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CapotonFurioso

Este blog esta destinado a compartir musica e información de bandas y solistas. Enjoy

Autor

Álvaro de la Vega

Melómano que le gusta compartir la música que ama.

Code Orange – Underneath

La banda hardcore de Pittsburgh, Code Orange, dejo muy en claro los huevos que tiene y la basta materia prima que poseen en su anterior álbum, Forever de 2017. Ese LP dividió su tiempo entre el sonido virulento y metálico que dominaron anteriormente en su carrera y una nueva sensibilidad melódica. En su ultimo disco, Underneath, fusionan ambos lados de su personalidad y se expanden aún más, con un nuevo enfoque en el tecnicismo y los elementos electrónicos. Code Orange sigue cada impulso creativo y, al hacerlo, entrega su mejor y más original álbum hasta el momento. Una placa ambiciosa y totalmente impredecible en toda su duración.

 Lo mas destacable de la placa, son esos toques industriales con fallas y sintetizadores con un enfoque caótico y matemático sin sacrificar el terreno melódico que la banda ganó en Forever. En todo caso, estas canciones son más memorables y cohesivas que las de su predecesor. El baterista y vocalista Jami Morgan y el guitarrista y vocalista Reba Meyers han perfeccionado su enfoque de doble garganta, y también han afilado sus riffs y ganchos hasta un punto inmejorable.

En temas como “Sulphur Surrounding” y especialmente la potencia del tardío “Autumn and Carbine”, Code Orange teje puentes vocales limpios que crean una amalgama de texturas y matices que llaman poderosamente la atención. Así mismo, en “You and You Alone”, Morgan toma la posta y entrega una canción igualmente himna sin melodía alguna pero a puro frenesí.

Estas canciones son impresionantes por derecho propio, pero Underneath no suena como una colección de singles. El uso repetido de samples y algunas secuencias inesperadas le dan el tipo de flujo narrativo que los oyentes pueden esperar de un álbum conceptual de una banda de rock progresivo, por esto, cada canción pide una nueva escucha cada vez que termina.

Es difícil encontrar algo malo en Underneath, aparte, siempre que subo un disco es porque realmente me gusta mucho. Algunos puristas dirán que el disco se inclina hacia la popularidad del nu-metal, y hay algo de verdad en esto, pero no tiene nada de malo, al contrario, enriquecen aun mas su arte. Un claro ejemplo es la pista que le da el nombre al disco, “Underneath”, debo confesar que por momentos me trajo a la memoria los NIN, pero con la personalidad propia de la banda.

 

La entrega ocasional de inflexiones de rap infligidas por Morgan provoca algo de nostalgia por el sonido que dominó el cambio de siglo. Sin embargo, Code Orange se compromete con esas opciones sin parecer cursi o trillado. Code Orange ha entrado en su fase imperial. Utilizan partes de diversos géneros como el grunge, industrial, death metal y otras hierbas, logrando asimilarlos en un todo coherente sin sacrificar sus raíces hardcore. Cumple todas las promesas en un paquete elegante e increíblemente pegadizo y lo hacen en menos de 50 minutos.

TODOS DE PIE para recibir este inmenso disco. ENJOY

Lista de temas:

01 (deeperthanbefore)
02 Swallowing the Rabbit Whole
03 In Fear
04 You and You Alone
05 Who I Am
06 Cold.Metal.Place
07 Sulfur Surrounding
08 The Easy Way
09 Erasure Scan
10 Last Ones Left
11 Autumn and Carbine
12 Back Inside the Glass
13 A Sliver
14 Underneath

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tétéma – Necroscape

Tētēma, uno de los tantos proyectos del camaleón del rock Mike Patton lanza su nuevo disco llamado “Necroscape”, es una secuela de su debut llamado “Geocidal” de 2014. Como para ponerlos en contexto,esto podría ser una mermelada entre Mr Bungle, Tomahawk, Fantômas y Dead Cross. Sí, encontrarás todas esas influencias esparcidas por la amplitud del álbum en algún lugar u otro. Realmente es así de amplio.

Como puede imaginar, “Necroscape” puede llegar a ser un paseo agradable y variado. Grabaciones en vivo anteriores han demostrado que los sonidos de este proyecto se forjan a partir de una plataforma técnica desconcertante y salvaje, de la cual las voces de Patton son solo una parte. Los pasajes orquestales se escabullen por encima de las paredes de distorsión y las señales electrónicas de ruidos saltan a través de tempos fragmentados. Todo está hecho para crear lo pesado, lo incierto, lo soñador y lo emocionante. A través de todo esto, se hace evidente que el objetivo con tētēma es la experimentación a nivel microscópica. Cada canción es un tapiz de ruido, que la banda de alguna manera logra convertir en canciones amigables. Por esa razón, se recomienda cierta perseverancia para apreciar el efecto completo, de otra manera no los atrapara.

Un punto culminante particular viene en la forma de “Wait Till Mornin”, que tiene matices tribales espirituales que recuerdan al álbum Anonymous de Tomahawk de 2007. Es bastante pegadizo al abrir el disco, y sirve como un buen punto de partida para las progresiones más salvajes escuchadas en pistas posteriores. También notable en el descubrimiento inicial es la furtividad de “Dead Still” y las campanadas de cierre de “Funerale Di Un Contadino”. Las explosiones controladas de sonido demuestran ser productos iguales por derecho propio, y realmente no hay subidas o bajadas en todo momento.

En general, “Necroscape” es un buen álbum para buscar una experimentación enérgica. Es probable que la mayoría de las personas lo hayan descubierto esta banda a través de la conexión Ipecac / Mike Patton, pero incluso si los oídos sin darse cuenta lo encuentran, la calidad resonará de todos modos. En este sentido, son buenas noticias para ambas partes, los fanáticos mas acérrimos del Pattonismo se sentirán tan bien tratados como cualquier otro oyente.

Amo a Patton y su música pero no puedo dejar de hacerme estas preguntas ¿Es accesible? ¿No es interesante? Y la respuesta para ambas preguntas es si!. Es completamente posible que tētēma tomara un montón de ideas, las uniera y esperara lo mejor, pero musicalmente, el talento y la intuición son incuestionables. Necroscape es una plétora aplastada de sonidos fugaces, que intimidará a muchos, pero en última instancia, es un viaje muy divertido. Ya sea un nuevo color para el arco iris musical de Mike Patton. Es una excelente opción, y perderselo sería una sacrilegio. Enjoy

Lista de temas:

01 – Necroscape
02 – Cutlass Eye
03 – Wait Till Mornin’
04 – Haunted On The Uptake
05 – All Signs Uncensored
06 – Milked Out Million
07 – Soliloquy
08 – Flatliner’s Owl
09 – Dead Still
10 – Invertebrate
11 – We’ll Talk Inside A Dream
12 – Sun Undone
13 – Funerale Di Un Contadino

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Me And That Man – New Man, New Songs, Same S**t, Vol. 1

El velo oscuro del enigmático proyecto de blues-country de Nergal a visto la luz, me refiero al nuevo disco de Me And That Man, New Man, New Songs, Same Shit, Vol. 1″. Tres años después de su debut inicial con “Songs Of Love And Death”, ha regresado con una oferta que de hecho es diferente desde el vamos.., pero de ninguna manera menos brillante. Nergal se ha superado a sí mismo con su nueva colección cautivadora de canciones, que presenta una lírica siniestra sobre un blues sin filtros, folk gótico, country, como así también himnos con influencia americana.

El fascinante álbum muestra un espectro completamente nuevo de vibraciones oscuras, con la notable colaboración de iconos de la música pesada como Corey Taylor de Slipknot, Brent Hinds de Mastodon, Matt Heafy de Trivium, Ihsahn de Emperor o Nicke Anderson de Entombed entre otros. “New Man, New Songs, Same Shit, Vol. 1” es una obra maestra diversificada y dinámica que presenta a Nergal con una luz completamente nueva, proporcionando un fuerte contraste con los sonidos pesado de Behemoth. Artistas como Nick Cave han demostrado a lo largo de los años que hay un lado oscuro del blues y el folk que necesita ser explorado. Por lo tanto, no fue una sorpresa cuando Nergal formó su proyecto de blues oscuro / folk.

En el verano de 2018, el músico de rock británico / polaco John Porter dejó Me And That Man quien lo acompaño en el primer disco. Es notable que Nergal quería asumir un desafío diferente para este álbum, cada pista tiene su propio carácter y ambiente, obviamente junto a cada invitado que aporta un condimento distinto según sea la canción. La placa viaja por las tierras de blues, folk ( “Man Of The Cross” ), country ( “You Will Be Mine” ) e incluso western ( “Deep Down South” ).

La canción de apertura “Run With The Devil” es una canción de puro rock impulsada por blues, pegadiza y adornada con saxofón. Mientras que la infusión de piano y armónica en “Deep Down South” hace que parezca que fue grabado en alguna taberna polaca. Vale la pena escuchar todas las pistas de este álbum, pero hay algunos aspectos destacados. La naturaleza folclórica y oscura de “Burning Churches” lo hace brillante, mientras que las increíbles voces de Ihsahn en “By The River” solo se ven superadas por el impresionante trabajo de guitarra.

Luego está el suave “How Come”, una pista de rock con el brillante Corey Taylor al timón, pero lo más destacado para mí es la violenta canción de amor “You Will Be Mine”, que cuenta con la voz de Matt Heafy, una balada de amor asesina…. La atmósfera creada por la música en New Man, New Songs, Same Shit Vol 1 es simplemente perfecta para este cuarentena global que estamos viviendo. Es la banda sonora que necesitamos en estos tiempos.

Después de haber lanzado el optimista sencillo “Run With The Devil” (con Jørgen Munkeby de los black-jazz noruego Shining) y “Burning Churches” ( con Mat McNerney de Grave Pleasures), obtuvieron un muy buen recibimiento, por lo que la banda opto por lanzar un tercer sencillo, el sombrío, “Surrender”. La canción cuenta con la voz sueca de doom blues industrial de Dead Soul y la interpretación de guitarra distintiva de Rob Caggiano ( Volbeat ), sencillamente increíble.

La banda lanzó su álbum debut, “Songs Of Love And Death”, en 2017, presentando al mundo su marca única de folk y blues, mezclada con toques oscuros y siniestros. El álbum atmosféricamente oscuro proporcionó un fuerte contraste con Behemoth con sus melodías pegadizas y ritmos relajados, y le dio a Nergal espacio para expresar su creatividad con un entorno diferente.

Darski ha sido una pieza importante en la industria de la música durante años. Como líder de la banda de black / death metal Behemoth, en donde Darski predica sermones oscuros, alaba a Satanás y canta sobre la blasfemia explícita. Naturalmente, el siguiente paso fue canalizar esos temas en otro género comúnmente conocido como la música del Diablo, el blues. Es exactamente eso, el proyecto en solitario de Nergal sorprenderá y hechizará al oyente. El creativo visionario fundó la banda en un esfuerzo por mostrar su verdadera habilidad para adaptarse a cualquier género. Y la verdad es que el mal nunca ha sonado tan bien, Inquietantemente bello. Enjoy

Lista de temas:

01. Run With The Devil (feat. Jørgen Munkeby of SHINING)
02. Coming Home (feat. Siver Høyem of MADRUGADA)
03. Burning Churches (feat. Mat McNerney of GRAVE PLEASURES)
04. By The River (feat. Ihsahn of EMPEROR)
05. Męstwo
06. Surrender (feat. Anders Landelius of DEAD SOUL)
07. Deep Down South (feat. Nicke Anderson of ENTOMBED / Johanna Sadonis of LUCIFER)
08. Man Of The Cross (feat. Jerome Reuter of ROME)
09. You Will Be Mine (feat. Matt Heafy of TRIVIUM)
10. How Come? (feat. Corey Taylor of SLIPKNOT and STONE SOUR) / Brent Hinds of MASTODON)
11. Confession (feat. Niklas Kvarforth of SHINING)

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Sepultura – Quadra

Quince álbumes y Sepultura siguen siendo una fuerza creativa imparable. Sepultura ha subido unos escalones para retomar el podio que dejo en los 90′, ciertamente desde el álbum ” Mediator …“, aunque debo decir que ” Kairos” y ” A-Lex” fueron excelentes a mi parecer. Pero si atribuimos el fuego a Eloy Casagrande detrás de la bata, entonces, este seria un argumento tan sólido como cualquier otro. Me atrevo a decir que es uno de los mejores bateristas del metal extremo de la actualidad, en mi opinión. Potencia, velocidad y técnica sin fin. Ha traído sangre joven y fresca a una banda que ahora tiene 35 años, que le aporto destreza y vehemencia a su infernal música.

Porque el nombre “Quadra”, pues porque este es un álbum de cuatro partes, el cual posee doce pistas, por lo que cada canción sigue un patrón hasta cierto punto. Lo primero es puro thrash metal actual. La primera pista,“Isolation” es feroz, pegadiza y terriblemente poderosa. La música y las voces son fantásticas. “Means To An End” sigue con un enfoque groove thrash, con un excelentre trabajo de guitarra por parte de Kisser.

Jens Bogren está nuevamente al frente de la producción y trae un sonido gordo y directo, con una mezcla muy clara de todos los instrumentos. El último del trío de thrash es “Last Time”, tiene múltiples secciones de tiempo, múltiples secciones de riff, donde la protagonista es la pesadez. El tema siguiente comienza tribal a lo “Roots”, “ Capital Enslavement”, es por lo tanto, un éxito rotundo y afirma enfáticamente que Sepultura sigue siendo una de las mejores bandas pesadas del planeta.

El tema que continúa es “Ali”; es otro genial tema en el que Derrick Green sobresale. Es más lento pero tiene surcos muy efectivos, a los 2 minutos de transcurrido el tema, Kisser larga un riff increíble, asesino y 100% groovero. “Raging Void” tiene una sensación de ritmo rodante, pero con riffs adecuados y una estructura progresiva. Al parecer, la voz de Green solo mejora con la edad, larga unas líneas melódicas a lo Mastodon que encajan perfectamente en la canción. Son precisos y furiosos en un álbum que ofrece una impresionante gama de estilos y matices.

“Guardians of Earth” se abre debidamente con un pasaje de guitarra acústica, pero luego entra una percusión latina. Es como Sepultura vuelve el reloj a 1993 nuevamente, pero las voces corales y la producción exuberante son elementos que no habrían sido considerado en aquel entonces. Justo cuando crees que es “Kaiowas” parte 2, el rugido de Green salta de los altavoces y luego el tiempo cambia a medida que Kisser recrea el motivo acústico a través de la amplificación eléctrica. Un tema con arreglos increíbles que se amalgaman a la perfección.

El siguiente tema es un instrumental-eléctrico llamado ” The Pentagram”. Ciertamente tiene guitarras vibrantes, cambios dinámicos y cambios muy inteligentes y por lo tanto, es una delicia auditiva de 5:30 minutos. En “Autem” optan por una dinámica silenciosa y fuerte, con Green una vez más usando su voz en diferentes estilos, pero alejándose de la plantilla thrash. Es un momento destacado del álbum, por la experimentación por la que la banda ha optado, lo cual me parece excelente.

La pista del título es la siguiente y, en realidad, es una pieza acústica bastante bonita que dura menos de 2 minutos y conecta el registro con las dos últimas pistas. A través de las melodías acústicas de la canción principal, la banda permite al oyente prepararse para un final melódico, que sirve como un tratamiento de enfriamiento para llegara su fin. “Agony of Defeat” sigue siendo bastante pesado con un trabajo vocal aún más estelar de Green y algunas adiciones corales que no se usan en exceso, es una canción melódica pero pesada y variada.

El registro cierra con “Fear; Pain; Chaos; Sufferi”, cuatro estados de la mente que se reflejan dentro de la composición y estructura de la pista. Aquí esta como invitada la cantante de Far From Alaska, Emmily Barreto, ella es la que comienza cantando esta canción, la cual le agrega variedad y color a la canción, con Green apoyándola para luego explotar con su voz aspera. Como pista es realmente un gran trabajo. Encajaría en un álbum de trip hop de Tricky tranquilamente, si no tuviera el respaldo de metal. Para ser claros, este es un disco muy metal y muy pesado. Hay velocidad y peso en todo el asunto y los fanáticos de cualquiera de las eras y alineaciones de la banda encontrarán mucho para disfrutar en esta placa.

Es un disco ambicioso y exitoso que continúa la racha ganadora de Sepultura y una vez más los coloca en la carrera como contendientes del álbum de metal del año. Es uno de los mejores álbumes de Sepultura de cualquier época. Es meticulosamente detallado y enfocado. Un disco increíble. Enjoy

Lista de temas:

1. Isolation
2. Means To An End
3. Last Time
4. Capital Enslavement
5. Ali
6. Raging Void
7. Guardians Of Earth
8. The Pentagram
9. Autem
10. Quadra
11. Agony Of Defeat
12. Fear; Pain; Chaos; Sufferi

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Arcadea – Arcadea

Los proyectos paralelos son una forma de que los músicos hagan cosas o colaboren de una manera que generalmente no pueden hacerlo en su banda principal. Muy a menudo, un proyecto paralelo, si bien sirve como una salida para la música que no es adecuada para su proyecto principal, en realidad no es tan diferente de su trabajo habitual en un entorno de banda. A veces, sin embargo, los músicos deciden usar un proyecto paralelo y hacer algo muy diferente y muy fresco, y Arcadea es un proyecto así. El proyecto es el cable a tierra para el baterista, vocalista y escritor frecuente de Mastodon, Brann Dailor, que reclutó a los guitarristas Core Atoms (Zrua, Gaylord) y Raheem Amlani (Withered, Scarab), quienes tocan teclados y proporcionan voces. Como se señaló, los dos tocan la guitarra para sus bandas de cabecera.

Sin embargo, Arcadea es, con la excepción de la batería, un proyecto completamente electrónico, por lo que los dos solo tocan teclados, el cual me hizo acordar a One Day as a Lion, y a los Netherlands, pero con un enfoque distinto, esto es mas progresivo, por así decirlo. No me parece demasiado distinto a Mastodon, lo que llama la atención es el peculiar sonido de los sintetizadores en vez de las guitarras, y es lo que hace que el álbum sea tan maravilloso. Realmente toman riesgos y hace algo novedoso e inesperado, audaz se mueve con seguridad, y el resultado es un álbum divertido, peculiar y muy bueno.

El álbum comienza con “Army of Electroncs” y, como suele pasar con las pistas abridoras, establece las bases para el sonido general del resto del álbum. Como en la mayoría del álbum, las voces principales son entregadas por Brann con su estilo claro y fácil de reconocer. En algunos momentos, las voces se modifican electrónicamente con un “vocoder”, un efecto utilizado en todo el álbum y que generalmente es bastante efectivo para producir un sonido remoto para las canciones de rasgos setentosos. Esto es apropiado ya que las letras son del tipo espacial / psicodélico. Los títulos de las canciones reflejan el enfoque y la mentalidad del proyecto, incluidos “Rings of Saturn”, “Neptune Moons” y “Motion of Planets”.

De esas tres canciones mencionadas anteriormente, la más singular es quizás “Motion of Planets“, ya que las canta uno de los integrantes con una voz mas arenosa, mientras que Brann hace únicamente los coros. Las voces son más profundas y son más gritadas que cantadas. Revela otro lado del sonido que han creado, y es otro ejemplo de la naturaleza poco ortodoxa del álbum. Generalmente es apropiado comentar sobre la reproducción de un álbum determinado y el equilibrio de los instrumentos. Eso no es tan necesario aquí, ya que la instrumentación principal son los teclados. Pero el sonido que crean los dos se realiza y elabora sólidamente. Los elementos electrónicos son en gran medida agresivos y de tono más agudo, lo que da como resultado la sensación de pesadez del álbum previamente mencionada.

La batería de Brann sigue siendo el único instrumento “en vivo” en el álbum, y como era de esperar de alguien de su calibre y habilidad, es excelente. Su mejor interpretación se guarda para la canción final del álbum, “Magnificent Facade“, que tiene casi el doble de duración que las otras a las 6:37. La segunda mitad de la canción es predominantemente instrumental, y realmente estalla con unos juegos rítmicamente complejos, impulsando la canción y fundamentando su peso. Es un final perfecto para el álbum.

Arcadea ha logrado unir a tres músicos dotados y el resultado final es uno de los álbumes más frescos y únicos que he escuchado en los últimos años en la música convencional, a pesar de que el disco fue lanzado en 2017. Es un trabajo excepcional y encajará perfectamente en la discografía de cualquier fanático de la música que aprecie la música original y ligeramente inusual. Muy recomendable. Enjoy

Lista de temas:

1. “Dancin’ with the Angels” 4:07
2. “Nothin’ to Lose” 4:36
3. “Calm Before the Storm” 4:06
4. “Cry No More” 5:32
5. “Screamin’ S.O.S.” 3:35
6. “Never Goin’ Home” 3:40
7. “Messed Up World” 3:54
8. “All Shook Up” 3:37
9. “So Good… So Bad…” 4:36
10. “Livin’ Dangerously” 3:11
11. “Sons and Daughters” 1:53
12. “Mother Blues” 3:12

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Refused – War Music

War Music es la última creación del post-punk anticapitalista de los iconos suecos Refused. Los suecos parecieron aprovechar la energía de su fenomenal álbum de regreso de 2015, Freedom , y lo canalizaron en 10 canciones compactas cargadas de política en sus líricas. War Music comienza con un inquietante canto de la cantante y compositora sueca Miriam The Believer en la canción de apertura “REV001” antes de explotar en una enorme pared de riffs y gritos. Refused en su máxima expresión.

Lyxzen, es el que nivela todo, grita con convicción, mientras sus compañeros de banda golpean sus instrumentos con suficiente intensidad reverberante para hacer lo que él ordena. Después de eso está “I Wanna Watch the World Burn”, es tan adecuado para la bailarla como para un motín. A continuación, “Blood Red” presenta un estribillo que pide ser gritado por cientos de otras voces durante uno de sus shows en vivo, mientras “Malfire” alterna entre versos apagados y un estruendoso coro absolutamente majestuoso.

Musicalmente, es una versión más despojada y cruda de sus predecesores. El baterista David Sandstrom canaliza su mejor impresión de Brad Wilk y golpea el kit como si fuera la cabeza de Trump. Los guitarristas Kristofer Steen y Mattias Bärjed parecen haber duplicado el tamaño de sus amplificadores desde Freedom. La segunda mitad del álbum continúa la tendencia: ponga cualquiera de estas pistas en cualquier momento, y es probable que se sorprenda asintiendo con la cabeza hacia un ritmo infeccioso.

Estas canciones están magistralmente elaboradas. Sin embargo, la clave para hacer que War Music se destaque de álbumes anteriores de Refused es que la banda ha pulido su irregularidad de cortes y le ha inyectado una buena dosis de brevedad. Los riffs filosos, las voces estridentes y la estructura de la canción como una montaña rusa están aquí, aprovechando al máximo cada momento.

War Music, de alguna manera logra la hazaña de sonar más primitivo y aún más oportuno que Freedom. El enfoque simplificado se asemeja más al sonido en vivo de la banda. Algunas bandas pueden lograrlo, y otras no pueden salirse con la suya tan fácilmente.

La banda logra un equilibrio único entre sonar frescos con cosas que son típicas de la banda, si este fuera el primer disco que escucharas de ellos pensarías que es algo novedoso. Es simplemente lo que siempre hicieron y lo mejor que saben hacer. Enjoy

Lista de temas:

1.REV001

2.Violent Reaction
3.I Wanna Watch The World Burn
4.Blood Red
5.Malfire
6.Turn The Cross
7.Damaged III
8.Death In Vännäs
9.The Infamous Left
10.Economy Of Death

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Jasta – The Lost Chapters Vol. 2

Jamey Jasta es uno de los tipos más trabajadores en la música pesada, un tipo incansable, ya sea con su banda de cabecera (Hatebreed) o si no en algún proyecto paralelo. Para esta vez Jasta ha lanzado su nuevo disco solista, The Lost Chapters Vol. 2, y para este segundo álbum, ha reunido una línea de invitados especiales para cada canción. Alguno de los invitados son: Max Cavalera de Soulfly, Jesse Leach de Killswitch Engage, Matt Heafy de Trivium, George “Corpsegrinder” Fisher de Cannibal Corpse, Howard Jones de Light The Torch, Phil Rind de Sacred Reichy, Tommy Victor de Prong solo por nombrar algunos. Jasta es conocido por incorporar más melodía en la música y las voces en su material solista que en Hatebreed.

Muchas de las pistas van en una dirección de metal más directa, mientras se aferran a los elementos del hardcore. Hay un flujo decente en las pistas, desde el abrupto comienzo con “They Want Your Soul”, con Corpsegrinder de Cannibal Corpse, hasta el violento y rabioso “Silence The Enemy Mind” con BillyBio de Biohazard. La voz está muy en el ámbito de lo que Jasta hace en Hatebreed, pero también incorpora mucha más melodía. Por ejemplo, hace algunas armonías bastante dulces con Matt Heafy de Trivium en “When The Contagion Is You” y con Zoli Teglas de Ignite en “Cleansed By The Waves”.

La frutilla de la torta es el excelente cierre con una tremenda versión de “Holy Wars” de Megadeth, que presenta a Joey Concepcion de Sanctuary en la guitarra. No muchos eligen los temas del Colorado para versionar, no se si por su complejidad, y mucho menos de ese disco. La banda ejecuta con supremacía unos de los temas mas amados de Mustaine y cia. con total soltura y eficacia. Jasta hizo un gran trabajo al poner su propio giro en la voz, no deja de ser una versión bastante fiel a la original. También es la única pista que tiene solos de guitarra.

Los fanáticos de Hatebreed podrían no adoptar el enfoque de metal más melódico (los más cerrados) y directo en los discos de Jasta, pero es genial para los fanáticos que disfrutan un poco más de esas cosas, y también es bueno para Jasta sacar algunos de esos elementos que no necesariamente se ajustan a Hatebreed.

El estilo de ahora, en The Lost Chapters vol. 2 es más bien directo, tiene muchos ganchos para atraer al oyente, más allá de su interesante lista de invitados. También siento que las pistas podrían haber habido algunos solos de guitarra, creo que los solos ayudan a llevar las canciones a otro nivel. Si Jasta tomara en consideración agregar solos para su próximo placa en solitario, probablemente podría tener un álbum colosal en sus manos. Enjoy

Lista de temas:

The Want Your Soul (feat. George “Corpsegrinder” Fisher)
Return From War (feat. Max Cavalera)
Strength To Draw The Line (feat. Jesse Leach)
Cleansed By The Waves (feat. Zoli Teglas)
When The Contagion Is You (feat. Matt Heafy)
Spilled Blood Never Dries (feat. Kirk Windstein)
Heaven Gets What It Wants (feat. Howard Jones)
Silence The Enemy Mind (feat. BillyBio)
Just Breathing (feat. Frank Palmeri)
Our Guardian Angel (feat. Phil Rind)
13 Appears (feat. Tommy Victor)
Holy Wars (Megadeth cover) (feat. Joey Concepcion)

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Life Of Agony – Sounds Of Scars

“The Sound of Scars” es el sexto álbum de estudio de Life of Agony, y es también un registro conceptual que continúa la historia del debut de la banda “River Runs Red”.Para esta placa la banda presenta una nueva integrante a la banda, se trata de Veronica Bellino, ella toco con músicos y bandas muy grosas como DMC And The Hellraisers, Richie Sambora, Jeff Beck, Carmine Appice’s SLAMM y Street Drum Corp. Esta baterista vino a darle a la banda una gran dosis de adrenalina y calidad a la banda, haciendo cosas innovadoras a la música de LOA.

El registro de “regreso” de LOA con “A Place Where There’s No More Pain” consolidó su legado, pero esto…, está en otro planeta. Lo que han hecho es hacer sutiles guiños al registro ya mencionado ( River Runs Red ). Aun así hoy podrias escuchar este ultimo disco de LOA por primera vez y pensaras que estás escuchando uno de los mejores discos de hard rock del 2019.

Tienen una forma nueva de hacer las cosas, un sonido clásico pero fresco, que en discos anteriores no encontraran. “Scars” lo muestra, con ese riff grueso y unos gritos de Caputo que les traerá a la memoria a aquellos Stone Temple Pilots de los 90′. La letra, como siempre escrita principalmente por el bajista Alan Robert, es tan cruda, tan cruda que simplemente te dejas llevar por ella.

La voz Mina Caputo cumple una labor perfecta para la composición de esta placa, “Black Heart” también requiere una verdadera habilidad vocal para que sea pegadizo, pero ellos siempre fueron de hacer buenos ganchos y coros. Donde quiera que mires aquí, hay calidad musical, “Lay Down” es posiblemente el mejor de todos, han adoptado cosas de principios de los 90, pero le dan una vuelta de rosca para hacerlo autentico y contemporaneo.

“Empty Hole” te lleva directamente a una vorágine de emociones, pero sigue siendo un verdadero rock n roll, del mismo modo “My Way Out”, es rápido y furioso, coronada por “Eliminate” siendo casi un estruendo punk. Robert sobresale en su bajo aquí y el guitarrista Joey Z está en la cima de sus registros. Hay una dinámica ruidosa / silenciosa en “Once Below”, creando contrastes de pesadez y calma. “Stone” por otro lado tiene un riff de apertura aplastante, emanando fuerza desde el primer segundo. “Weight Of The World” es una pieza interesante, su guitarra se desestabiliza, no debería funcionar, pero lo hace con total naturalidad.

“¿Si puede, si alguno de nosotros puede, sin profundizar demasiado, o si todos estamos hechos de cicatrices?”, es una pregunta que Caputo hace en el cierre más épico de “I Surrender”, seis minutos de balada cercana que baja el telón de un registro maravilloso, y el refrán repetido de “no hay fe y no hay verdad” te deja preguntándote si ellos, o el personaje aquí, alguna vez encontrarán la paz.

Cuando salió “River Runs Red”, la revista Rolling Stone lo calificó como “uno de los mejores discos de metal de todos los tiempos” y su opinión probablemente tenga más importancia que la mía, así que solo diré que tenían razón. Solo agregaré que “El sonido de las cicatrices” es una excelente secuela que dejo aquella maravilla. Enjoy

Lista de temas:

1. Prelude

2. Scars

3. Black Heart

4. Lay Down

5. Then

6. Empty Hole

7. My Way Out

8. Eliminate

9. Now

10. Once Below

11. Stone

12. Weight of the World

13. When

14. I Surrender

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L.A.P.D. – Who’s Laughing Now

Hace un tiempo me dijeron que estaría bueno que escriba sobre el ultimo disco de Korn. Me puse a pensar, mientras escuchaba el disco, de donde venían, cuales fueron sus inicios, como se formaron y me di con esta banda, L.A.P.D.. La banda que después se transformo en lo que hoy es Korn. Me pareció mas importante hacer un post sobre esta banda que muy pocos conocen.

LAPD, que en un principio significo “Love And Peace Dude”, para que un tiempo más tarde sea “Laughing As People Die”, el lenguaje de la banda desde un principio fue una mezcla de Funk Metal y Thrash, se formo en 1989 en Bakersfield, California. Fue formada originalmente por Shaffer, Arvizu y Morrill, siendo Silveria el ultimo en entrar a la banda. La banda tenia fuertes influencias de los Red Hot Chili Peppers y Faith No More, por menciona algunas. Poco después de esto grabaron un demo para enviarse a las compañías discográficas. En 1991, lanzan su primer álbum de estudio “Who’s Laughing Now”. Poco después del lanzamiento del álbum  sufrió algunos cambios en su formación, es ahí que el resto del grupo se dispuso a dar forma a lo que seria Korn. Varios de los antiguos miembros de la banda han formado proyectos en solitario. En 1997, se lanzó un álbum recopilatorio compuesto por catorce pistas. La banda tomo su nombre de las iniciales del Departamento de Policía de Los Ángeles .

LAPD muestra una amplia gama de estilos e influencias, pero casi siempre sigue siendo Funky. Escucharán Crossover Thrash, Hardcore Punk, Grunge, Groove Metal e incluso un poco de Rap. Piensa que Primus se encuentra con D.R.I. y se abrazan con Beastie Boys, pues ahí tendrán una idea clara de qué esperar. Como con la mayoría del Funk Metal, estos chicos tienen un buen sentido del humor, que se muestra justo en la apertura del álbum. El abridor “P.M.S.” comienza con un clip de sonido de “Las Tortugas Ninjas” antes de golpear el cráneo del oyente. No hay nada del tema deprimente y oscuro como en los discos de Korn, este álbum es pura diversión.

El álbum es en general muy consistente, por lo que es difícil mencionar aspectos destacados, pero hay algunos en particular que se destacan por encima del resto. Para aquellos que quieren un Thrash-Funk asesino, “Excuse Me” ofrece esos productos. Tan pronto como la canción realmente comienza, golpea tu cara contra el suelo con este remolino descendente, justo antes de entrar en un riff de marcha Funky Thrash. Para un headbanger instantáneo, solo escucha “Place in France” y trata de no volverte adicto a ese riff. Al final. “Don’t Label Me” es un clásico del Funk Metal, y “All My Life” es una canción de Thrash Crossover corta pero divertida.

El vocalista Richard Morrill, el único miembro que no pasaría a formar Korn, puede cambiar de un tono a lo Les Claypool, gritos hardcore cruzados. Eso puede sonar extraño, pero agrega mucho encanto. James Shaffer ofrece un montón de riffs de puro Funk-Thrash, así como algunos solos excelentes en “Don’t Label Me” y “Listen (Do What I Say)”. En particular es impresionante cuando se combina con el dominio del bajo Funky de Reginald Arvizu. Por último, pero no menos importante, David Silveria trae una sección rítmica sólido junto a  Arvizu.

Hubiera sido agradable escuchar a LAPD continuar como algo secundario cuando los chicos no estén ocupados con Korn. Si eres fanático del Funk Metal, te recomiendo escuchar este álbum. Puede que no sea el nivel de dominio de Sailing the Seas of Cheese o SCIENCE, pero sigue siendo muy gratificante escucharlo. Enjoy

Lista de temas:

1. “P.M.S.” 5:14
2. “Don’t Label Me” 5:06
3. “St. Ides” 4:35
4. “All My Life” 0:44
5. “Who’s Got the Number” 2:31
6. “Excuse Me” 4:49
7. “Listen (Do What I Say)” 3:29
8. “Doe Tee Beat” 0:16
9. “Slicky Slixter” 2:38
10. “Place in France” 2:16
11. “Number 7”

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