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CapotonFurioso

Este blog esta destinado a compartir musica e información de bandas y solistas. Enjoy

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mayo 2018

Graveyard – Peace

Daba por hecho la triste noticia de que Graveyard se habían separado en 2017, pero no, la banda volvió mas fuerte que nunca, aunque hayan perdido a su batero fundador Axel Sjöberg, han sabido retener la energía y la vitalidad de la banda ante cualquier pronóstico.

El puntapié inicial lo da “It Is not Over Yet“, una pista con mucha fuerza y una base rítmica bien marcada por Truls Mörck (bajo) y Oskar Bergenheim (batería). La actuación de Oskar en esta canción y el resto del álbum es excepcional, con grandes cortes y rulos florecientes. La acústica natural del sonido de la bata es refrescante y se a convertido en un elemento fundamental de la banda.

El remolino de riffs de guitarras y las cuerdas vocales raspadas con whisky de Nilsson dan vida a “Cold Love“. Por momentos la voz me trae a la memoria a grandes cantantes como lo son Robert Plant o Ian Gillian. Sus influencias son notables, pero están lejos de ser una copia, muy lejos. Su música se basa en sus propios méritos rockeros que mezclan el blues con los riffs del soul mas puro. El primer single lanzado de “Peace” es “Please Do Not“, una canción brutal. Un mazazo que haría perder la cabeza a cualquier stoner.

Una de las mejores canciones de este álbum y quizás una de las mejores escritas por Graveyard es “Walk On“. Cierren los ojos, y podrán sentir el ritmo que te envía a un viaje manejando por una autopista con solo la luna para guiarte. Los solos de guitarra de Jonatan Larocca-Ramm y Joakim Nilsson mejoran la sensación de volar por el camino buscando escapar con urgencia de la vorágine de la vida cotidiana.

Hay muchas más gemas dentro del cofre del tesoro de Graveyard. La actuación de la banda en este álbum es excelente. El enfoque vintage de Graveyard en la música de “Peace” llena los sentidos con ritmos sinuosos, letras flexibles y ritmos sensuales, una belleza…

Si hay algo que amo de este bandón es ese sonido setentoso que me transporta a mi infancia, cuando mi papá me hacía escuchar sus bandas favoritas que terminaron incluyendome. Logrando emocionarme, al traerme éstos hermosos recuerdos. Si mi papá estuviera hoy aquí, los amaría como yo lo hago. Enjoy

Lista de temas:

01. It Ain’t Over Yet
02. Cold Love
03. See The Day
04. Please Don’t
05. The Fox
06. Walk On
07. Del Manic
08. Bird Of Paradise
09. A Sign Of Peace
10. Low (I Wouldn’t Mind)

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Early Death – The Bleakest Force

Early Death cobró vida como un proyecto paralelo de los miembros de Satan’s Wrath, Costa (guitarra) y Nathan (batería), en marzo de 2012, en Londres. Después de seis meses, la banda estaba casi completa, con un segundo guitarrista y un bajista a bordo. Pero sin un vocalista que pueda ocupar ese lugar, la banda entró en hibernación. Cuando Costa se trasladó a Berlín en noviembre de 2014 quiso rearmar Early Death y comenzó a buscar gente para reactivar la banda. Después de tocar con algunos músicos diferentes y algunos intentos fallidos, Costa encontró la alineación perfecta: el tucumano Marcelo Agguirre en voces (también de Evil Sprit), T.Ngl en batería (también de Drowned / Essenz), Ray en bajo y Dorian en guitarra (también de Essenz / Hermann).

Estos cinco maníacos comenzaron a ensayar y a dar forma a la banda en mayo del ‘2016. Durante los siguientes 12 meses, el qinteto ensambló y grabó este, su primer EP llamado “The Bleakest Force”, el cual consta de cuatro pistas, con toda la intensidad del Thrash y el Death “old school”.

El EP se pone en marcha con un riff oscuro y tétrico, el cuál cambia repentinamente con un riff a lo speed y la voz ácida de Marcelo, como un puño cerrado que te golpea en la cara. Estamos hablando del tema que le da nombre a la placa, el cual no te da respiro, obligándote a sacudir la cabeza inconscientemente en la totalidad de la pista. Como para seguir esta linea veloz se encuentra “Don’t Be Afraid Of The Dark”, un tema directo y contundente, donde la voz se aglomera perfectamente con riffs quirúrgicos y una base rítmica demoledora. Tremendo!!!!

La tercera pista que detona es “The Hanging Clergyman“, donde, guitarras rabiosas van fabricando bloques de grooves contagiosos, con cambios de ritmos que se desplazan en composiciones de gran calidad, haciendo que mis ojos y mandíbula se abran de asombro ante tanta belleza. Para cerrar esta genial mini-placa se encuentra “Reanimation”, un feroz cierre con gritos desgarrantes que oscurecen por completo el alma de este EP, en el mejor de los sentidos…

La producción es uno de los aspectos mas destacados, puesto que la prolijidad de la misma, le permite a la banda sonar actual y ser clara en lo que quiere transmitir. Ojalá que no tarden en sacar su tan esperado LP, esto no hizo mas que dejarme con las ganas de seguir escuchando mas. Lo cual es un buen motivo para repetir la escucha cada quince minutos y hacer que “The Bleakest Force” se me quede tatuado en el cerebro. Sinceramente hacia rato que una banda de este genero me llamara tanto la atención como lo hizo Early Death. Enjoy

Lista de temas:

1.Bleakest Force 03:41
2.Don’t Be Afraid Of The Dark 03:11
3.The Hanging Clergyman 04:39
4.Reanimation 04:32

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Burn The Priest – Legion: XX

El guitarrista Mark Morton, el bajista John Campbell y el baterista Chris Adler formaron la primera encarnación de la banda, llamada Burn The Priest, en invierno de 1994, luego de haber sido compañeros en la universidad de Virginia cuatro años antes. Menos de un año después, durante el verano de 1995, conocieron a Randy Blythe y sumaron al guitarrista Willie Adler (hermano de Chris y sucesor de Abe Spear). El disco debut y homónimo de Burn The Priest, editado el 13 de abril de 1999 a través del sello filadelfiano “Legion Records”, documentó lo que fue, en esencia, una banda de punk haciendo Metal. Luego, la banda mutó su nombre a lo que hoy todos conocemos como Lamb Of God. Ahora la banda retoma su antiguo nombre para editar un álbum de covers de sus mas acérrimas influencias de bandas clásicas del punk clásico; hardcore; crossover, noise y subgéneros del rock que contribuyeron a que Lamb Of God sea lo que es hoy.

Dicho por ellos mismos, “las canciones escogidas para coverear reflejan la historia misma de Burn The Priest”, afirmando que la inspiración que han tenido por parte de éstas y sus canciones continua vigente al día de hoy y están agradecidos porque mantienen viva la llama de LOG.

En “Legion:XX” se puede escuchar esas vibras de hardcore, punk, crossover y hasta sludge que en los 80 sonaba con mucha potencia, sobre todo son traídas a un contexto temporal diferente; han respetado la esencia original de los temas elegidos para este trabajo pero no se limitan a hacer lo que ya se hizo, les inyectan completamente su carácter, haciendo de ellas, mas que covers, versiones muy personales. Es interesante sentirlos tocar estos estilos, fuera de lo común, mas que nada por la naturaleza de la banda.

Hay dos puntos a resaltar de esta experiencia, un mayor uso de voces limpias la cual es acompañada por coros de apoyo, Randy todavía tiene esa potencia, se atreve a experimentar con ella de una manera que nunca antes lo hizo. El segundo, es que “Legion: XX” se encarga de decirnos que aún con casi 20 años a espaldas Lamb Of God, o en este caso Burn The Priest, siguen vivos y con más fuerza que nunca, las habilidades que tienen con sus instrumentos siguen pulidas y en excelente forma.

Algunas de las bandas que son versionadas aqui son: S.O.D., Bad Brains, Agnostic Front, Melvins o Cro-Mags, por mencionar algunas. Cave aclarar que este material no debe ser escuchado ni con oídos sumamente críticos, ni con la idea de encontrarle detalles o arreglos que contrasten frente a lo que han venido tocando con anterioridad, sino que debe ser disfrutado como lo que es: un disco tributo, con versiones muy personales y creativas, que no hace mas que enriquecer la discografía de estos músicos excepcionales. Enjoy

Lista de temas:

01. Inherit The Earth (cover de The Accüsed)
02. Honey Bucket (cover de Melvins)
03. Kerosene (cover de Big Black)
04. Kill Yourself (cover de S.O.D.)
05. I Against I (cover de Bad Brains)
06. Axis Rot (cover de Sliang Laos)
07. Jesus Built My Hotrod (cover de Ministry)
08. One Voice (cover de Agnostic Front)
09. Dine Alone (cover de Quicksand)
10. We Gotta Know (cover de Cro-Mags)

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Alkaloid – Liquid Anatomy

Alkaloid no necesita una introducción, o por lo menos no debería, al menos no en este blog. Pero por si acaso no están familiarizados, estamos hablando “del supergrupo” de death metal, que está compuesto por Morean (Dark Fortress, Noneuclid) en voces y guitarras, Christian Muenzner (Spawn of Possession, Ex-Obscura, Ex-Necrophagist) en guitarras, Danny Tunker (Aborted, Ex-God Dethroned) en guitarras, Linus Klausenitzer (Obscura, Noneuclid) en el bajo y el fabuloso Hannes Grossmann (Blotted Science, Ex-Obscura, Ex-Necrophagist) en la batería. Su lanzamiento anterior, “The Malkuth Grimoire“, fue una verdadera clase magistral en Death Metal progresivo, una épica pieza inspirada en ciencia ficción que abarca galaxias, música increíblemente inspiradora y una excelente producción.

Ya que hemos pasado un párrafo entero presentando un grupo que no necesita presentación, veamos el motivo por el que todos ustedes están leyendo esta reseña: y sí…, “Liquid Anatomy” es tan buena como “The Malkuth Grimoire“, y les puedo asegurar que podría ser mejor incluso.

Son muchos los factores que hacen que “Liquid Anatomy” funcione tan bien pero podemos centrarnos en cuatro puntos principales: la contundente progresividad, una actuación vocal excepcional, un mayor énfasis en el concepto y todo lo demás que ya estaba presente en el álbum anterior.

La progresividad, este elemento te golpea directamente en la cara cuando comienza “Kernel Panic” es cómo si Rush estaría tocando death metal jajajaj. El riff de la guitarra, el papel del bajo, las voces, todo se basa en gran medida en el rock progresivo de los 70. Pero ese no es el único tema en el álbum donde encontrarán estas influencias. Si no escuchen “In Turmoil’s Swirling Reaches”, y presten atención al bajo y a la batería como cambian a contrapuntos, a través de tempos irregulares en medio de composiciones extrañas. En otros lugares del álbum, las guitarras tiran riffs con esa vibra que las bandas clásicas siempre han utilizado. Todo esto se ve mejorado por una actuación aún más poderosa de uno de los elementos ya increíbles que componen Alkaloid, las voces. Naturalmente, Morean y Tunker no son ajenos a la mezcla de voces limpias y duras, pero en este álbum, ese dispositivo clásico se lleva a un nivel mas alto.

En general, las voces limpias son el principal componente de esta obra, con estructuras de versos similares pero frescas. Con esto quiero decir que las voces limpias terminan siendo uno de los elementos más memorables y accesibles del álbum. Pienso que el resultado es tan positivo que hacen que el oyente vuelva por más.

Y así, terminamos en nuestro último elemento, que hace que “Liquid Anatomy” un álbum aún mejor que su predecesor. Estuve buscando las bombas explosivas de Grossmann y sus intrincadas líneas de batería, y encontré cosas maravillosas en “Interstellar Boredom” y me sentí totalmente satisfecho, es verdaderamente asombroso lo que puede tocar este tipo. Y si estan en busqueda de esas partes extrañas de la guitarra que solo Muenzner puede hacer, les quiero decir que esto está en todo este álbum, pero un referente sería “Chaos Theory and Practice” y recuerda levantar la mandíbula una vez que hayas escuchado esto.

Si son amantes de este género, este va a ser un álbum que van a necesitar, sin ninguna duda. Algo que marcará la historia del death metal moderno. Es progresivo, dinámico, poderoso, convincente, profundo e infeccioso, una bestia que te mantendrá atrapado debajo de sus garras de otro mundo por mucho tiempo. Enjoy

Lista de temas:

01. Kernel Panic
02. As Decreed by Laws Unwritten
03. Azagthoth
04. Liquid Anatomy
05. In Turmoil’s Swirling Reaches
06. Interstellar Boredom
07. Chaos Theory and Practice
08. Rise of the Cephalopods

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At the Gates – To Drink from the Night Itself

Cuando una banda abandona la escena y regresa después de un largo rato, llega con ellos un conjunto poco saludable de expectativas; donde todos esperamos que dicha banda crezca simultáneamente y permanezca igual, pero hoy en día, y después de haber pasado tanto tiempo, algún cambio tiene que haber.

At The Gates, los padrinos de una de las escenas más influyentes de mediados de los años noventa, se reagruparon en 2007 después de doce años de inactividad y lanzaron “At War With Reality”, un álbum muy bueno en todos sus aspectos aunque muchos esperaban algo similar al genial “Slaughter of the Soul” de 1995, mas allá de que su formación estaba en su esencia… Ahora, con el guitarrista fundador Anders Björler fuera de la escena musical casi por completo, la pregunta que me hice fue ¿Que nos deparará este nuevo “To Drink from the Night Itself“?.

 

En resumen, TDFTNI se siente como una continuación de “At War With Reality“, pero con estados de ánimo más profundos como en “The Red in the Sky“. Sin embargo, al mismo tiempo, At The Gates mantiene sus engranajes atrapados principalmente en modo “Slaughter of the Soul”. Después de un instrumental llamado “Der Widerstand”, la canción principal empieza sonando demasiado cerca al grandioso “Blinded By Fear“, solo que sin un solo. La batería de Adrian Erlandsson se mantiene intacta con el beneficio adicional de una trayectoria impecable que lo hizo tocar con mas fluidamente que antaño. Los aullidos y gritos de Tomas Lindberg suenan tan ácidos y potentes como siempre.

La energía corre desenfrenada a través de TDFTNI, mas que nada cuando la banda se sumerge en aguas atmosféricas, los resultados son directos y masivos. Para dejarlos sin respiro salen con un temazo como “A Stare Bound in Stone”, el cual lleva a una segunda mitad colosal y devastadora. Por otro lado, “The Colors of the Beast” muestra a unos At The Gates totalmente en buena forma, con un monstruoso riff en la apertura, pero calmando las cosas hasta una poderosa, casi fatal melodía, permitiendo al nuevo guitarrista Jonas Stålhammar (The Lurking Fear, Black Phoenix) melodías de guitarra para respirar y brillar un poco más.

Creo, personalmente, que el cambio que esta haciendo la banda se denota en la segunda mitad, donde muestran una faceta mas progresiva. El tiempo que paso fue transformando la banda a un lugar mas ambicioso y el cual a tomado mucho territorio en la música pesada actual. La producción de Russ Russell es muy buena, pero si piensan en algo mas progresivo tendrían que despojarse por completo de aquel sonido “old school” y hacer una producción mucho mas pulida (a mi entender). Los cambios son tan sutiles, que da la sensación de que la banda tuviera miedo de ir a por todas al banda tiene miedo de ir a por todas a nuevos encuentros musicales que puedan enriquecer o no, su música.

El bajo de Jonas Björler golpea firme y vibrante como la primera vez, acompañando a Erlandsson hasta la muerte. Leí por ahí que Stålhammar fue agregado después de que se completó toda la elaboración de la placa, pero tengo curiosidad por escuchar cómo sonarán sus contribuciones de aquí en adelante.

Para cerrar quisiera decir que “To Drink from the Night Itself” es un excelente álbum, es difícil que una banda de esta talla te defraude a estas alturas, pero es que noto que necesitan un cambio, una vuelta de rosca, algo refrescante que les de otra perspectiva dentro de lo que hacen, esto es solo un deseo personal, muchos no estarán de acuerdo, seguro. Pero noto en ellos esa inseguridad de arriesgarse a un cambio, ojala se animen de una vez por todas y haya   At The Gates para rato. Enjoy

Lista de temas:

1. Der Widerstand 1:28
2. To Drink from the Night Itself 3:23
3. A Stare Bound in Stone 4:08
4. Palace of Lepers 4:05
5. Daggers of Black Haze 4:42
6. The Chasm 3:21
7. In Nameless Sleep 3:37
8. The Colours of the Beast 3:50
9. A Labyrinth of Tombs 3:30
10. Seas of Starvation 3:56
11. In Death They Shall Burn 3:59
12. The Mirror Black 4:42

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La Iglesia Atómica – Gran Muro de Coma

La Iglesia Atómica es una legendaria banda de rock psicodelico instrumental de Puerto Rico, con una vasta trayectoria sobre sus hombros. Esta compuesta por Agustín Criollo (bajo, teclados, guitarra y samples), Martin Latimer (guitarras) y Herb Pérez (batería).

“El Gran Muro” es la segunda superestructura conocida más grande del universo. Compuesta de galaxias, está aproximadamente a 200 millones de años luz de la tierra y sus dimensiones sobrepasan los 500 millones de años luz de largo, 300 millones de años luz de ancho y 15 millones de años luz de espesor. Está conformado por el Supercúmulo de Hércules y el Supercúmulo de Coma. De ahí el nombre de este gran álbum.

 

Este disco representa la interpretación de este viaje interestelar de la Sonda Viajero hasta llegar al “Gran Muro de Coma”. Y la verdad es que es un verdadero viaje musical, emocionante, inspirador y visceral, el cual consta de 3 hermosas pistas plagadas de ambientes placenteros, como así también de adrenalina. Este viaje arranca con “Viajero“, valga la redundancia, con 20 minutos de puro placer auditivo, donde la psicodelia se entrelaza con el space-rock para dar vida a esta belleza que los hará volar por lugares inhóspitos que quizás nunca visitaron.

Para continuar está “Nube de Oort“, una pista hipnótica y adictiva, que no hace más que hacerte disfrutar de este tour espacial y blusero. Deciden prescindir de la voz, para no casarse con ningún idioma y poder ser una verdadera banda universal, como así también, trabajan con gente de diferentes lugares haciéndolos participes del álbum. Es por eso que decidieron que el la portada estuviese hecha por el diseñador de arte Julián Ciceri (Bs.As.)y la mezcla de dos primeras canciones se hicieron en Perú y la tercera en Alemania.

“Hijo del Sol” da el cierre a este viaje cósmico, con un tema mucho mas calmo sin dejar de lado la psicodelia, donde, a medida que avanza la pista, el nivel intensidad va tomando volumen, donde afloran las emociones hasta el punto mas alto. Verdaderamente apasionante, ideal para prender una chala y dejarse llevar por estas hermosas notas.

Los años de trayectoria de La Iglesia Atómica  se ve reflejado aquí, en un disco de vastas experiencia compositiva y calidad de sonido. Una fiel demostración de como esta creciendo el rock latinoamericano hoy en día. No quiero aburrirlos mas con mis palabras y escuchen este orgasmo auditivo llamado “Gran Muro de Coma”.

Lista de temas:

1.Viajero 20:46
2.Nube de Oort 09:49
3.Hijo del Sol 10:10

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Fuzz Forward – Out of Nowhere

Fuzz Forward es una banda oriunda de Barcelona, y está formada por el vocalista Juan, el bajista Jordi Vaquero y los hermanos Edu y Marc. Su música se basa en influencias del Hard Rock setentoso pero con tintes de rock alternativo de los 90′ y mezclados a su vez con ese sonido corrosivo del stoner actual. Donde la columna vertebral, es sin dudas, su base rítmica manifestada por contundentes riffs de guitarra, una batería potente y un bajo sísmico que hace temblar las paredes de “Out of Nowhere”. Pero lo que termina de cerrar este perfecto circulo es la voz áspera y melódica de Juan, la que por momentos me trae a la memoria a aquella época gloriosa de Laney Stanley, pero con un toque personal.

Para tener en cuenta, ellos pertenecen a la familia de Red Sun Barcelona como así también de otros proyectos como Bóveda Del Sol, El Yeti o Mindust, estos tremendos músicos se reúnen en un mismo proyecto para dar vida a este monstruo sónico llamado Fuzz Forward.

Out Of Nowhere” consta de 8 hermosas pistas donde el Grunge y el Stoner se funden en dosis muy bien equilibradas de riifs y armonías. Donde las canciones están dotadas de un sonido pulido y refrescante a la vez. Pueden escuchar temas como “Despair” (bien a lo STP), “White They Corner” (pegadiza a mas no poder) o la fabulosa “Thorns in Tongue” que son una excelente muestra de lo que les digo. Pero también hay cosas un poco más oscuras como la siniestra “So Fed“, simplemente brillante!. Por otro lado, sus letras, al ser cantadas en ingles le da otra dimensión al disco y por supuesto mayor alcance.

Tres de las composiciones mas bellas de este discazo pertenecen a “Summertime Somersaults”, con unos cortes fantásticos, “Torches“, una balada que es un verdadero manjar y por último “Drained“, con un descomunal power!. Para cerrar el disco está “Go Crush“, con ese típico riff que te hará sacudir la cabeza de manera inconsciente, TEMAZO!

Me da la sensación de que Fuzz Forward, con este gran álbum van a llegar muy lejos, no tan solo por su calidad musical sino porque están haciendo las cosas bien. Se han convertido en uno de mis últimos discos favoritos y les aseguro que van a estar por mucho tiempo en mi reproductor. Enjoy

Lista de temas:

1.Despairs
2.Summertime summersault
3.While they corner
4.So Fed
5.Thorns in Tongue
6.Drained
7.Torches
8.Go Crush

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TesseracT – Sonder

Tesseract fue uno de los pioneros del sonido “djent”, recurso o técnica que me tenía un poco cansado, quizás por la cantidad de bandas iguales que salieron en aquella época. Pero gracias a un melómano amigo que me recomendó en específico este álbum, me tomé el tiempo de degustarlo minuciosamente de punta a punta.

En sus inicios el djent era una mezcla de metal progresivo que tomaba mucho prestado tanto del heavy-low ajustado de Meshuggah como de las melodías progresivas contemporáneas en un mismo campo, mezclados con una decente dosis de atmósferas.

En 2018, djent tiene un sonido distintivo orbitando alrededor de un surco polirrítmico. A partir de ahí, puede desviarse mucho, desde los sonidos electrónicos altamente melódicos, como puede ser el ejemplo de Animals as Leaders. Sin embargo, hay muchas bandas de djent que se conforman con la versión más simplista de la fórmula y creo que Tesseract se habia volcado lamentablemente a este camino, quizás que por eso les deje de prestar atención.

Al mismo tiempo, y de forma indiscriminada, empezaron a surgir un sin fin de bandas haciendo lo mismo. Con el tiempo cada banda decide evolucionar y hacer algo que los distinga de los demas, y “Sonder” se siente con el deber de cambiar el rumbo de la banda.

Creo que ahora con este disco bajo el brazo, Tesseract depende completamente del ambiente como si fuera su “ingrediente secreto”. Donde el uso adecuado del ambiente puede agregar un tono pensativo o una oportunidad para la reflexión emocional de una canción, Tesseract confía en ella como el elemento cohesivo en casi todas las pistas de “Sonder” y como reemplazo tambien, de las melodías masivas de antaño.

Como en “Polaris“, Dan Tompkins no destaca lo suficiente sus tonos graves para proyectar el tipo de melodía que podría hacer que una pista se destaque, mientras que las guitarras de James Monteith pasan a un segundo plano, principalmente en las partes calmas, donde el protagonista principal es el ambiente. No así en las partes fuertes, donde las guitarras toman la posta sonando mas gordas y gruesas. El bajista Amos Williams ofrece algunas ejecuciones de bajo increíblemente atractivas, como es el caso de “Juno“, en particular, realiza algunos ritmos refrescantes que hacen que el tema sea fuerte y ágil.

Los ritmos en cada pista son más fuertes que nunca, a estas alturas la banda no necesita demostrar nada, son inmensos, y creo que este pequeño cambio les sienta bien. De lo único que estoy seguro, es que el ímpetu de “evolucionar o morir” en cada banda progresiva es innegable. Tesseract se encuentra a mitad de camino en este trecho “evolutivo”, y “Sonder” esta aqui para demostrarlo. Enjoy

Lista de temas:

01. Luminary

02. King

03. Orbital

04. Juno

05. Beneath My Skin

06. Mirror Image

07. Smile

08. The Arrow

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