susurros lentos y en tonos graves, que van tomando velocidad a medida que se van sumando los instrumentos, el cual se va transformando en un tema mucho mas pesado que al inicio. En “Quirk Of Fate”, está invitado el vocalista Damian Wilson ( Headspace, ex Threshold), que se destaca notablemente en su performance en una tremenda pieza de rock melódico, el cual posee un video increíble, muy a la onda Tool. Para no quedar atrás de Wilson, Santiago retruca con una imponente labor vocal en ‘”The Play”, mientras que en “Climb” la banda se complace con una introducción al mejor estilo Camel.

En algún momento pensé que “Vater” era una especie de preludio atmosférico pero a mitad del tema las cosas cambian, entregando algunas líneas operisticas en alemán, con una base pseudo electrónica dándole mas color y texturas a la placa. “Winter”, es una pieza melódica, casi sinfónica, que se divide en cambios de tiempo bien progresivos y un hermoso final de teclado. “The Till day i die” es el tema más corto (1:58) con una voz desganada mezclada con murmullos agudos, da una sensación lúgubre a la pista. El álbum cierra con “The Facts” canción que le da nombre a este disco, y al igual que el anterior, Fughu deja para el final su canción más extensa, tirando toda la carne al asador con riffs asesinos y arreglos descomunales.

Ambos discos son una obra de arte delicadamente diagramada con una exquisita labor instrumental, y una voz maravillosa que transmite muchísimas sensaciones y emociones. No hacen las cosas a medias. Además de lanzar dos álbumes separados como un álbum doble, ambos álbumes llevan el peso adecuado para hacerle frente a cualquier banda de afuera.

Me siento orgulloso y asombrado al ver y escuchar una banda de tal magnitud de mi país, no solo por el potencial y la imaginación, si no también por la garra y el esfuerzo que significa hacer una obra de tal envergadura. En lo personal estaría bueno que hayan otras u otra voz quizás algo mas agresiva o gutural, para generar mas herramientas que enriquezcan su música. Cabe destacar que tocaron con Dream Theather en el Luna Park e hicieron una exitosa gira por Europa, para aplaudir de parado….

Nos queda esperar el ultimo disco que esta a punto de salir, ansias a full… Sin mas que decirles les dejo esta belleza. Enjoy

Lista de temas:

Human: The Tales

1. The Human Way
2. Inertia
3. Dry Fountain
4. Twisted Mind
5. Goodbye
6. Evil Eyes
7. Mayhem

Human: The Facts

1 Void
2 Quirk Of Fate
3 The Play
4 Climb
5 Vater
6 Winter
7 Till The Day I Die
8 The Facts

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